BLACK WIDOW. Esta­dos Uni­dos, 2020. Un film de Cate Shortland. 133 minutos

Des­pués de poco más de un año de espe­ra a cau­sa de la pan­de­mia recién aho­ra vio la luz Black Widow, pro­duc­ción de los estu­dios Mar­vel diri­gi­da por Cate Shortland, cuyo pro­pó­si­to es resal­tar el empren­di­mien­to de su heroí­na Natasha Roma­noff. Aun­que este per­so­na­je mue­re en el epi­so­dio de Aven­gers: End­ga­me (2019), eso no tie­ne mayor impor­tan­cia, sobre todo para quie­nes no hayan vis­to la serie de refe­ren­cia; lo que sí cabe des­ta­car es que en la pre­sen­te oca­sión el uni­ver­so cine­má­ti­co de Mar­vel prio­ri­za a los per­so­na­jes femeninos.

Scar­lett Johansson

Como pró­lo­go de la his­to­ria de Jac Schaef­fer y Ned Ben­son, el guión de Eric Pear­son ubi­ca el esce­na­rio en Ohio en 1995 don­de la niña Natasha (Ever Ander­son) y su her­ma­ni­ta Yele­na (Vio­le­ta McGraw) se ven for­za­das a huir del país con sus supues­tos padres Ale­xei (David Har­bour) y Meli­na (Rachel Weisz), dos espías rusos; des­pués de su retorno a Rusia, esta dis­fun­cio­nal fami­lia se dis­gre­ga. Inme­dia­ta­men­te el rela­to se des­pla­za a 2016 don­de Natasha (Scar­lett Johans­son) reen­con­tra­rá a Yele­na (Flo­ren­ce Pugh) y ambas tra­ta­rán de des­en­mas­ca­rar y derro­tar al villano gene­ral ruso Drey­kov (Ray Wins­to­ne); él super­vi­sa el pro­gra­ma “viu­da negra”, des­ti­na­do a con­ver­tir a jóve­nes huér­fa­nas en sinies­tras ase­si­nas median­te el uso de dro­gas con­tro­la­do­ras de la men­te y en el que des­afor­tu­na­da­men­te Natasha y Yele­na habían sido some­ti­das a ese cruel experimento.

Hay dos aspec­tos que la rea­li­za­do­ra con­si­de­ra en esta his­to­ria. Por un lado se asis­te al típi­co rela­to de acción y aven­tu­ras don­de las fuer­zas del bien lucha­rán con­tra las malig­nas; en ese queha­cer que abar­ca apro­xi­ma­da­men­te la mitad del rela­to, no hay duda que los aman­tes del géne­ro sal­drán satis­fe­chos. Pero más allá del puro entre­te­ni­mien­to ofre­ci­do en las esce­nas de lucha, per­se­cu­cio­nes y bala­ce­ras, median­te una apro­xi­ma­ción deci­di­da­men­te femi­nis­ta la direc­to­ra enfo­ca el deve­nir de Natasha. Debi­do a las hue­llas trau­má­ti­cas de su pasa­do que han que­da­do regis­tra­das en su memo­ria, esta ex sica­ria tra­ta de lograr su ver­da­de­ra iden­ti­dad; es allí que el ciné­fi­lo podrá des­cu­brir el dra­ma de la pro­ta­go­nis­ta en pro­cu­ra de un sin­ce­ro afec­to que final­men­te lo encuen­tra a tra­vés de la soli­da­ri­dad for­ja­da con Yele­na y con sus pro­ge­ni­to­res a pesar de no exis­tir lazos sanguíneos.

