Pri­me­ros anun­cios del TIFF

Cró­nica de Jorge Gut­man

Piers Handling, — CEO y Direc­tor del Toronto Inter­na­tio­nal Film Fes­ti­val, y Came­ron Bai­ley, Direc­tor Artís­tico del pres­ti­gioso evento, anun­cia­ron en la con­fe­ren­cia de prensa del mar­tes pasado los pri­me­ros títu­los que inte­gra­rán la pro­gra­ma­ción de la 42° edi­ción a rea­li­zarse desde el 7 hasta el 17 de sep­tiem­bre. La lista incluye 14 títu­los de la sec­ción Gala y 33 per­te­ne­cien­tes a Spe­cial Pre­sen­ta­tion; en este pri­mer anun­cio se incluye 25 pelí­cu­las que se estre­nan en carác­ter de pri­mi­cia mundial.

De una pri­mera lec­tura se puede obser­var como en años ante­rio­res la pre­sen­cia de un con­si­de­ra­ble número de impor­tan­tes direc­to­res con­sa­gra­dos inter­na­cio­nal­mente. Aun no se conoce cuál será el film de aper­tura pero en cam­bio se sabe que el de clau­sura será el estreno mun­dial de C’EST LA VIE (Fran­cia) pre­sen­tado en la sec­ción Gala. Esta come­dia diri­gida por el popu­lar dúo inte­grado por Oli­vier Naka­che y Eric Tole­dano (auto­res del feno­me­nal éxito Intou­cha­bles) se cen­tra en un vete­rano abas­te­ce­dor de ser­vi­cio de comi­das que atra­viesa una serie de con­tra­tiem­pos en oca­sión de pla­near su tra­bajo para una boda de dos de sus clien­tes. Jean-Pierre Bacri, Gilles Lellou­che, Suzanne Clé­ment y Eye Haï­dara, par­ti­ci­pan en este film que será pro­yec­tado el 16 de sep­tiem­bre en el Roy Thom­son Hall.

Entre los títu­los de la sec­ción gala se des­taca BREATHE (Gran Bre­taña) en el que Andy Ser­kis debuta en cali­dad de rea­li­za­dor; Andrew Gar­field pro­ta­go­niza una his­to­ria en donde encarna a un joven y bri­llante aven­tu­rero cuya vida expe­ri­menta un pro­fundo cam­bio cuando la polio­mie­li­tis le deja inmó­vil. Igual­mente des­pierta inte­rés THE MOUN­TAIN BET­WEEN US (Esta­dos Uni­dos) de Hany Abu-Assad con Kate Wins­let e Idris Elba en donde se narra un drama de super­vi­ven­cia de una perio­dista y un ciru­jano como con­se­cuen­cia de un acci­dente aéreo.

. Idris Elba y Kate Winslet en THE MOUNTAIN BETWEEN US

Idris Elba y Kate Wins­let en THE MOUN­TAIN BET­WEEN US

La figura de Wins­ton Chur­chill es con­si­de­rada en DAR­KEST HOUR (Gran Bre­taña) de Joe Wright con la actua­ción de Gary Old­man per­so­ni­fi­cando al gran esta­dista durante sus pri­me­ros tiem­pos como Pri­mer Minis­tro en momen­tos en que Hitler va apro­xi­mán­dose a Gran Bre­taña en la Segunda Gue­rra Mun­dial; com­ple­tan el reparto Ben Men­del­sohn, Kris­tin Scott Tho­mas, Lily James, Step­hen Dillane y Ronald Pickup. En MARY SHE­LLEY ((Irlanda-Gran Bretaña-Luxemburgo-Estados Uni­dos) el rea­li­za­dor Hai­faa Al Man­sour aborda la pri­mera rela­ción román­tica de la escri­tora Mary She­lley con el poeta Percy Bisshe She­lley que sir­vió de ins­pi­ra­ción a la autora de Fran­kes­tein; el elenco incluye a Elle Fan­ning, Dou­glas Booth, Bel Powley y Ben Hardy. El popu­lar actor Daniel Craig y la actriz Halle Berry inter­vie­nen en KINGS (Francia-Bélgica) de Deniz Gamze Ergü­ven, cuya acción trans­cu­rre en abril de 1992 en la zona de South Cen­tral de Los Ánge­les, donde se pro­du­je­ron los seve­ros dis­tur­bios como con­se­cuen­cia de la abso­lu­ción de los poli­cías que han aco­sado y gol­peado bru­tal­mente a Rod­ney King. Tam­bién en Gala se verá LONG TIME RUN­NING (Canadá) de Jen­ni­fer Bai­ch­wal y Nicho­las de Pen­cier, un docu­men­tal que pasa revista a la gira rea­li­zada en 2016 por una legen­da­ria banda cana­diense que ha sabido cap­tar el cora­zón de una nación.

Títu­los que des­pier­tan gran expec­ta­tiva se encuen­tran en la nómina de los fil­mes anun­cia­dos en la sec­ción Spe­cial Pre­sen­ta­tion. El film que lo inau­gura es LADY BIRD (Esta­dos Uni­dos), una come­dia dra­má­tica donde la exce­lente actriz Greta Ger­wig debuta como direc­tora y guio­nista. El cele­brado direc­tor mexi­cano Gui­llermo del Toro pre­sen­tará THE SHAPE OF WATER (Esta­dos Uni­dos), una fan­ta­sía que trans­cu­rre en la época de la Gue­rra Fría y en cuyo reparto par­ti­ci­pan Sally Haw­kin, Octa­via Spen­cer, Michael Shan­non y Richard Jen­kins. El fes­ti­val tam­bién pro­yec­tará DOWN­SI­ZING (Esta­dos Uni­dos) de Ale­xan­der Payne con la actua­ción de Matt Damon Kris­ten Wiig, Chris­toph Waltz, Lauara Dern y Alec Bald­win; el tema se cen­tra en un matri­mo­nio ame­ri­cano que aspi­rando a una vida mejor decide adhe­rirse a un pro­yecto cien­tí­fico des­ti­nado a afron­tar una seria cri­sis mun­dial debido a la superpoblación.

La pelí­cula VIC­TO­RIA Y ABDUL (Gran Bre­taña) de Step­hen Frears está basada en el libro del mismo nom­bre de Shra­bani Basu quien se refiere a la ver­da­dera rela­ción que man­tuvo la reina Vic­to­ria con su sir­viente indio Abdu; la exce­lente Judie Dench encarna a la sobe­rana en tanto que Ali Fazal inter­preta a su súb­dito. El remar­ca­ble direc­tor Wim Wen­ders retorna con SUB­MER­GENCE (Francia-Alemania-España), un thri­ller román­tico pro­ta­go­ni­zado por James McA­voy y Ali­cia Vikan­der; el argu­mento se cen­tra en un inge­niero hidráu­lico que ha sido tomado como rehén en Soma­lia por terro­ris­tas yiha­dis­tas que sos­pe­chan que es un espía bri­tá­nico. UNE SAI­SON EN FRANCE (Fran­cia) de Mahamat-Saleh Haroun aborda el tema de la inmi­gra­ción donde un maes­tro afri­cano de escuela secun­da­ria huye de su con­vul­sio­nado país para lle­gar a Fran­cia donde se enamora de una fran­cesa que le ofrece un techo para él y su fami­lia; San­drine Bon­naire y Eriq Eboua­ney asu­men los roles principales.

Alicia Vikander y James McAvoy en SUBMERGENCE

Ali­cia Vikan­der y James McA­voy en SUBMERGENCE

Emma Stone y Steve Carell enca­be­zan el elenco de BATTLE OF THE SEXES (Esta­dos Uni­dos) de los direc­to­res Vale­rie Faris y Jonat­han Day­ton; el argu­mento escrito por Simon Beau­foy está lige­ra­mente basado en el match de tenis sos­te­nido en 1973 entre Billie Jean King y Bobby Rogs. Por sexta vez George Cloo­ney se ubica detrás de las cáma­ras en SUBUR­BI­CON (Esta­dos Uni­dos) basán­dose en un guión pre­pa­rado por los céle­bres her­ma­nos Ethan y Joel Coen y actuando Matt Damon, Julianne Moore, Josh Bro­lin y Oscar Isaac. Cloo­ney narra lo que acon­tece en una idí­lica comu­ni­dad sub­ur­bana y apro­piada para criar una fami­lia que tras su apa­rente tran­qui­li­dad oculta una per­tur­ba­dora realidad.

Así como el año pasado fue el direc­tor Pablo Larraín quien pre­sentó Jackie y Neruda en el TIFF, esta vez el hecho se repite con otro talen­toso direc­tor chi­leno como lo es Sebas­tián Lelio pre­sen­tando dos fil­mes. Uno de los mis­mos es  UNA MUJER FAN­TÁS­TICA (Chile), su penúl­timo tra­bajo reci­bido cáli­da­mente en el último Fes­ti­val de Ber­lín y que obtuvo el pre­mio al mejor guión escrito por Lelio y Gon­zalo Maza. Su más reciente film es DISO­BE­DIENCE (Gran Bre­taña), inter­pre­tado por Rachel Weisz, Rachel McA­dams y Ales­san­dro Nivola, basado en la novela homó­nima de Naomi Alder­man que narra la his­to­ria de una mujer que retorna a su hogar judío orto­doxo y demues­tra un espe­cial inte­rés por un amigo de su infancia.

Rachel Weisz en DISOBEDIENCE

Rachel Weisz en DISOBEDIENCE

El film de clau­sura de Spe­cial Pre­sen­ta­tion es SHEIKH JACK­SON (Egipto) escrito y diri­gido por Amr Salama narrando la his­to­ria de un joven clé­rigo musul­man que habiendo sido un devoto admi­ra­dor de Michael Jack­son enfrenta una cri­sis de fe cuando se entera de la muerte del Rey del Pop.

En las sema­nas que siguen habrá nue­vos anun­cios de la pro­gra­ma­ción del fes­ti­val. Para una lista com­pleta de los fil­mes dados a cono­cer pre­sione aquí

Fan­ta­sia 2017

Comen­ta­rio de Jorge Gutman

El Fes­ti­val Inter­na­cio­nal de fil­mes FAN­TA­SIA que comenzó su vigé­sima pri­mera edi­ción el pasado 13 de julio y fina­li­zará el 2 de agosto en Mon­treal pre­senta para la oca­sión una selec­ción de más de 150 lar­go­me­tra­jes y 300 cor­to­me­tra­jes. He aquí algu­nos de los títu­los que EL POPU­LAR ha tenido oca­sión de juzgar.