Johans­son es una exce­len­te actriz que ha demos­tra­do su inne­ga­ble apti­tud en varios fil­mes, inclu­yen­do entre otros Match Point (2005) y espe­cial­men­te Marria­ge Story (2019); en este caso no resul­ta extra­ño que des­pués de haber dado vida en ocho opor­tu­ni­da­des a Natasha Roma­noff, su nue­va inter­pre­ta­ción del famo­so per­so­na­je resul­ta insu­pe­ra­ble demos­tran­do la deter­mi­na­ción y valen­tía de esta joven mujer aun­que inter­na­men­te se sien­ta vul­ne­ra­ble . A su lado igual­men­te tie­ne oca­sión de lucir­se Pugh como Yele­na logran­do una nota­ble quí­mi­ca con Natasha en las secuen­cias de inti­mi­dad com­par­ti­das; en otros roles se dis­tin­guen la cali­dez brin­da­da por la vete­ra­na Weisz así como Har­bour ofre­cien­do algu­nos momen­tos risue­ños de su sin­gu­lar superhéroe.

Es impor­tan­te remar­car que el film con­clu­ye con un epí­lo­go fue­ra de serie; esto es así, por­que cuan­do comien­zan los cré­di­tos fina­les que se extien­den por 10 minu­tos recién en los últi­mos 2 se inclu­ye una esce­na ‑que obvia­men­te no se deve­la­rá- en la que el espec­ta­dor des­cu­bri­rá quien será la pró­xi­ma super­he­roí­na si es que los estu­dios Mar­vel deci­den con­ti­nuar con esta exi­to­sa fran­qui­cia. En todo caso, se reco­mien­da per­ma­ne­cer en la sala has­ta el últi­mo minu­to. Jor­ge Gutman

I CARRY YOU WITH ME / TE LLE­VO CON­MI­GO. Méxi­co-Esta­dos Uni­dos, 2020. Un film de Hei­di Ewing. 111 minutos.

Con 22 docu­men­ta­les en su haber la direc­to­ra Hei­di Ewing enca­ra en I Carry You With Me su pri­mer tra­ba­jo de fic­ción cen­tran­do la aten­ción en dos per­so­na­jes mexi­ca­nos gays de la vida real, Ivan Gar­cía y Gerar­do Zaba­le­ta, median­te la repro­duc­ción de sus vidas duran­te un lap­so de dos décadas.

Con gran sen­si­bi­li­dad feme­ni­na, Ewing con­si­de­ra varios temas que se van com­ple­men­tan­do como el de la orien­ta­ción sexual, la dis­fun­cio­na­li­dad fami­liar, el reco­no­ci­mien­to pro­fe­sio­nal, el sue­ño ame­ri­cano, la inmi­gra­ción ile­gal así como la diás­po­ra de vivir en un país ajeno.

Arman­do Espi­tia y Chris­tian Vázquez

La acción se ubi­ca en Pue­bla, en 1994. Iván (Arman­do Espi­tia) de 20 años quien es un culi­na­rio diplo­ma­do tra­ba­ja empe­ño­sa­men­te en un res­tau­ran­te lavan­do la vaji­lla, en tan­to que su aspi­ra­ción de ser pro­mo­vi­do a coci­ne­ro y lle­gar a ser chef dis­ta de con­cre­tar­se. Sepa­ra­do de su mujer Pao­la (Miche­lle Gon­zá­lez) que está a car­go de su peque­ño hijo Ricky (Paco Luna), man­tie­ne ocul­ta su homo­se­xua­li­dad. Su vida cobra un vuel­co cuan­do cono­ce a Gerar­do (Chris­tian Váz­quez), un adjun­to pro­fe­sor uni­ver­si­ta­rio que no tie­ne pro­ble­ma alguno en dar a cono­cer su pre­fe­ren­cia sexual, y entre ambos sur­ge un fuer­te víncu­lo sentimental.

A tra­vés de flash­backs en bre­ves esce­nas se apre­cia cómo trans­cu­rrie­ron los años de infan­cia de ambos. En tan­to que el padre de Iván no disi­mu­la su des­ilu­sión cuan­do des­cu­bre su incli­na­ción sexual, el de Gerar­do ‑un rico y machis­ta ran­che­ro de Chia­pas- lo cas­ti­ga seve­ra­men­te por ser como es.

Cuan­do Pao­la des­cu­bre que su mari­do man­tie­ne una rela­ción con Gerar­do, lo ame­na­za con no per­mi­tir­le ver a su hijo. Esa situa­ción impul­sa a Iván a dejar Pue­bla, una ciu­dad don­de los obs­tácu­los socia­les con los pre­jui­cios exis­ten­tes impi­den que pue­da vivir sin temor su amor con Gerardo.

Con­se­cuen­te­men­te Iván acom­pa­ña­do de San­dra (Miche­lle Rodrí­gez), su ami­ga de la infan­cia, ini­cia el ries­go­so via­je clan­des­tino hacia Esta­dos Uni­dos, aspi­ran­do a un mejor por­ve­nir como coci­ne­ro, reu­nir el dine­ro sufi­cien­te para enviar a su hijo y even­tual­men­te retor­nar a Méxi­co algún tiem­po des­pués para reu­nir­se con su compañero.

El res­to del rela­to con­ce­bi­do por Ewing y el coguio­nis­ta Alan Page Arria­ga, expo­ne la expe­rien­cia de lván en terri­to­rio ame­ri­cano quien está afin­ca­do en el dis­tri­to neo­yor­kino de Queens. Comen­zan­do con tra­ba­jos meno­res, a medi­da que el tiem­po trans­cu­rre y con la lle­ga­da de Gerar­do ‑tam­bién de mane­ra ile­gal- la situa­ción pro­fe­sio­nal les lle­ga a son­reír en el ramo gas­tro­nó­mi­co has­ta lograr el mane­jo de un exi­to­so res­tau­ran­te don­de se cum­ple el ansia­do sue­ño de Iván de deve­nir un buen chef.

La tra­ma va adqui­rien­do mayor inten­si­dad emo­cio­nal al ir expo­nien­do la vul­ne­ra­bi­li­dad de estos dos per­so­na­jes que no obs­tan­te la bue­na situa­ción eco­nó­mi­ca y la satis­fac­ción de poder expre­sar su amor libre­men­te, viven indo­cu­men­ta­da­men­te y a la vez sien­ten la gran año­ran­za hacia la tie­rra natal con el vacío que les pro­du­ce estar dis­tan­cia­dos de la fami­lia. Eso se refle­ja más inten­sa­men­te en el caso de Iván quien con gran amor pater­nal anhe­la poder reen­con­trar­se con su hijo adul­to des­pués de más de vein­te años de no haber teni­do un encuen­tro físi­co; pero es cons­cien­te de que si via­ja a Méxi­co no podrá retor­nar a Esta­dos Uni­dos y por otra par­te su hijo tam­po­co pue­de venir a visi­tar­lo por­que le ha sido nega­da la visa americana.

El con­flic­to emo­cio­nal sus­ci­ta­do por la pater­ni­dad está muy bien plan­tea­do por Ewing logran­do que la últi­ma par­te del rela­to adquie­ra con­si­de­ra­ble enver­ga­du­ra dramática.

La obser­va­ción que mere­ce este film es que su narra­ción no cro­no­ló­gi­ca no es la más acer­ta­da en la medi­da que los con­ti­nuos sal­tos en el tiem­po dis­traen en par­te la aten­ción del espectador.

En todo caso el repa­ro men­cio­na­do no ate­núa los méri­tos de esta agri­dul­ce his­to­ria fil­ma­da con cáma­ra en mano don­de la rea­li­za­do­ra con la cola­bo­ra­ción de la impe­ca­ble foto­gra­fía de Juan Pablo Ramí­rez per­mi­te cap­tar autén­ti­ca­men­te tan­to los esce­na­rios natu­ra­les en que trans­cu­rre la acción como asi­mis­mo la inter­ac­ción que se sus­ci­ta entre los pro­ta­go­nis­tas; en tal sen­ti­do la remar­ca­ble inter­pre­ta­ción brin­da­da por Espi­tia y Váz­quez per­mi­te que sus per­so­na­jes logren una exce­len­te quí­mi­ca, muy bien trans­mi­ti­da a la pla­tea. Jor­ge Gutman