Un buen docu­men­tal es lo que pro­pone Ars­had Khan en ABU (Canadá). En un relato sen­ci­llo y humano el direc­tor y guio­nista del film pasa revista a su vida comen­zada en Pakis­tán donde nació y fun­da­men­tal­mente enfa­tiza su pro­ble­má­tica rela­ción man­te­nida con algu­nos miem­bros de su fami­lia con espe­cial refe­ren­cia a su padre.

Kahn relata las cir­cuns­tan­cias que moti­va­ron el tras­lado de su fami­lia a Canadá en 1991 y cómo estos inmi­gran­tes tra­tan de asi­mi­larse al nuevo medio; en tal sen­tido para Kahn la adap­ta­ción no ha sido fácil al año­rar su tie­rra natal así como lo que siente al com­pro­bar que el color de su piel en parte lo dis­cri­mina del medio social. El rea­li­za­dor ade­más enfa­tiza las peri­pe­cias atra­ve­sa­das por su cri­sis de iden­ti­dad y cómo el pro­ceso de madu­rez que expe­ri­menta lo impulsa a asu­mir su homo­se­xua­li­dad. En otros aspec­tos se refiere al modo en que los acon­te­ci­mien­tos del 11 de sep­tiem­bre de 2001 lle­ga­ron a influir en el seno de su fami­lia. En la última parte del relato, Khan comenta su tras­lado a Mon­treal, comen­zando a estu­diar cine y es allí donde final­mente encuen­tra el sitio ideal para el desa­rro­llo de sus acti­vi­da­des como cineasta y su rea­li­za­ción personal.

A tra­vés de secuen­cias fil­ma­das en dife­ren­tes momen­tos de su vida, entre­vis­tas man­te­ni­das con algu­nos de sus fami­lia­res –su madre y su her­mana mayor y los pro­pios comen­ta­rios del realizador-, queda refle­jado el com­por­ta­miento cul­tu­ral y tra­di­cio­nal­mente reli­gioso de sus padres que difiere por com­pleto con lo que él sus­tenta, así cómo su orien­ta­ción sexual difi­cul­to­sa­mente acep­tada por ellos motivó a que él se sepa­rara de su fami­lia. Con todo, frente a la inmi­nente muerte de su padre ocu­rrida en 2011 se apre­cia que en última ins­tan­cia se pro­duce una emo­tiva recon­ci­lia­ción donde su pro­ge­ni­tor le mani­fiesta que siem­pre lo ha que­rido. En esca­sos 80 minu­tos, es mucho lo que llega a cap­tarse de este honesto y sen­si­ble documental.

Algu­nas de las peri­pe­cias atra­ve­sa­das por los inmi­gran­tes ile­ga­les que resi­den en los Esta­dos Uni­dos son muy bien ilus­tra­das en MOST BEAU­TI­FUL ISLAND (Esta­dos Uni­dos), un cau­ti­vante thri­ller diri­gido, escrito e inter­pre­tado por Ana Asen­sio. Ella anima a Luciana, una joven espa­ñola que, como muchos otros indo­cu­men­ta­dos, llega a la ciu­dad de Nueva York pro­cu­rando con­cre­tar el mítico sueño ame­ri­cano. Ubi­cando la acción durante una única jor­nada se apre­cia las difi­cul­ta­des que ella atra­viesa para estar al día en el pago de arriendo del humilde depar­ta­mento en el que habita; eso es debido a que los magros ingre­sos que per­cibe dis­fra­zada de pollito para la pro­mo­ción de un sitio de comida no le ayu­dan a resol­ver su situa­ción finan­ciera. Una espe­ranza de mejo­rar su con­di­ción se vis­lum­bra cuando una com­pa­ñera le pro­pone un tra­bajo cir­cuns­tan­cial que le depa­rará una buena suma de dinero. Acep­tada la oferta, ella ignora por com­pleto la pesa­di­lla que pronto vivirá al verse obli­gada a expo­ner su vida en un juego maca­bro que tiene lugar en una excén­trica fiesta a fin de satis­fa­cer el sadismo de un grupo inte­grado por ricos y des­pia­da­dos neo­yor­ki­nos que allí se encuen­tran. Con una esme­rada puesta escé­nica y meticu­losi­dad vol­cada en la des­crip­ción del relato, la direc­tora ha sabido crear un psi­co­drama intri­gante y opre­sivo capaz de man­te­ner la per­ma­nente aten­ción del espec­ta­dor. Este drama, que obliga a refle­xio­nar una vez más sobre la temá­tica de la inmi­gra­ción ile­gal, cons­ti­tuye una buena carta de pre­sen­ta­ción de Asen­sio que mere­ci­da­mente le ha valido para obte­ner el Pre­mio del Jurado y el del Mejor Lar­go­me­traje Narra­tivo en el fes­ti­val SXSW de este año.

Ana Asensio en MOST BEAUTIFUL ISLAND

Ana Asen­sio en MOST BEAU­TI­FUL ISLAND

Si bien la vete­rana rea­li­za­dora Agnieszka Holland es una de las más repre­sen­ta­ti­vas del buen cine polaco, SPOOR (Polonia-Alemania-República Checa-Suecia), su último tra­bajo rea­li­zado con la cola­bo­ra­ción de Kasia Ada­mik, no alcanza a cobrar aliento a pesar de sus bue­nas intenciones.

Agnieszka Mandat en SPOOR

Agnieszka Man­dat en SPOOR

El relato que está basado en la novela de Der Gesang der Fle­der­mäuse de Olga Tokar­czuk trans­cu­rre en una región mon­ta­ñosa ubi­cada en la fron­tera de Polo­nia con la Repú­blica Checa. Allí habita Janina Dus­zejko (Agnieszka Man­dat), una anciana inge­niera jubi­lada que ade­más de ense­ñar en la escuela local es una acé­rrima defen­sora de los ani­ma­les de la región. El con­flicto del film se pro­duce cuando sus dos ama­dos perros des­a­pa­re­cen y todo parece indi­car que los caza­do­res del lugar son los res­pon­sa­bles, lo que deja a Janina alta­mente trau­ma­ti­zada. La trama adquiere el carác­ter de un thri­ller cuando mis­te­rio­sa­mente se pro­duce el ase­si­nato de uno de los caza­do­res y bien pronto los crí­me­nes se van suce­diendo donde en cada caso queda regis­trada las hue­llas de dife­ren­tes ani­ma­les. Aun­que en pri­mera ins­tan­cia, hay cierta intriga que haría supo­ner que se pro­duce una ven­ganza de los ani­ma­les hacia sus ver­du­gos, lo cierto es que esta his­to­ria narrada de manera errá­tica va per­diendo inte­rés a medida que se desa­rro­lla. Aun­que esta come­dia negra tiene como pro­pó­sito mos­trar la con­ducta de una mujer atí­pica y mar­gi­nada deci­dida a enfren­tar un sis­tema auto­ri­ta­rio y patriar­cal, Holland no logra impri­mir la vita­li­dad nece­sa­ria que per­mita cap­tar la empa­tía del espectador.

Con­fir­mando que Fan­ta­sía dedica un buen espa­cio al género de la come­dia, el público tiene opor­tu­ni­dad de dis­fru­tar la con­ti­nua­ción de un risueño retrato fami­liar pre­sen­tado el año pasado con What a Won­der­ful Family. En WHAT A WON­DER­FUL FAMILY! 2 (Japón), se sale al encuen­tro de sus mis­mos per­so­na­jes donde el matri­mo­nio inte­grado por Shuzo Hirata (Isao Has­hi­zume) y su esposa Tomiko (Kazuko Yos­hi­yuki) ha sabido superar los con­flic­tos de antaño cuando ella estaba a punto de sepa­rarse debido a las acti­tu­des egoís­tas de su esposo.

En esta oca­sión, que se desa­rro­lla pocos años des­pués, todo se presta para que la pareja viva en per­fecta armo­nía salvo que existe un fac­tor capaz de alte­rarla; eso se debe a que habiendo per­dido parte del reflejo nece­sa­rio para con­du­cir a causa de su edad, el anciano Shuzo ha oca­sio­nado cier­tas ras­pa­du­ras a su coche; pre­viendo que cause futu­ros acci­den­tes que incluso pudiera hacer peli­grar la vida de ter­ce­ros, su esposa no logra disua­dirlo para que renun­cie a seguir con­du­ciendo. Es así que Kono­suke (Masahiko Nis­hi­mura), el mayor de sus hijos adul­tos, trata de per­sua­dir a su obs­ti­nado padre para que entre­gue las lla­ves del vehículo y renun­cie a su licen­cia. Si bien este inci­dente cons­ti­tuye el pri­mero de los con­flic­tos que plan­tea el relato, la situa­ción se agrava cuando Tomiko decide via­jar de vaca­cio­nes sin su esposo y él invita a su casa a un anti­guo com­pa­ñero de escuela (Nenji Koba­yashi) a quien ha reen­con­trado des­pués de muchos años; ese hecho genera una serie de inci­den­tes que aun­que realís­ti­ca­mente dra­má­ti­cos, el tono de farsa empleado por el rea­li­za­dor Yoji Yamada impide que el relato adquiera dimen­sio­nes sombrías.

Como en el film ori­gi­nal, el direc­tor trata afec­ti­va­mente a sus per­so­na­jes ilus­trando con satis­fac­to­rio humor las dife­ren­tes alter­na­ti­vas que se tra­du­cen en el seno de una fami­lia japo­nesa a tra­vés de tres gene­ra­cio­nes; el resul­tado es una gra­ciosa come­dia que sin ser excep­cio­nal reúne los ingre­dien­tes nece­sa­rios para que el público se entre­tenga sanamente.

Den­tro del cine de Amé­rica Latina, uno de los títu­los de la mues­tra es EL MUERTO CUENTA SU HIS­TO­RIA (Argen­tina) del rea­li­za­dor Fabián Forte en base a un guión que escri­bió junto a Nico­lás Bri­tos. El film es una fan­ta­sía con ingre­dien­tes de horror que lamen­ta­ble­mente resulta fallida. Comen­zando como una come­dia, el relato pre­senta a Angel (Diego Gen­tile), un publi­cista don­jua­nesco y detes­ta­ble por su natu­ra­leza machista. Un buen día tro­pieza en forma ines­pe­rada con un con­junto de vam­pi­re­sas cel­tas que plan­tea ins­tau­rar un matriar­cado en la tie­rra; como con­se­cuen­cia de ese encuen­tro resulta escla­vi­zado por ellas con­vir­tién­dose en un zombi, o sea un muerto en vida. Si acaso la inten­ción del film es mos­trar cómo los misó­gi­nos resul­tan cas­ti­ga­dos, el relato narrado con tra­zos grue­sos y sin autén­tica gra­cia fra­casa en su intento de gene­rar un film de terror que sus­cite interés.