TOVE. Fin­lan­dia-Sue­cia, 2020. Un film de Zai­da Ber­groth. 103 minutos

Pue­de que para quie­nes no viven en Fin­lan­dia o en los paí­ses escan­di­na­vos el nom­bre de Tove Jans­son (1914 – 2001) no resul­te fami­liar; no obs­tan­te ha sido una de las artis­tas fin­lan­de­sas más impor­tan­tes del siglo pasa­do en su con­di­ción de pin­to­ra, escri­to­ra, dibu­jan­te e ilus­tra­do­ra. De allí que resul­te más que bien­ve­ni­do este film de Zai­da Ber­groth abor­dan­do a esta crea­do­ra duran­te un bre­ve y fruc­tí­fe­ro perío­do de su vida.

Alma Poys­ti

El guión de Eeva Putro comien­za en Hel­sin­ki en 1944 don­de se con­tem­pla una ciu­dad arra­sa­da por los bom­bar­deos béli­cos. Allí, tra­ba­jan­do en su taller Tove (Alma Poys­ti) enfo­ca su aten­ción en la pin­tu­ra ade­más de ilus­trar como dibu­jan­te a los Mum­mins, per­so­na­jes que repre­sen­tan unos hipo­pó­ta­mos blan­cos que cons­ti­tu­yen un esla­bón esen­cial en su carác­ter de escri­to­ra de cuen­tos infan­ti­les. Con todo, la tarea que rea­li­za no es apre­cia­da por su padre (Robert Enc­kel), un renom­bra­do escul­tor, que juz­ga a las cari­ca­tu­ras esbo­za­das por su hija como algo sin mayor tras­cen­den­cia. Si bien en un prin­ci­pio el tra­ba­jo de Tove no lle­ga a reper­cu­tir, pocos años más tar­de alcan­za una extra­or­di­na­ria popu­la­ri­dad gra­cias a los Mum­mins y a otros per­so­na­jes de su crea­ción que cobra­ron vida en las tiras de his­to­rie­tas cómi­cas ade­más de haber sido tras­la­da­dos al tea­tro con gran éxi­to; eso se com­ple­men­ta con el váli­do reco­no­ci­mien­to obte­ni­do como talen­to­sa pintora.

Pese a que el rela­to no deja de con­si­de­rar el pro­ce­so de crea­ción artís­ti­ca de Tove y su bús­que­da de com­ple­ta inde­pen­den­cia como tal, la tra­ma cen­tra­li­za la aten­ción en el estu­dio carac­te­ro­ló­gi­co de su per­so­na. Con­si­de­ran­do que la vida es una aven­tu­ra nutri­da de giros y vuel­tas, su natu­ra­le­za bohe­mia y de libre espí­ri­tu gra­vi­ta alre­de­dor de dos per­so­nas que tras­cen­die­ron en su vida. Una de ellas es el polí­ti­co izquier­dis­ta Atos Wir­ta­nen (Shan­ti Roney), con quien enta­bla­rá una rela­ción amo­ro­sa a pesar de que él es un hom­bre casa­do; pero el vuel­co emo­cio­nal de Tove será mayor cuan­do cono­ce a Vivi­ca Ban­der (Kris­ta Koso­nen), una direc­to­ra tea­tral de la alta socie­dad fin­lan­de­sa e hija del alcal­de de la ciu­dad, con quien man­ten­drá un apa­sio­na­do roman­ce. Sin embar­go, Tove no pue­de ocul­tar su frus­tra­ción al ver que su amor no es corres­pon­di­do por su aman­te quien no tie­ne repa­ro alguno en man­te­ner aven­tu­ras amo­ro­sas con otras muje­res. Aun­que en prin­ci­pio la artis­ta rehú­sa la pro­pues­ta matri­mo­nial de Atos al haber­se divor­cia­do de su mujer, final­men­te acce­de unir su vida a él pero el matri­mo­nio es de cor­to alcan­ce por­que ella no pue­de des­pren­der­se del fuer­te sen­ti­mien­to hacia Vivi­ca. Aun­que el desa­rro­llo del rela­to se detie­ne a media­dos de la déca­da del 50, des­pués de su des­ilu­sión amo­ro­sa la atri­bu­la­da Tove encuen­tra su defi­ni­ti­vo des­tino sen­ti­men­tal en Tuu­lik­ki Pie­ti­lä (Joan­na Haart­ti), una artis­ta grá­fi­ca que será su com­pa­ñe­ra has­ta el final de su existencia.