Diego Gentile en EL MUERTO CUENTA SU HISTORIA

Diego Gen­tile en EL MUERTO CUENTA SU HISTORIA

Otro film lati­noa­me­ri­cano es O ANI­MAL COR­DIAL (Bra­sil) de la direc­tora y guio­nista Gabriela Ama­ral Almeida. Con posi­ti­vos ante­ce­den­tes en el cine de horror en el campo del cor­to­me­traje, en su pri­mer lar­go­me­traje la direc­tora con­firma su pre­di­lec­ción por el género al narrar una his­to­ria sem­brada de espanto. La acción que trans­cu­rre en un sofis­ti­cado res­tau­rante bra­si­leño cuenta entre sus per­so­na­jes al dueño del esta­ble­ci­miento, una joven asis­tente, algu­nos emplea­dos ocu­pa­dos en la cocina y tres comen­sa­les de los cua­les, uno de ellos es un poli­cía reti­rado y los otros inte­gran una pareja cele­brando un espe­cial acon­te­ci­miento. El clima se enra­rece con la lle­gada de un par de delin­cuen­tes en un asalto a mano armada; pron­ta­mente todos que­dan atra­pa­dos en el esta­ble­ci­miento y de ahí en más los per­so­na­jes pri­sio­ne­ros en el lugar se con­vier­ten en furio­sos y des­pia­da­dos ani­ma­les tra­tando de sobre­vi­vir la exas­pe­rante pesa­di­lla. Almeida con­si­gue crear un tene­broso clima que va in cres­cendo a medida que el relato trans­cu­rre hasta lle­gar a un angus­tiante e impre­de­ci­ble desen­lace. En esen­cia, éste es un buen film de horror que con­for­mará las expec­ta­ti­vas de los aman­tes del género.

La cri­sis matri­mo­nial es el tema que la direc­tora y guio­nista Marianna Palka enfoca en BITCH (Esta­dos Uni­dos), un film que si bien no es des­de­ña­ble no logra resul­tar del todo con­vin­cente para redon­dear su pre­misa absurda. Adop­tando uno de los dos pape­les pro­ta­gó­ni­cos la rea­li­za­dora anima a Jill, madre de cua­tro hijos meno­res y casada con Bill (Jason Rit­ter), un hom­bre que la des­con­si­dera por com­pleto. Viviendo en una situa­ción de opre­siva rutina ella mani­fiesta ten­den­cias sui­ci­das sin que su marido machista adquiera con­cien­cia de su estado. Es así que un buen día decide ocul­tarse en el sótano de su casa adop­tando el com­por­ta­miento de un perro tanto en sus movi­mien­tos cani­nos como expre­sando con ladri­dos su frus­tra­ción cuando es des­cu­bierta por sus hijos que la hallan des­nuda y ensu­ciada de excre­men­tos. Esta situa­ción des­es­ta­bi­liza por com­pleto la vida fami­liar donde el des­con­cer­tado Bill no logra mane­jar la situa­ción en lo que con­cierne a com­pa­ti­bi­li­zar las obli­ga­cio­nes de su tra­bajo como eje­cu­tivo de una impor­tante empresa con la res­pon­sa­bi­li­dad de man­te­ner el fun­cio­na­miento de su hogar en lo que con­cierne a la ali­men­ta­ción de sus hijos y su envío a la escuela; a todo ello, el clima humano se exas­pera en la medida que su esposa canina sigue enclaus­trada en el sótano. Curio­sa­mente cuando los médi­cos con­si­de­ran que Jill debe ser inter­nada en una clí­nica men­tal, Bill se niega a hacerlo como tam­poco acepta la suges­tión de su cuñada (Jaime King) de reti­rarla de su casa y hacerse cargo de ella.

Marianna Palka en BITCH

Marianna Palka en BITCH

Des­afor­tu­na­da­mente, el guión no encuen­tra la expli­ca­ción lógica para jus­ti­fi­car que esta desolada mujer per­ma­nezca refu­giada sin ali­men­ta­ción alguna y en un estado de degra­da­ción física durante un pro­lon­gado período.

Aun­que se anti­cipa que este surrea­lista drama psi­co­ló­gico está basado en un docu­men­tado caso de estu­dio, tal como aquí está pre­sen­tado no logra total­mente con­ven­cer como una metá­fora de las con­se­cuen­cias que el machismo puede aca­rrear en una rela­ción con­yu­gal. A pesar de las obser­va­cio­nes for­mu­la­das, cabe apre­ciar la bri­llante carac­te­ri­za­ción que Palka obtiene de su per­so­naje como así tam­bién la de Rit­ter como el per­tur­bado marido frente a la ines­pe­rada situa­ción que debe afrontar.

Los her­ma­nos Ben y Jos­hua Saf­die que hace 3 años cau­sa­ron grata impre­sión con Hea­ven knows what vuel­ven a ubi­carse detrás de la cámara ofre­ciendo con GOOD TIME (Esta­dos Uni­dos) un ani­mado thri­ller que en gene­ral fue bien reci­bido en oca­sión de su estreno mun­dial en el último fes­ti­val de Can­nes. Con un guión que les per­te­nece, ade­más de estar bien actuado y cali­brado con pre­ci­sión, el film reúne los requi­si­tos pre­ci­sos para satis­fa­cer al gran público donde una de sus atrac­cio­nes se debe a la pre­sen­cia del popu­lar actor Robert Pat­tin­son, quien aquí apa­rece, total­mente irre­co­no­ci­ble; él da vida a Con­nie, un ladron­zuelo de Queens que mani­fiesta un pro­fundo sen­ti­miento fra­ter­nal hacia su her­mano menor Nick (Benny Saf­die) afec­tado de cierta ines­ta­bi­li­dad men­tal. Para tra­tar de ayu­darlo lo induce a que par­ti­cipe en un asalto ban­ca­rio; si bien el ope­ra­tivo resulta exi­toso, poco tiempo des­pués sur­gen algu­nas com­pli­ca­cio­nes donde la poli­cía arresta a Nick. A fin de per­mi­tir que éste pueda que­dar libre bajo fianza, y dado que el dinero robado no alcanza para pagarla, Con­nie mani­pula a su amiga (Jen­ni­fer Jason Leigh) para que lo ayude a com­ple­tar el monto reque­rido; a par­tir de allí nue­vos obs­tácu­los sur­gi­rán para dar lugar a situa­cio­nes de vio­lenta acción donde entre ellas no están ausen­tes las nue­vas ten­ta­ti­vas de robo y el con­tacto con el mundo mar­gi­nal del bajo fondo. Para dis­fru­tar este film debe­rán dejarse de lado algu­nas situa­cio­nes deci­di­da­mente implau­si­bles; pero el pro­pó­sito de los Saf­die no es pre­ci­sa­mente ofre­cer un relato de verismo psi­co­ló­gico sino más bien un thri­ller pasa­tista de buena tex­tura, per­ma­nente acción con un clima de ten­sión bien logrado y algu­nas esce­nas exce­len­te­mente cap­ta­das como las del asalto ban­ca­rio inicial.

Por su temá­tica, rea­li­za­ción, inter­pre­ta­ción y dra­ma­tismo A TAXI DRI­VER (Corea del Sur) de Jang Hoon es un exce­lente film que basado en hechos reales trans­mite al espec­ta­dor una visión rea­lista de lo acon­te­cido durante la época en que trans­cu­rre la acción. El relato basado en el guión de Eorn Yu-na comienza en Seúl en 1980 intro­du­ciendo a Man-seob (Song Kang-ho), un ani­mado y humilde viudo que vela por su pequeña hija y es taxista; sin embargo las mani­fes­ta­cio­nes estu­dian­ti­les y demos­tra­cio­nes de pro­testa de la pobla­ción que tie­nen lugar en las calles como con­se­cuen­cia de la dic­ta­dura implan­tada por el régi­men mili­tar que detenta el poder, impi­den que pueda efec­tuar su tra­bajo en forma normal.

Song Kang-ho en A TAXI DRIVER

Song Kang-ho en A TAXI DRIVER

Acu­ciado por las deu­das que man­tiene, su situa­ción parece mejo­rar cuando se las inge­nia para trans­por­tar a Peter (Tho­mas Krets­ch­mann), un perio­dista ale­mán que ha lle­gado a Corea del Sur para cap­tar con su cámara los difí­ci­les momen­tos por los que atra­viesa la nación. A cam­bio de una impor­tante suma de dinero, Man debe con­du­cirlo hasta la ciu­dad de Gwangju, que sitiada por el ejér­cito cons­ti­tuye el epi­cen­tro del levan­ta­miento popu­lar que tiene lugar con­tra la dic­ta­dura reinante que ha esta­ble­cido la ley mar­cial. Lo que comienza como una agra­da­ble come­dia cos­tum­brista cede lugar a acon­te­ci­mien­tos dra­má­ti­cos cuando el con­duc­tor y su pasa­jero deben superar los incon­ve­nien­tes inter­pues­tos por el con­trol mili­tar para poder lle­gar a des­tino. Cuando final­mente arri­ban a la ciu­dad, el drama se con­vierte en tra­ge­dia por­que res­pon­diendo al movi­miento popu­lar desatado, el gobierno apela a una vio­len­cia homi­cida que afecta gra­ve­mente a la pobla­ción; en con­se­cuen­cia, las vidas del taxista y del repor­tero están expues­tas a un alto riesgo.

Fun­da­men­tal­mente, el relato es un apa­sio­nante recuento de lo acon­te­cido en los acia­gos días vivi­dos en Gwan­giu entre el 18 y 27 de mayo de 1980 donde en medio del terri­ble caos se esta­blece una gran soli­da­ri­dad entre los dos hom­bres ade­más de refle­jar cómo la ges­tión del taxista con­tri­buyó para que el perio­dista pudiera fil­mar las horri­bles imá­ge­nes; una vez que el repor­tero regresó a Ale­ma­nia las mis­mas fue­ron difun­di­das al mundo y pene­tra­das clan­des­ti­na­mente a Corea del Sur. Este apa­sio­nante film que con­cluye en diciem­bre de 2003 con una escena muy emo­tiva cons­ti­tuye un buen tes­ti­mo­nio para pre­ser­var la memo­ria colec­tiva de un pue­blo a fin de que la vio­len­cia de regí­me­nes dic­ta­to­ria­les no vuelva a repe­tirse. Cabe acla­rar que Jür­gen Hinz­pe­ter ha sido el ver­da­dero nom­bre del perio­dista ger­mano falle­cido en enero de 2016 en tanto que Kim Sa-Bok es el del valiente taxista coreano.

Para infor­ma­ción sobre la pro­gra­ma­ción com­pleta del fes­ti­val como así tam­bién las salas de exhi­bi­ción de Mon­treal pre­sione aquí.

Con­cluyó el Fes­ti­val de Cannes

Cró­nica de Jorge Gut­man

Ante­ayer fina­lizó la sep­tua­gé­sima edi­ción de este Fes­ti­val donde la selec­ción de las pelí­cu­las de la com­pe­ten­cia ofi­cial ha sido muy ende­ble al punto tal que algu­nas de ellas fue­ron objeto de abu­cheo en su pri­mera pre­sen­ta­ción para la prensa.

Aun­que cier­tos fil­mes son deci­di­da­mente bue­nos, nin­guno de los mis­mos alcanza el nivel de obra maes­tra como se espera cuando uno asiste a Can­nes. Otro hecho sig­ni­fi­ca­tivo es que durante el trans­curso de estos 11 días no hubo título alguno que haya mere­cido el con­senso gene­ral de la crí­tica para ser galar­do­nado con el pre­mio máximo por lo que resultó una incóg­nita saber de qué modo el jurado pre­si­dido por Pedro Almo­dó­var iba a pro­nun­ciarse en la cere­mo­nia de clau­sura. Deve­lada la incóg­nita, he aquí los fil­mes premiados.

La Palma de Oro fue adju­di­cada a The Square (Suecia-Alemania-Francia-Dinamarca-Estados Uni­dos) del rea­li­za­dor sueco Ruben Ostlund. Este cineasta que en 2014 impre­sionó gra­ta­mente con Force Majeure, en este caso este film no logra alcan­zar la misma soli­dez y cohe­ren­cia de aquél a pesar de con­tar con algu­nos momen­tos intere­san­tes y reide­ros. El relato cons­ti­tuye una paro­dia al mundo del arte con­tem­po­rá­neo a tra­vés de la inau­gu­ra­ción de una expo­si­ción por parte del direc­tor artís­tico del museo quien a lo largo del metraje atra­viesa situa­cio­nes tra­gi­có­mi­cas; en última ins­tan­cia, el pro­pó­sito del rea­li­za­dor es el de refle­jar en forma surrea­lista los pre­jui­cios y con­tra­dic­cio­nes de la inte­lec­tual bur­gue­sía sueca.

THE SQUARE

THE SQUARE

El Grand Prix, segundo pre­mio en orden de impor­tan­cia, corres­pon­dió al film 120 Bat­te­ments par minute (Fran­cia) del rea­li­za­dor Robin Cam­pi­llo que fue muy bien reci­bido por la prensa. El relato lúci­da­mente con­si­dera la lucha empren­dida por un grupo de mili­tan­tes del Act Up-Paris en los inicios de la década del 90 con­tra las auto­ri­da­des de Fran­cia y los labo­ra­to­rios far­ma­céu­ti­cos frente a la pasi­vi­dad e indi­fe­ren­cia adop­tada en momen­tos en que el SIDA azota en forma des­pia­dada; en su accio­nar, esta orga­ni­za­ción fun­dada en 1989 trató de defen­der los dere­chos de quie­nes por­ta­ban el HIV como así tam­bién de la gente con­ta­giada por el temi­ble virus. Si bien el film man­tiene en su mayor parte una estruc­tura coral, en los tra­mos fina­les adquiere con­si­de­ra­ble fuerza ilus­trando la rela­ción sen­ti­men­tal de un joven del grupo no afec­tado por el virus con otro miem­bro sero­po­si­tivo que se encuen­tra en estado de agonía.

120 BATTEMENTS PAR MINUTE

120 BAT­TE­MENTS PAR MINUTE

El Pre­mio del Jurado fue otor­gado a Love­less (Rusia-Francia – Bél­gica) que a jui­cio de quien escribe estas líneas ha sido el mejor film de la com­pe­ten­cia ofi­cial. En el mismo el direc­tor ruso Andrey Zvya­gin­tsev con­cen­tra su aten­ción en la vio­lenta rela­ción exis­tente de Boris y Zhenya, una pareja a punto de divor­ciarse quie­nes tie­nen un hijo de 12 años del cual nin­guno de los dos desea hacerse cargo. El chico es lo sufi­cien­te­mente per­cep­tivo de la falta de amor y cariño de sus pro­ge­ni­to­res y es así que un buen día des­a­pa­rece del hogar; es allí donde los desamo­ra­dos padres reac­cio­nan con fir­meza y deses­pe­ra­ción tra­tando de lograr su para­dero. Simul­tá­nea­mente con esa bús­queda, el direc­tor pinta sutil­mente el caos ético y moral impe­rante en la Rusia post comunista.

El pre­mio a la mejor direc­ción corres­pon­dió a Sofía Cop­pola por The Begui­led (Esta­dos Uni­dos); es un remake de la pelí­cula rea­li­zada por Don Sie­gel en 1971 basada en la novela de Tho­mas Culli­nan publi­cada en 1964 y cuya acción trans­cu­rre en la época de la Gue­rra de Sece­sión de los Esta­dos Uni­dos. El rol cen­tral es asu­mido por Colin Farrell ani­mando a un sol­dado de la Unión que habiendo que­dado mal­he­rido encuen­tra refu­gio en un pen­sio­nado de jóve­nes muje­res ubi­cado en el estado de Vir­gi­nia; a par­tir de allí se ini­cia un per­verso juego de seduc­ción teniendo en cuenta que las don­ce­llas se encuen­tran obse­sio­na­das con la figura varo­nil del ines­pe­rado visi­tante. Dra­má­ti­ca­mente lograda y esti­lís­ti­ca­mente ele­gante, Cop­pola logra con esta pelí­cula uno de los mejo­res tra­ba­jos de su carrera como cineasta.

El pre­mio a la mejor actriz corres­pon­dió a la actriz Diane Kru­ger, pro­ta­go­nista del film de Fatih Akin In the Fade (Alemania-Francia), donde ella carac­te­riza con gran inten­si­dad a una dolo­rida mujer ale­mana y madre cuyo marido y pequeño hijo sucum­ben en la agen­cia de via­jes que poseen por el esta­llido de una bomba casera colo­cada por una pareja de cri­mi­na­les neonazis.

El tro­feo al mejor actor corres­pon­dió a Joa­quin Phoe­nix como pro­ta­go­nista del film You Were Never Really Here (Gran Bretaña-Francia-Estados Uni­dos) de la direc­tora esco­cesa Lynne Ram­say; Phoe­nix anima a un experto ase­sino a sueldo que es con­tra­tado para res­ca­tar a una ado­les­cente de 14 años (Eka­te­rina Sam­so­nov) que ha sido secues­trada por una red de pros­ti­tu­ción de menores.

En cuanto al mejor guión el pre­mio fue com­par­tido por el direc­tor griego Yoros Lant­hi­mos de The Killing of a Sacred Deer (Irlanda) y Efthy­mis Filip­pou como el libre­tista de “You Were Never Really Here. Otros pre­mios inclu­yen el del 70° aniver­sa­rio con­ce­dido a la actriz Nicole Kid­man que este año par­ti­cipó en dos fil­mes de la com­pe­ten­cia y la Palma de Oro al mejor cor­to­me­traje que fue asig­nado a A Gentle Night (China) de Qiu Yang.

La Caméra d’Or, pre­mio atri­buido al mejor pri­mer film pre­sen­tado en cual­quiera de las sec­cio­nes de la Selec­ción Ofi­cial así como en la Semana de la Crí­tica y la Quin­cena de los Rea­li­za­do­res, corres­pon­dió a Jeune Femme (Fran­cia) de Leó­nor Serrai­lle. En un inob­je­ta­ble guión escrito por la joven rea­li­za­dora, se siguen las andan­zas de Paula, una chica de 31 años cuya vida frí­vola ter­mina cuando es recha­zada por su pareja, un fotó­grafo con el que con­vi­vió durante una década. A su regreso a París des­pués de una larga ausen­cia, sin recur­sos finan­cie­ros ni fami­lia a la cual acu­dir, le tocará vivir una serie de paté­ti­cas expe­rien­cias, siem­pre ape­gada a su gato, en dife­ren­tes alo­ja­mien­tos o bien tener que some­terse a tra­ba­jos en los que carece de pre­pa­ra­ción alguna. Si bien en apa­rien­cia el film podía haber adop­tado un carác­ter dra­má­tico, el resul­tado es una diná­mica come­dia agra­ciada por la exce­lente inter­pre­ta­ción de Lae­ti­tia Dosch carac­te­ri­zando a Paula; resulta difí­cil no empa­ti­zar con su com­por­ta­miento cuasi his­té­rico y su des­bor­dante per­so­na­li­dad donde a pesar de estar afec­ti­va­mente herida se encuen­tra a dis­puesta a comen­zar una nueva vida asu­miendo una acti­tud positiva.

Como siem­pre suele acon­te­cer, algu­nos meri­to­rios fil­mes que­da­ron con las manos vacías. Entre los mis­mos se encuen­tra Won­ders­truck de Tod Hay­nes (Esta­dos Uni­dos), una her­mosa fábula basada en la novela de Brian Selz­nick. El relato está estruc­tu­rado en dos his­to­rias que trans­cu­rren para­le­la­mente en épocas dife­ren­tes. En la pri­mera de ellas que trans­cu­rre en 1927 y está fil­mada en blanco y negro, se asiste a las vici­si­tu­des de una niña sorda de 14 años (Milli­cent Sim­monds) que se des­plaza Nueva York para tra­tar de encon­trar a una estre­lla de cine (Julianne Moore). La otra his­to­ria que se desa­rro­lla en 1977 con­si­dera a un niño de 12 años (Oakes Fegley) que es huér­fano de madre (Miche­lle Williams) y que a causa de un acci­dente ha per­dido la audi­ción; como nunca ha lle­gado a cono­cer a su padre, desde Min­ne­sota se dirige a Nueva York para tra­tar de ubi­car su para­dero. El direc­tor logra que las dos sub­tra­mas que­den muy bien ensam­bla­das en su poé­tico desen­lace. Ade­más de la exce­lente par­ti­ci­pa­ción de Sim­monds y Fegley infun­diendo ter­nura y sen­si­bi­li­dad en sus res­pec­ti­vas carac­te­ri­za­cio­nes, los valo­res del film se refuer­zan con la buena labor de mon­taje per­mi­tiendo que sin sal­tos ni fisura alguna se pueda asis­tir al viaje pen­du­lar del tiempo y los impe­ca­bles dise­ños de pro­duc­ción repro­du­ciendo la ciu­dad neo­yor­kina de los años 20 y 70.