Den­tro del esque­ma tra­di­cio­nal del rela­to bio­grá­fi­co, la direc­to­ra ha logra­do una meticu­losa pues­ta escé­ni­ca man­te­nien­do un flui­do rit­mo en su narra­ción. De todos modos, la soli­dez del film resi­de en la estu­pen­da carac­te­ri­za­ción de Poys­ti quien sumer­gién­do­se en la per­so­na­li­dad de la pin­to­ra, a pesar de haber lle­ga­do a ser reco­no­ci­da como una pres­ti­gio­sa artis­ta demues­tra su fra­gi­li­dad al ver que su ansia­da liber­tad de actuar se ve refre­na­da al que­dar atra­pa­da por una fogo­si­dad amo­ro­sa sin futu­ro alguno. La inter­pre­ta­ción de Poys­ti no ensom­bre­ce la de Koso­nen quien con­vin­cen­te­men­te trans­mi­te la per­so­na­li­dad ego­cén­tri­ca y egoís­ta de una mujer en pro­cu­ra de satis­fac­ción sexual pero des­pro­vis­ta de amor. Igual­men­te impe­ca­ble es la com­po­si­ción de Roney como el afa­ble indi­vi­duo ena­mo­ra­do de Tove pero que encuen­tra en Vivi­ca una fuer­te com­pe­ti­do­ra en los sen­ti­mien­tos de su ama­da a la que no pue­de vencer.

En esen­cia, este es un tierno rela­to sen­ti­men­tal agra­cia­do por un buen elen­co y nota­bles valo­res de pro­duc­ción. Men­ción espe­cial mere­ce la ban­da sono­ra incor­po­ran­do agra­da­bles temas, entre otros, de Edith Piaf (C’est Mer­vei­lleux), Benny Good­man (Sing, Sing, Sing), Josephi­ne Baker (De temps en temps), Glenn Miller (In the Mood) y el famo­so tan­go de Car­los Gar­del inter­pre­tan­do “Por una Cabe­za”. Jor­ge Gutman

BEANS. Cana­dá, 2020. Un film de Tra­cey Deer. 92 minutos

Los trau­mas vivi­dos en la tem­pra­na edad de una per­so­na no des­apa­re­cen fácil­men­te con el trans­cur­so del tiem­po al que­dar regis­tra­dos en la memo­ria; eso es lo acon­te­ci­do con la direc­to­ra autóc­to­na Tracy Deer que ins­pi­ra­da en su expe­rien­cia pre­ado­les­cen­te dra­ma­ti­za en Beans los lamen­ta­bles acon­te­ci­mien­tos de “La Cri­sis de Oka” que tuvo lugar en la pro­vin­cia de Quebec.

Con­si­de­ra­da como una de los jóve­nes talen­tos emer­gen­tes por el TIFF, don­de el film tuvo su estreno mun­dial el año pasa­do, la rea­li­za­do­ra expe­ri­men­ta­da en el géne­ro docu­men­tal ofre­ce en su pri­mer tra­ba­jo de fic­ción un vigo­ro­so dra­ma expo­nien­do el pro­ce­so de madu­rez que atra­vie­sa una niña Mohawk de 12 años duran­te los vio­len­tos inci­den­tes acaecidos.