Ape­lando a algu­nos temas ya enfo­ca­dos en su rica fil­mo­gra­fía el gran direc­tor aus­tríaco Michael Haneke ofrece en Happy End (Francia-Alemania-Austria) un sólido relato donde lanza sus dar­dos al com­por­ta­miento de una fami­lia de la alta bur­gue­sía que habita en Calais. Allí se encuen­tra Geor­ges (Jean-Louis Trin­tig­nant), el anciano patriarca que creó una impor­tante empresa de cons­truc­ción, su hija Anne (Isa­be­lle Hup­pert) que está a cargo de la misma y su ines­ta­ble nieto Pie­rre (Franz Rogowski). En ese grupo de fami­lia igual­mente se encuen­tran Tho­mas (Mat­hieu Kas­so­vitz), el her­mano de Anne junto con Eve (Fan­tine Har­duin), una niña de 13 años pro­ducto de su pri­mer matri­mo­nio, y su segunda mujer .Anais (Laura Ver­lin­den). Es Eve que a pesar de su corta edad, observa el pro­ceso de desin­te­gra­ción de su fami­lia cons­ta­tando el adul­te­rio de su padre, el derrumbe de su abuelo que desea morir, los secre­tos y men­ti­ras encu­bier­tas, las hipo­cre­sías y com­pla­cen­cias reinan­tes así como la total indi­fe­ren­cia de sus mayo­res frente a lo que acon­tece a su alre­de­dor. Con la maes­tría acos­tum­brada, Haneke retrata la vio­len­cia latente donde cual­quier ele­mento inci­den­tal puede hacerla esta­llar tal como se com­pro­bará en un momento clave del relato. El título del film no puede ser más iró­nico puesto que en la visión som­bría de Haneke, tomando como refe­ren­cia la fami­lia des­cripta, no existe pre­ci­sa­mente un final feliz.

HAPPY END

HAPPY END

Otro film que quedó con las manos vacías es la inte­li­gente come­dia de Hong Sang­soo The Day After (Corea del Sur). El pro­lí­fico direc­tor ape­lando a un len­guaje cine­ma­to­grá­fico con remi­nis­cen­cias del inol­vi­da­ble direc­tor fran­cés Eric Roh­mer ofrece una delei­tosa come­dia de equí­vo­cos den­tro del marco de una sen­ci­lla his­to­ria en la que pre­do­mina un cuar­teto román­tico. Fil­mado en blanco y negro, el relato de Hong pre­senta a Areum (Kim Min­hee), una joven que comienza a tra­ba­jar como asis­tente de Bong­wan (Kwon Haehyo), el patrón de una pequeña edi­to­rial. El man­tiene una rela­ción adúl­tera con Chang­sook (Kim Saeb­yuk), que es la per­sona a quien Areum está reem­pla­zando. Cuando sos­pe­chando de la infi­de­li­dad de su marido, la esposa de Bong­wan (Cho Yun­hee) llega intem­pes­ti­va­mente a la ofi­cina cree que es Areum la mujer con quien Bong­wan la engaña. Cuando tiempo des­pués su amante retoma su tra­bajo des­pla­zando a Areum, la enga­ñada mujer se tran­qui­liza al saber que ella ya no está más. A tra­vés de este inge­nioso juego sos­te­nido por nota­bles acto­res, esta pequeña his­to­ria, a pesar de sus pocas secuen­cias, adquiere un dina­mismo sor­pren­dente debido a la agi­li­dad que el direc­tor imprime a la misma.

Den­tro de los fil­mes pre­sen­ta­dos en Un Cer­tain Regard cabe des­ta­car A Man of Inte­grity (Irán), que con toda jus­ti­cia fue dis­tin­guido con el Pri­mer Pre­mio en esta segunda sec­ción ofi­cial. El direc­tor iraní Moham­med Rasou­lof exa­mina lúci­da­mente los valo­res pre­va­le­cien­tes en el seno de una socie­dad inmo­ral que en última ins­tan­cia no es otra que la de su país; al hacerlo plan­tea un gran inte­rro­gante sobre cómo es posi­ble man­te­ner la inte­gri­dad per­so­nal cuando las cir­cuns­tan­cias obli­gan a uno a tener que doble­garse al sis­tema impe­rante o de lo con­tra­rio sucumbir.

A MAN OF INTEGRITY

A MAN OF INTEGRITY

El relato que per­te­nece al direc­tor pre­senta a Reza (Reza Akh­laghi­rad) un hom­bre de 35 años y como lo anti­cipa el título del film es una per­sona de sóli­dos prin­ci­pios mora­les. Lejos de las gran­des urbes habita en una remota pequeña pobla­ción ubi­cada al norte del país donde en la pequeña granja que posee explota peces de agua dulce junto con su mujer (Sou­da­beh Bei­zaee). Todo mar­cha­ría tran­quila y nor­mal­mente si no fuese por­que una codi­ciosa cor­po­ra­ción quiere ejer­cer el con­trol de la región y para ello desea com­prarle a Reza su granja y terreno a lo cual éste se niega. Claro está que las pre­sio­nes son muy gran­des, sobre todo por­que esta pode­rosa com­pa­ñía cuenta con el apoyo de los jefes loca­les, la poli­cía, jue­ces, alcalde y otras auto­ri­da­des del lugar dis­pues­tas a com­par­tir los bene­fi­cios e intere­ses de la misma. A medida que el relato pro­gresa se apre­cia cómo la ten­sión va aumen­tando para Reza, sobre todo teniendo en cuenta que su esposa adop­tando una acti­tud más prag­má­tica cree que es inú­til resis­tirse a los opre­so­res y que más vale la pena tra­tar de nego­ciar con ellos. Lo intere­sante de esta his­to­ria es que a tra­vés de la misma se va evi­den­ciando cómo el temor de la gente motiva a que no tenga otra salida que iden­ti­fi­carse con el ver­da­dero poder corrupto del que trata de esca­par. ¿Es posi­ble que exista otra opción para man­te­ner la inte­gri­dad indi­vi­dual cuando las orga­ni­za­cio­nes ins­ti­tu­cio­na­les adop­tan acti­tu­des mafiosas?

El cau­ti­vante tema, la manera arti­cu­lada en que Rasou­lof relata esta his­to­ria de con­te­nido social y la muy buena actua­ción de su elenco con­vier­ten a este film en uno de los más impor­tan­tes pro­ve­nien­tes de Irán que por el momento allí no puede exhi­birse dado que se encuen­tra prohi­bido por la censura.

Otro de los fil­mes des­ta­ca­dos de Un Cer­tain Regard y dis­tin­gido por el Jurado de la Crí­tica Inter­na­cio­nal es Clo­se­ness (Rusia), ópera prima de Kan­te­mir Bala­gov. El relato trans­cu­rre en 1998 en el marco de una pequeña pobla­ción judía ubi­cada en el norte de Rusia que con­vive con una comu­ni­dad musul­mana. La acción se cen­tra en. Ilana (Darya Zhov­ner), una chica judía de 24 años que tra­baja en el taller de su padre (Artem Tsy­pin). El con­flicto dra­má­tico se pro­duce cuando su her­mano David (Venia­min Kats) que está a punto de anun­ciar su com­pro­miso es secues­trado junto con su novia. Cuando los cap­to­res deman­dan una suma de dinero para su libe­ra­ción la reac­ción de la comu­ni­dad es dis­par, que­dando expues­tas las bon­da­des y mise­rias de la natu­ra­leza humana. Den­tro de ese con­texto Iliana, que siente ser una hija secun­da­ria en el afecto de sus padres, es reque­rida para que haga el sacri­fi­cio de some­terse a un matri­mo­nio arre­glado a fin de obte­ner el importe nece­sa­rio para res­ca­tar a David. Valién­dose de pri­me­ros pla­nos y con una inquieta cámara en mano Bala­gov ofrece un vigo­roso drama rea­lista que remite a cier­tos fil­mes de los her­ma­nos Dar­denne, expo­niendo a una joven de libre espí­ritu que debe enfren­tar la dura reali­dad del medio social que la circunda.

CLOSENESS

CLO­SE­NESS

Par­ti­ci­pa­ción Lati­noa­me­ri­cana

Aun­que nin­gún film de Amé­rica Latina par­ti­cipó en la com­pe­ten­cia ofi­cial, hubo varios que se cono­cie­ron en las res­tan­tes sec­cio­nes del fes­ti­val. He aquí la reseña de algu­nos de ellos.

La ópera prima La Novia del Desierto (Argentina-Chile) de Ceci­lia Atán y Vale­ria Pivato ha sido una ver­da­dera reve­la­ción a juz­gar por la cálida recep­ción reci­bida en su pro­yec­ción de prensa. La his­to­ria con­ce­bida por las rea­li­za­do­res narra en tono de tra­gi­co­me­dia la odi­sea de Teresa (Pau­lina Gar­cía), una mujer de 54 años cuya mayor parte de su vida trans­cu­rrió tra­ba­jando como empleada domés­tica en Bue­nos Aires pero que dejó de hacerlo cuando sus due­ños se vie­ron obli­ga­dos a ven­der la casa. En con­se­cuen­cia, para no estar des­em­pleada a esta altura de su vida, se ve obli­gada a acep­tar un tra­bajo simi­lar con una fami­lia que reside en San Juan. Cuando el ómni­bus que la con­duce al lugar de des­tino sufre una ave­ría durante el tra­yecto, en la for­zada parada ubi­cada no lejos del san­tua­rio de la Difunta Correa, ella pierde el bolso que lle­vaba con­sigo; en esa cir­cuns­tan­cia conoce a Miguel (Clau­dio Rissi), un ven­de­dor bona­chón que se mueve en su casa rodante y está dis­puesta a ayu­darle en la recu­pe­ra­ción del objeto per­dido. Durante esa bús­queda que se va demo­rando va aflo­rando un sen­ti­miento de mutua atrac­ción en donde ella, que hasta el momento no había cono­cido el amor, anida la espe­ranza de que su vida podría cam­biar para mejor. Sin recu­rrir a cli­ché alguno y con un final abierto, Atán y Pivato des­cri­ben con suma fineza a rela­ción a tra­vés de un relato con­ciso que se enri­quece a medida que va desa­rro­llán­dose, debido en gran parte a la remar­ca­ble expre­si­vi­dad de sus dos pro­ta­go­nis­tas. De este modo, el público asiste a un film emo­tivo y enternecedor.

LA NOVIA DEL DESIERTO

LA NOVIA DEL DESIERTO

Uno de los fil­mes que fue alta­mente pro­mo­vido antes de su pre­sen­ta­ción es La Cor­di­llera (Argentina-Francia), ter­cer opus del direc­tor argen­tino San­tiago Mitre. El tema gira en torno de las peri­pe­cias atra­ve­sa­das por Her­nán Blanco (Ricardo Darín), un novel pre­si­dente que sin tener expe­rien­cia polí­tica ante­rior debe asis­tir a una reunión cum­bre regio­nal que se cele­brará en Chile; ahí se dis­cu­tirá la polí­tica ener­gé­tica a seguir por la región y la cons­ti­tu­ción de una orga­ni­za­ción lati­noa­me­ri­cana petro­lera que tenga una gra­vi­ta­ción simi­lar como la de la OPEC a nivel mun­dial. Pre­vio a su par­tida, una nota som­bría le preo­cupa cuando su ex yerno acusa a su par­tido de cier­tas manio­bras no muy lim­pias. A la lle­gada al hotel mon­ta­ñoso del país tras­an­dino se impone que exis­ten dos posi­cio­nes com­ple­ta­mente diver­gen­tes sobre el tema a deba­tir, donde la visión del pre­si­dente mexi­cano (Daniel Gimé­nez Cacho) se opone a la del man­da­ta­rio de Bra­sil (Leo­nardo Franco), con­si­de­rado como el empe­ra­dor lati­noa­me­ri­cano debido al pre­do­mi­nio y peso polí­tico que tiene en la región. Es allí que Blanco ten­drá que adop­tar una deci­sión difí­cil a la hora de votar, situa­ción que resulta aún más com­pli­cada frente a la inter­fe­ren­cia de un repre­sen­tante de Esta­dos Uni­dos (Chris­tian Sla­ter) que trata de influir en la posi­ción que se estará debatiendo.

Si acaso ese hubiera sido el tema cen­tral del film podría decirse que lo que se mues­tra es una pin­tura bien rea­lista de lo que real­mente suele acon­te­cer en este tipo de reunio­nes, donde se recu­rre a con­fa­bu­la­cio­nes, ardi­des y demás juga­rre­tas polí­ti­cas emplea­das en tales cir­cuns­tan­cias a fin de lograr el apoyo nece­sa­rio en el momento de rea­li­zarse la vota­ción de la pro­puesta. Sin embargo, el relato se bifurca al intro­du­cir una his­to­ria que trans­cu­rre para­le­la­mente pero que de haber sido pres­cin­dida, se habría ganado mayor inten­si­dad en el resul­tado glo­bal del film; ésta gira en torno de la hija del pre­si­dente Blanco (Dolo­res Fonzi) que llega al hotel donde se encuen­tra en un estado de gran ines­ta­bi­li­dad emo­cio­nal; eso motiva a que sea objeto de un raro tra­ta­miento tera­péu­tico de hip­no­sis rea­li­zado por un psi­quia­tra chi­leno (Alfredo Cas­tro) a par­tir de allí se ori­gi­nan situa­cio­nes fan­ta­sio­sas que podrían for­mar parte de otro film com­ple­ta­mente diferente.

Los dise­ños de pro­duc­ción del film son real­mente nota­bles y las actua­cio­nes del elenco inter­na­cio­nal enca­be­zado por Darín son impecables.

Cier­ta­mente Michel Franco es un joven direc­tor que ha logrado mere­cido reco­no­ci­miento en Can­nes, sobre todo hace dos años cuando fue pre­miado por su guión en el film Chro­nic. Aquí nue­va­mente ha estre­nado Las Hijas de Abril (México) un drama que aun­que bien rea­li­zado, su his­to­ria dista de satis­fa­cer. La trama gira en torno de Clara (Joanna Lare­qui) de 34 años y su her­mana menor Vale­ria (Ana Vale­ria Bece­rril) de 17 años, viviendo en Puerto Vallarta. Cuando ésta última, ha que­dado emba­ra­zada en su rela­ción con Mateo (Enri­que Arri­zon) un mucha­cho de su misma edad, ambos deci­den no inte­rrum­pir la ges­ta­ción. A todo ello, Abril (Emma Suá­rez), la madre espa­ñola, que man­tiene una dis­tante rela­ción con sus hijas, arriba al lugar y al ente­rarse de la con­di­ción de Vale­ria, está dis­puesta a ayu­darla en la crianza de su futura nie­tita. Cuando el bebé nace, Abril adopta una acti­tud com­ple­ta­mente des­con­cer­tante al mos­trarse como un ser mons­truoso capaz de lle­gar a lími­tes insos­pe­cha­bles; así, sin el menor reparo sus­trae la cria­tura de su hija como así tam­bién no tiene empa­cho alguno para sedu­cir a su yerno. A medida que el film pro­gresa, situa­cio­nes dis­pa­ra­ta­das se van suce­diendo con­vir­tién­dolo en un pedes­tre relato de horror. Aun­que Emma Suá­rez, recien­te­mente elo­giada en “Julieta” de Almo­dó­var, cum­ple una buena labor como la mal­dita pro­ge­ni­tora, el guión del rea­li­za­dor le impide lograr que su des­hu­ma­ni­zado per­so­naje adquiera vero­si­mi­li­tud. Cabe acla­rar que no obs­tante las obje­cio­nes que merece la crí­tica rea­li­zada, este film obtuvo el Pre­mio del Jurado en la sec­ción Una Cierta Mirada.

LAS HIJAS DE ABRIL

LAS HIJAS DE ABRIL

La debu­tante rea­li­za­dora y guio­nista Nata­lia Santa deja una impre­sión muy favo­ra­ble con La Defensa del Dra­gón (Colom­bia). Con gran huma­ni­dad, Santa ilus­tra la vida coti­diana de tres hom­bres mayo­res que son ami­gos entre sí viviendo en la ciu­dad de Bogotá. El prin­ci­pal per­so­naje es Samuel (Gon­zalo de Sagar­mi­naga), un pro­fe­sor de aje­drez para quien este juego cons­ti­tuye su pasión y podría afir­marse que es tam­bién su razón de vida; ade­más de ser pro­fe­sor y un pro­di­gio en la mate­ria, todos los sába­dos a las 4 de la tarde par­ti­cipa jugando en el club de aje­drez Lás­ker ubi­cado en el cen­tro de la capi­tal colom­biana; es allí donde tiene como uno de sus con­trin­can­tes a su amigo Mar­cos (Manuel Nava­rro) quien es un médico homeó­pata adicto al póker; final­mente el ter­cero del trío es Joa­quín (Her­nán Mén­dez), un depre­sivo relo­jero. Estos tres hom­bres viven en un mundo que pre­cede al de la actual era digi­tal y a tra­vés de sus vidas reclui­das como seres soli­ta­rios que temen fra­ca­sar, la direc­tora logra una his­to­ria suma­mente atra­yente enfo­cando las carac­te­rís­ti­cas dis­tin­ti­vas de sus tres per­so­na­jes; así, en esca­sos 80 minu­tos el público llega a cono­cer­los muy bien y sobre todo a empa­ti­zar con los mis­mos. Den­tro de esa his­to­ria es intere­sante obser­var cómo el aje­drez desem­peña un papel pro­ta­gó­nico per­mi­tiendo desa­fiar y esti­mu­lar la inte­li­gen­cia de sus juga­do­res con las estra­te­gias que están obli­ga­dos a adop­tar para sobre­sa­lir en el mismo. Más allá de que se sepa cómo se mue­ven en el tablero las pie­zas de aje­drez, lo cierto es que el público se halla frente a un film amplia­mente gra­ti­fi­cante donde se des­taca la nota­ble madu­rez de Santa en su pri­mer tra­bajo profesional.

Otra intere­sante pelí­cula es La Fami­lia (Venezuela-Chile-Noruega), pri­mer lar­go­me­traje de Gus­tavo Ron­dón Cór­dova ofre­ciendo un retrato poco com­pla­ciente de algu­nos sec­to­res des­fa­vo­re­ci­dos de Cara­cas. El relato del rea­li­za­dor vene­zo­lano intro­duce a Pedro (Reg­gie Reyes), un chico de 12 años, de humilde extrac­ción social viviendo en un barrio inse­guro; cuando otro mucha­cho de su misma edad que habita en la zona trata de sus­traerle su telé­fono celu­lar blan­diendo un arma ame­na­za­dora, Pedro logra zafarse del mismo hirién­dolo en su nuca. Frente a esta dra­má­tica situa­ción y temiendo una ven­ganza, su padre Andrés (Gio­vanni Gar­cía) decide que tie­nen que dejar el barrio y tra­tar de bus­car refu­gio en otro lugar. Esa cir­cuns­tan­cia se presta para que Andrés y su hijo pue­dan lle­gar a cono­cerse mejor cimen­tando de este modo el lazo paterno-filial frente a la ausen­cia de una madre. El film refleja el clima de ten­sión exis­tente en una ciu­dad en cri­sis donde las con­di­cio­nes de mise­ria pro­mue­ven la vul­ne­ra­bi­li­dad de comu­ni­da­des mar­gi­na­les aban­do­na­das de la mano de Dios. Con efi­cien­tes intér­pre­tes no pro­fe­sio­na­les, el direc­tor ha logrado un drama social de con­si­de­ra­ble interés.