El con­flic­to esta­lla­do en el verano de 1990 con una dura­ción de 78 días, se ori­gi­nó con el pro­nun­cia­mien­to de un tri­bu­nal que auto­ri­zó a los blan­cos pro­pie­ta­rios del cam­po de golf de Oka a que éste se expan­die­ra a tra­vés de la defo­res­ta­ción de un bos­que de pinos que alber­ga­ba el sagra­do cemen­te­rio don­de esta­ban ente­rra­dos los ances­tros de dos comu­ni­da­des Mohawk de Kah­na­wa­ke. Ese hecho pro­vo­có el dra­má­ti­co enfren­ta­mien­to de la pobla­ción autóc­to­na con el Ser­vi­cio de Poli­cía Pro­vin­cial de Que­bec y el ejér­ci­to canadiense.

Kia­wen­tiio y Rain­bow Dickerson

La gra­ve dispu­ta es expe­ri­men­ta­da por Tekenhen­tahkh­wa (Kia­ven­tiio), de sobre­nom­bre Beans, una exce­len­te estu­dian­te Mohawk que aca­ba de ter­mi­nar su edu­ca­ción pri­ma­ria y vive en Oka con sus padres (Joel Mont­grand y Rain­bow Dic­ker­son) y su her­ma­na menor (Vio­let Beau­vais). Si bien al prin­ci­pio ella es una chi­ca inge­nua, a medi­da que el inci­den­te va cobran­do inten­si­dad obser­va la cruel­dad exis­ten­te en el medio ambien­te que la rodea y comien­za a com­pren­der lo que sig­ni­fi­ca ser una per­so­na per­te­ne­cien­te a los pue­blos ori­gi­na­rios; esa tran­si­ción de la ino­cen­cia has­ta adqui­rir con­cien­cia de la reali­dad que la cir­cun­da es en par­te debi­do a su nue­va ami­ga April (Pau­li­na Ale­xis) quien tra­ta de for­ta­le­cer­la y ense­ñar­le a luchar fren­te a los hechos dra­má­ti­cos que se van desa­rro­llan­do. A todo ello Beans se deba­te fren­te al deseo de su madre de que pro­si­ga sus estu­dios en una escue­la pri­va­da y se asi­mi­le a la pobla­ción blan­ca arries­gan­do así su iden­ti­dad autóc­to­na y la de su padre aspi­ran­do a que ella no renun­cie a sus raíces.

Acer­ta­da­men­te la direc­to­ra ha uti­li­za­do extrac­tos de archi­vos que se con­ju­gan muy bien con la narra­ción de fic­ción per­mi­tien­do así que el cli­ma de ten­sión crea­do adquie­ra com­ple­ta auten­ti­ci­dad; entre algu­nas de las tris­tes esce­nas se obser­va a la gen­te blan­ca pro­li­fe­ran­do insul­tos a los Mohawk mien­tras que éstos a tra­vés de pan­car­tas rue­gan que fina­li­ce el apartheid cana­dien­se que sufre su comunidad.

La ágil direc­ción de Deer se com­ple­men­ta con la mag­ní­fi­ca actua­ción de la ado­les­cen­te Kia­wen­tiio que prác­ti­ca­men­te domi­na el rela­to con su pre­sen­cia con­fi­rien­do total vera­ci­dad a la indí­ge­na Beans. Este con­mo­ve­dor y vibran­te film que ha ser­vi­do de catar­sis para la rea­li­za­do­ra, cons­ti­tu­ye un lla­ma­do de aten­ción para que que­de defi­ni­ti­va­men­te eli­mi­na­da la dis­cri­mi­na­ción racial a la que ha sido some­ti­da tan­to la pobla­ción autóc­to­na de Oka como la que habi­ta a lo lar­go del terri­to­rio cana­dien­se. Jor­ge Gutman