LA FAMILIA

LA FAMI­LIA

En Los Perros (Chile-Francia) la rea­li­za­dora Mar­cela Said aborda las secue­las del régi­men de Pino­chet refle­jando el enfren­ta­miento que ideo­ló­gi­ca­mente existe entre dife­ren­tes ban­dos de la pobla­ción de Chile. La direc­tora se cen­tra en Mariana (Anto­nia Zegers) una mujer de apro­xi­ma­da­mente 40 años que per­te­ne­ciendo a la alta clase de la bur­gue­sía se encuen­tra atra­pada con un marido (Rafael Spre­gel­burd) al que no quiere y un padre mani­pu­la­dor (Ale­jan­dro Sie­ve­king) que la des­pre­cia; en tal sen­tido, su frus­tra­ción pro­viene por per­te­ne­cer a una fami­lia que ella evi­den­te­mente no eli­gió. Su des­con­tento encuen­tra com­pen­sa­ción en su entu­siasmo por la equi­ta­ción donde se siente atraída por Juan (Alfredo Cas­tro) su entre­na­dor; este sexa­ge­na­rio indi­vi­duo es un ex coro­nel sos­pe­chado de exac­cio­nes come­ti­das al haberse desem­pe­ñado como jefe de un cen­tro de repre­sión en la época de la dic­ta­dura. A tra­vés de los ele­men­tos seña­la­dos, el film actua­liza el tema de la memo­ria his­tó­rica y la manera en que la jus­ti­cia ha actuado dejando impune a quie­nes habiendo come­tido atro­ci­da­des huma­nas tran­si­tan libre­mente como si nada hubiera pasado. Abor­dando a Mariana, la direc­tora ha logrado des­cri­bir una com­pleja per­so­na­li­dad que al remo­ver los lazos del pasado trata de des­em­ba­ra­zarse de las ata­du­ras que la ligan con el mundo social que la rodea inun­dado de men­ti­ras e hipocresías.

El Cine Mun­dial Pre­sente en Cannes

Cró­nica de Jorge Gutman

Desde el 17 hasta el 28 de mayo la bella ciu­dad de Can­nes se con­vierte una vez más en la anfi­triona del más impor­tante acon­te­ci­miento del cine que tiene lugar en el mundo. Este año la gran fiesta ciné­fila alcanza más rele­van­cia al cele­brar su 70ª edi­ción con acti­vi­da­des adi­cio­na­les rela­cio­na­das para tal ocasión.

Como ya se había anti­ci­pado la impor­tante mues­tra se inau­gura con la pelí­cula de Arnaud Des­ple­chin Les Fan­tô­mes d’Ismaël, inter­pre­tada por Mat­hieu Amalric, Marion Coti­llard, Char­lotte Gains­bourg y Louis Garrel.

 Les Fantômes d'Ismaël

Les Fan­tô­mes d’Ismaël

Pedro Almo­dó­var esel pre­si­dente del jurado ofi­cial de la sec­ción com­pe­ti­tiva que otor­gará la Palma de Oro en la velada del 28 de mayo. El pres­ti­gioso rea­li­za­dor man­chego estará acom­pa­ñado por Maren Ade (direc­tora, guio­nista, y pro­duc­tora de Ale­ma­nia), Jes­sica Chas­tain (actriz y pro­duc­tora de Esta­dos Uni­dos), Fan Bing­bing (actriz y pro­duc­tora de China), Agnès Jaoui (direc­tora, guio­nista y actriz de Fran­cia), Park Chan-wook (direc­tor, guio­nista y pro­duc­tor, de Corea del Sur), Will Smith (actor, pro­duc­tor y músico de Esta­dos Uni­dos), Paolo Sorren­tino (direc­tor y guio­nista de Ita­lia) y Gabriel Yared (com­po­si­tor de Francia).

A los títu­los anun­cia­dos en la con­fe­ren­cia de prensa del pasado 13 de abril se han incor­po­rado algu­nos otros en las diver­sas cate­go­rías de la selec­ción ofi­cial. La Com­pe­ten­cia Ofi­cial final­mente incluye 19 fil­mes con la adi­ción de The Square (Suecia-Dinamarca-Estados Unidos-Francia) del dis­tin­guido rea­li­za­dor sueco Ruben Óstlund; este film inter­pre­tado por Eli­sa­beth Moss, Domi­nic West y Terry Notary se anti­cipa como una mor­daz sátira impe­rante en el mundo del arte.

En la sec­ción Un Cer­tain Regard cuyo jurado será pre­si­dido por la actriz Uma Thur­man, se agre­ga­ron dos fil­mes. Uno de ellos es La Cor­di­llera (Argen­tina) de San­tiago Mitre con la inter­pre­ta­ción cen­tral de Ricardo Darín; en el mul­ti­es­te­lar reparto ade­más actúan Dolo­res Fonzi, Érica Rivas, Elena Anaya, Pau­lina Gar­cía, Alfredo Cas­tro, Daniel Gimé­nez Cacho, Leo­nardo Franco, y el actor ame­ri­cano Chris­tian Sla­ter. El libreto del rea­li­za­dor y Mariano Linás ubica la acción en Chile donde tiene lugar una reunión de man­da­ta­rios lati­noa­me­ri­ca­nos; en ese con­texto, el pre­si­dente de Argen­tina atra­viesa un drama polí­tico y fami­liar que le impul­sará a adop­tar deci­sio­nes que podrán cam­biar tanto el rumbo de su vida pri­vada como el de su actua­ción pública.

El otro film que tam­bién inte­grará la lista de esta sec­ción es Wal­king Past The Future (China) de Li Rui­jun que narra la his­to­ria de una joven mujer que intenta ayu­dar a sus padres para que pue­dan tener una vida mejor en su pro­vin­cia de Gansu des­pués de haber resi­dido y tra­ba­jado en la ciu­dad de Shenz­hen durante 20 años.

Gran expec­ta­tiva des­pierta D’Après une his­to­ire vraie (Francia-Bélgica), pelí­cula agre­gada fuera de con­curso y rea­li­zada por el gran direc­tor polaco Roman Polansky. El guión de Oli­vier Assa­yas y Polansky en base a la novela homó­nima de Delp­hine de Vigan (2015) narra a manera de thi­ri­ller las peri­pe­cias por las que atra­viesa una escri­tora des­pués de la publi­ca­ción de su último libro al verse envuelta con una admi­ra­dora obse­siva y mani­pu­la­dora; el elenco cen­tral está inte­grado por Eva Green, Emma­nue­lle Seigner,y Vin­cent Pérez.

Dos docu­men­ta­les engro­san la sec­ción Pro­yec­cio­nes Espe­cia­les. Uno de ellos es Le Véné­ra­ble W. (Francia-Suiza) que cen­tra su aten­ción en un muy influ­yente monje budista de Bir­ma­nia. El otro título es Carré 35 (Fran­cia) de Eric Cara­vaca en el que se refiere a un lugar nunca men­cio­nado por su fami­lia, en donde está ente­rrada su her­mana muerta a la edad de 3 años.

El fes­ti­val agregó una Pro­yec­ción para Niños con el film de ani­ma­ción Zom­bi­lllé­nium (Fran­cia) de Art­hur de Pins y Ale­xis Ducord.

En oca­sión del 70° aniver­sa­rio se home­na­jeará al cele­brado direc­tor André Téchiné con su reciente film Nos Années Folles (Fran­cia), sobre la ver­da­dera his­to­ria de Paul quien des­pués de haber estado en el frente durante la Pri­mera Gue­rra, se mutila y desierta; para ocul­tarlo, su esposa Louise le con­vierte en mujer bajo el nom­bre de Suzanne y cuando en 1925 es amnis­tiado, Suzanne inten­tará vol­ver a ser Paul. El otro film cele­brando los 70 años de Can­nes es Djam (Fran­cia) de Tony Gatlif que será pro­yec­tado en el Cine de la Playa con un con­cierto especial.

LOS CLA­SI­COS DE CANNES

Esta sec­ción que forma parte de la selec­ción ofi­cial del fes­ti­val ofre­cerá un pro­grama espe­cial inte­grado por rele­van­tes títu­los que fue­ron pre­sen­ta­dos a lo largo de su his­to­ria donde varios de los mis­mos resul­ta­ron pre­mia­dos. Sin duda alguna, para los ciné­fi­los que asis­tan al fes­ti­val les será pla­cen­tero vol­ver a pre­sen­ciar fil­mes de emble­má­ti­cos rea­li­za­do­res como René Clé­ment, Jean Vigo, Luis Buñuel, Miche­lan­gelo Anto­nioni Henri-Georges Clou­zot, Andr­zej Wajda y Vic­tor Erice, entre otros. Ade­más, se inclu­yen 7 cor­tos y 5 documentales.

All That Jazz

All That Jazz

Todos los lar­go­me­tra­jes, cor­to­me­tra­jes y docu­men­ta­les serán exhi­bi­dos en DCP 2K o 4K con la única excep­ción de L’Atalante que será pro­yec­tado en 35mm.

Una Breve His­to­ria del Fes­ti­val de Can­nes

1946: La Batai­lle du Rail (Battle of the Rails), de René Clé­ment (Fran­cia). Gran Pre­mio Inter­na­cio­nal de la puesta escé­nica y Pre­mio del Jurado Inter­na­cio­nal.
1953: Le Salaire de la peur (The Wages of Fear, de Henri-Georges Clou­zot (1952, Francia-Italia). Gran Pre­mio
1956: Kör­hinta (Merry-Go-Round/Un petit carrou­sel de fête), de Zol­tán Fábri (1955, Hun­gría)
1957Ila Ayn? (Vers l’inconnu?), de Geor­ges Nas­ser (1h30, Líbano)
1967: Sku­pl­jači Perja (I Even Met Happy Gypsies/J’ai même ren­con­tré des Tzi­ga­nes heu­reux), de Alek­san­dar Petro­vić (Ser­bia). Gran Pre­mio Espe­cial del Jurado ex aequo, Pre­mio de la Crí­tica Inter­na­cioa­nal (FIPRESCI) ex aequo.
1967: Blow-up, de Miche­lan­gelo Anto­nioni (1966, Gran Bretaña-Italia– Esta­dos Uni­dos). Gran Pre­mio Inter­na­cio­nal
1969: Mat­zor (Siege/Siège), de Gil­berto Tofano (Israel)
1970: Soleil O (Oh, Sun), de Med Hondo (Mauritania-Francia)
1976: Babatu, les trois con­seils, de Jean Rouch (Nigeria-Francia)
1976: Ai no korîda (In the Realm of the Senses/L’Empire des sens), de Nagisa Oshima (1h43, Francia-Japón)
1980: All that Jazz, de Bob Fosse (1979, Esta­dos Uni­dos). Palma de Oro ex aec­quo
1981: Czło­wiek z żelaza (Man of Iron/L’Homme de fer), de Andr­zej Wajda (Polo­nia). Palma de Oro
1982: Yol – The Full Ver­sion (The Way/La Per­mis­sion), de Yil­maz Güney bajo la direcci[on[on de Serif Gören (Suiza). Palma de Oro ex aec­quo, Pre­mio de la Crí­tica Inter­na­cio­nal (FIPRESCI)
1983: Nara­yama Bus­hikō (Ballad of Narayama/La Ballade de Nara­yama), de Shôhei Ima­mura (Japón). Palma de Oro
1992: El sol del mem­bri­llo (Le Songe de la lumière), de Vic­tor Erice (España). Pre­mio Espe­cial del Jurado ex aequo, Pre­mio de la Crí­tica Inter­na­cio­nal (FIPRESCI)

1951 – 1999: Breve his­to­ria de 7 cor­tos exhi­bi­dos en el fes­ti­val en un solo pro­grama, curado por Chris­tian Jeune y Jac­ques Ker­ma­bon. La lista incluye a Spie­gel van Holland (Miroirs de Bert Haans­tra (1951, Holanda); La Seine a ren­con­tré Paris, de Joris Ivens (1958, Fran­cia); Pas de deux, de Nor­man McLa­ren (1968, Canadá); Harpya, de Raoul Ser­vais (1979, Bél­gica); Peel, de Jane Cam­pion (1986, Aus­tra­lia); L’Interview, de Xavier Gian­noli (1998, Fran­cia) y When the Day Breaks, de Amanda For­bis y Wendy Tilby (1999, Canadá).

Otros eventos

-Madame de…, de Max Ophüls (1953, Fran­cia). Como home­naje a Danie­lle Darrieux
-L’Ata­lante, de Jean Vigo (1934, Fran­cia). Pri­mera res­tau­ra­ción digi­tal en 4K y con­ver­sión a copia de 35mm
-San­gre negra (Sang noir), de Pie­rre Che­nal (1951, 1h47, Argentina-Estados Uni­dos). Una pre­sen­ta­ción de Argen­tina Sono Film. Res­tau­ra­ción efec­tuada con la cola­bo­ra­ción de la Libre­ría del Con­greso (Library of Con­gress)
-Papa­razzi, de Jac­ques Rozier (1963, Fran­cia). Res­tau­ra­ción en 2K
Belle de jour, de Luis Buñuel (1967, Fran­cia). Res­tau­ra­ción en 4K
A River Runs Through It, de Robert Red­ford (1992, Esta­dos Uni­dos). Res­tau­ra­ción en 4K
Lucía, de Hum­berto Solas (1968, Cuba). Res­tau­ra­ción efec­tuada por la Cine­teca de Bologna con la par­ti­ci­pa­ción del Ins­ti­tuto Cubano del Arte e Indus­tria Cinematográfico

Docu­men­ta­les sobre Cine

-La belge his­to­ire du fes­ti­val de Can­nes (The Belgian’s Road to Can­nes), de Henri de Ger­la­che (2017, Bél­gica)
-David Strat­ton — A Cine­ma­tic Life, de Sally Ait­ken (2017, Aus­tra­lia)
Film­wor­ker, de Tony Zie­rra (2017 Esta­dos Uni­dos)
Beco­ming Cary Grant (Cary Grant — De l’autre côté du miroir), de Mark Kidel (2017, France)
-Jean Dou­chet, l’enfant agité, de Fabien Hagège, Gui­llaume Namur y Vin­cent Haas­ser (2017, Francia)

La Semana de la Crí­tica de 2017

Cró­nica de Jorge Gutman

Char­les Tes­son, direc­tor artís­tico de la Semana de la Crí­tica dio a cono­cer las pelí­cu­las que inte­gra­rán la quin­cua­gé­sima sexta edi­ción que se desa­rro­llará entre el 18 y 26 de mayo. Como una de las dos sec­cio­nes para­le­las a las de la Selec­ción Ofi­cial del Fes­ti­val de Can­nes, esta mues­tra tiene como prin­ci­pal pro­pó­sito pre­sen­tar pri­me­ros o segun­dos fil­mes de nue­vos rea­li­za­do­res; así, pres­ti­gio­sos cineas­tas como Denys Arcand, Ber­nardo Ber­to­lucci, Ken Loach, Amos Gitai, Gui­llermo del Toro, Ale­jan­dro Gon­zá­lez Iña­rritu o Lucía Puenzo, entre otros, tuvie­ron la opor­tu­ni­dad de expo­ner sus pri­me­ros tra­ba­jos en esta impor­tante sección.

SEMAINE DE LA CRITIQUE 2017 (Poster)

El film de aper­tura es Sici­lian Ghost Story de los direc­to­res ita­lia­nos Fabio Gras­sa­do­nia y Anto­nio Piazza quie­nes en 2013 obtu­vie­ron el Pri­mer Pre­mio otor­gado por la Semana de la Crí­tica. Según se anti­cipa, el tema de esta pelí­cula se vin­cula con la bús­queda que rea­liza una ado­les­cente de su enamo­rado que ha sido secues­trado por la mafia. El film de clau­sura es la come­dia Brigsby Bear de Dave McCary inter­pre­tada por Kyle Moo­ney que tuvo un reso­nante éxito en el último fes­ti­val de Sun­dance; en la misma, el actor anima a un hom­bre que desde su infan­cia criado en un bun­ker sub­te­rrá­neo trata de adap­tarse a su nueva liber­tad recreando una serie de tele­vi­sión infan­til que lo entre­tuvo en sus años de soledad.

Brigsby Bear

Brigsby Bear

En fun­cio­nes espe­cia­les se pre­sen­ta­rán dos fil­mes fran­ce­ses. Uno de los mis­mos es Une vie vio­lente de Thie­rry de Peretti que gira en torno de un hom­bre que retorna a Cór­cega a pesar de las ame­na­zas de muerte que pesan sobre él, para asis­tir al entie­rro de su amigo de infan­cia que fue ase­si­nado; la otra pelí­cula es Petit Pay­san de Hubert Cha­ruel, sobre la lucha empren­dida por un gran­jero para tra­tar de sal­var su infec­tado ganado del matadero.

Entre los siete fil­mes com­pe­ti­ti­vos de lar­go­me­traje que serán ana­li­za­dos por el jurado pre­si­dido por el direc­tor bra­si­leño Kle­ber Men­doça Filho figu­ran tres de Amé­rica Latina. Uno de ellos es La Fami­lia del debu­tante direc­tor vene­zo­lano Gus­tavo Ron­dón Cór­dova; según las notas de prensa, el tema de esta pelí­cula gira en torno de un padre y un hijo de 12 años, sin mucha oca­sión para verse, que viven en un peli­groso vecin­da­rio obrero de Cara­cas; cuando el chico jugando en la calle es ata­cado por un niño, al defen­derse lo hiere gra­ve­mente y por esa razón, pre­sin­tiendo una ven­ganza, padre e hijo huyen del barrio; ésa será la oca­sión para que ambos se conoz­can mejor.

Los Perros es el otro film selec­cio­nado de la direc­tora chi­lena Mar­cela Zaid quien ya par­ti­cipó en Can­nes en 2013 con su pri­mer film El Verano de los Peces Vola­do­res. La his­to­ria gira en torno de una mujer de 42 años per­te­ne­ciente a la bur­gue­sía chi­lena que ha sido cóm­plice de la dic­ta­dura de Pino­chet; sin el afecto de su padre y con un marido más ocu­pado de su tra­bajo que de ella, esta mujer se siente atraída por su pro­fe­sor de equi­ta­ción quien ha sido un ex coro­nel del ejér­cito con un pasado no muy lim­pio. En las pala­bras de la rea­li­za­dora su pelí­cula “habla del desamor, de la sole­dad de una mujer, de la vio­len­cia con­te­nida y explí­cita de la socie­dad chi­lena y de los civi­les que apo­ya­ron y finan­cia­ron el régi­men mili­tar y que se desen­tien­den de sus res­pon­sa­bi­li­da­des frente a los crí­me­nes come­ti­dos en Chile”.

El ter­cer título lati­noa­me­ri­cano es Gabriel e a mon­tanha, segundo film del direc­tor bra­si­leño Fellipe Gama­rano Bar­bosa quien narra la his­to­ria de un joven idea­lista que viaja a África cre­yendo que es posi­ble que su com­pro­miso y sen­tido de la cari­dad pue­dan cam­biar el mundo.

A con­ti­nua­ción se pre­senta la lista com­pleta de filmes.

Film de Apertura

- Sici­lian Ghost Story, de Fabio Gras­sa­do­nia & Anto­nio Piazza (Italia-Francia)

Pro­yec­cio­nes Espe­cia­les de Largometrjes

- Petit Pay­san, de Hubert Cha­ruel (Fran­cia) * Ópera Prima
- Une vie vio­lente, de Thie­rry de Peretti (Francia)

Pro­yec­cio­nes Espe­cia­les de Cortometrajes

- After School Knife Fight, de Caro­line Poggi & Jonat­han Vinel (Fran­cia)
- Coelho Mau (Mau­vais Lapin), de Car­los Con­ceição (Fran­cia)
- Les Îles, de Yann Gon­za­lez (Francia)

Film de Clausura

- Brigsby Bear, de Dave McCary (Esta­dos Uni­dos) * Ópera Prima

Com­pe­ti­ción de Largometrajes

- Ava, de Léa Mysius (Fran­cia) * Ópera Prima
- La fami­lia, de Gus­tavo Ron­dón Cór­dova (Venezuela-Chile-Noruega) * Ópera Prima
- Gabriel e a mon­tanha, de Fellipe Gama­rano Bar­bosa (Brasil-Francia)
- Makala, de Emma­nuel Gras (Fran­cia)
- Oh Lucy!, de Atsuko Hira­ya­nagi (Japón-Estados Uni­dos) * Ópera Prima
- Los Perros, de Mar­cela Said (Chile-Francia)
- Teh­ran Taboo, de Ali Soo­zan­deh (Alemania-Austria) * Ópera Prima

Com­pe­ti­ción de Cortometrajes

- Los Des­he­re­da­dos, de Laura Ferrés (España)
- Ela — Szkice na Pozeg­na­nie, de Oli­ver Adam Kusio (Ale­ma­nia)
- Les enfants par­tent à l’aube, de Manon Coubia (Fran­cia)
- Jodi­lerks Dela Cruz, Emplo­yee of the Month, de Carlo F. Mana­tad (Filipinas-Singapur)
- Möbius, de Sam Kuhn (Esta­dos Unidos-Canadá)
- Naj­piek­niejsze fajer­werki ever (The Best Fire­works Ever), d’Aleksandra Ter­pinska
(Polo­nia)
- Real Gods Require Blood, de Moin Hus­sain (Gran Bre­taña)
- Selva, de Sofía Qui­rós Ubeda (Costa Rica-Argentina-Chile)
- Tesla : lumière mon­diale, de Matt­hew Ran­kin (Canadá)
- Le Visage, Sal­va­tore Lista (Francia)