Cró­ni­ca de Jor­ge Gutman

CINE­MA­NIA 2026

Des­de el 4 has­ta el 15 de noviem­bre ten­drá lugar la tri­gé­si­ma segun­da edi­ción de Cine­ma­nia, uno de los más impor­tan­tes even­tos cul­tu­ra­les de Mon­treal que per­mi­te al públi­co des­cu­brir la rique­za y diver­si­dad de la cine­ma­to­gra­fía francófona.

A tra­vés de una ava­lan­cha de gran­des pri­mi­cias, la varia­da pro­gra­ma­ción abar­ca 138 pelí­cu­las inclu­yen­do cor­to­me­tra­jes y 16 series. Asi­mis­mo el fes­ti­val esta­rá real­za­do con la invi­ta­ción de remar­ca­bles figu­ras del cine fran­có­fono, inclu­yen­do entre otros pres­ti­gio­sos nom­bres a Jean Dujar­din, San­dri­ne Kiber­lin, Kari­ne Viard, Lukas Dhont, Béré­ni­ce Bejo y a Thierry Fré­maux quien es el dele­ga­do gene­ral del Fes­ti­val de Cannes.

Este año, par­te de la pro­gra­ma­ción está cen­tra­da en el cine de Bél­gi­ca y de Mar­ti­ni­que, en tan­to que la nue­va sec­ción Jor­na­das de la Serie Fran­có­fo­na agre­ga una nue­va dimen­sión a la muestra.

La pelí­cu­la de inau­gu­ra­ción de Cine­ma­nia es Para­di­se (Cana­dá) diri­gi­da por Jérémy Comp­te con un elen­co inte­gra­do por Joey Boi­vin-Des­meu­les, Daniel Atsu Huk­por­ti y Evely­ne De La Che­ne­liè­re. La ópe­ra pri­ma De la Comé­die-Fra­nçai­se (Fran­cia) de los rea­li­za­do­res Bre­trand Usclat y Mar­tin Daron­deau con la par­ti­ci­pa­ción de Pau­li­ne Clé­ment, Lau­rent Stoc­ker, Mari­na Hands y Julien Fri­son clau­su­ra­rá el fes­ti­val el 15 de noviembre.

La lis­ta com­ple­ta de la pro­gra­ma­ción con todas las sec­cio­nes com­pren­di­das, las salas de cine de exhi­bi­ción, los hora­rios per­ti­nen­tes, las nume­ro­sas acti­vi­da­des alu­si­vas al fes­ti­val, así como los nume­ro­sos artis­tas invi­ta­dos pue­de obte­ner­se en el sitio festivalcinemania.com

A con­ti­nua­ción se comen­tan dos fil­mes que se verán en el Festival.

La Gra­di­va (Fran­cia-Ita­lia)

Una vez más cau­sa agra­da­ble expe­rien­cia cuan­do se des­cu­bre el talen­to de jóve­nes cineas­tas que por pri­me­ra vez se ubi­can detrás de la cáma­ra. Ese es el caso de Mari­ne Atlan quien con La Gra­di­va mere­ci­da­men­te obtu­vo el pre­mio al mejor film pre­sen­ta­do en la Sema­na de la Crí­ti­ca del Fes­ti­val de Can­nes de este año.

LA GRA­DI­VA

Si bien las vici­si­tu­des atra­ve­sa­das por la juven­tud en su tran­si­ción hacia la adul­tez es un tema ya tra­ta­do por el cine, el esti­lo adop­ta­do por la rea­li­za­do­ra apo­ya­da por su nota­ble guión escri­to con Anne Broui­llet per­mi­te con­ci­tar la aten­ción de esta come­dia dra­má­ti­ca no obs­tan­te su dura­ción de casi dos horas y media.

La tra­ma se cen­tra en un gru­po de alum­nos de París que a pun­to de fina­li­zar sus estu­dios de ense­ñan­za media acom­pa­ña­dos por Marian­ne Mer­cier (Anto­nia Bure­si), la pro­fe­so­ra de latín, se tras­la­dan a Nápo­les. Lle­ga­dos al lugar y reu­nien­do a sus dis­cí­pu­los ella les hace cono­cer las rui­nas de Pom­pe­ya debi­das a la vio­len­ta erup­ción del vol­cán Vesu­bio en agos­to de 79 DC que inci­ne­ró a miles de per­so­nas. A su vez en esa excur­sión ella tam­bién les invi­ta a obser­var los fres­cos artís­ti­cos en una visi­ta efec­tua­da al museo.

Ade­más del enfo­que cul­tu­ral de esta excur­sión, la cáma­ra de la direc­to­ra resal­ta las inter­ac­cio­nes que se esta­ble­cen en el gru­po coral. Entre los mis­mos se encuen­tran Tony (Colas Quig­nard), un mucha­cho bro­mis­ta y pro­vo­ca­dor que no pres­ta mucha aten­ción a lo que la docen­te expo­ne, James (Mitia Cape­llier) que es el mejor ami­go de Tony y que se carac­te­ri­za por ser un con­quis­ta­dor muje­rie­go y Suzan­ne (Suzan­ne Gerin), una joven de apti­tu­des artís­ti­cas que se dedi­ca a obser­var el espe­cial víncu­lo de Tony con James.

Las andan­zas y peri­pe­cias vivi­das por estos ado­les­cen­tes que­dan evi­den­cia­das a tra­vés de remar­ca­bles diá­lo­gos don­de se refle­jan cuá­les son sus ansie­da­des, angus­tias, deseos, celos, ver­güen­za, como asi­mis­mo en el caso de Tony sus impul­sos sexua­les en pro­cu­ra de su iden­ti­dad. De simi­lar inte­rés sus­ci­ta obser­var las dife­ren­tes reac­cio­nes de cada estu­dian­te fren­te a las expli­ca­cio­nes de la pro­fe­so­ra que visi­tan­do Nápo­les ella des­ta­ca la vita­li­dad de una ciu­dad que per­ma­ne­ce suje­ta a las ame­na­zas de terre­mo­tos como los acon­te­ci­dos en la déca­da del 80.

Aun­que este via­je de des­pe­di­da a una eta­pa de sus vidas per­mi­ti­rá que esta juven­tud pue­da deter­mi­nar los pasos a seguir en el futu­ro inme­dia­to, el ines­pe­ra­do des­en­la­ce deja una sen­sa­ción de tristeza.

Con la excep­ción de la actriz y escri­to­ra Bure­si que logra una mag­ní­fi­ca com­po­si­ción de la docen­te que con­sa­gró su vida a la ense­ñan­za, el res­to del elen­co inclu­ye a una vein­te­na de artis­tas no pro­fe­sio­na­les que ofre­cen una com­ple­ta auten­ti­ci­dad en sus res­pec­ti­vos per­so­na­jes. En esen­cia, la cineas­ta demues­tra una inusual madu­rez en su rea­lis­ta pues­ta escé­ni­ca per­mi­tien­do que su ópe­ra pri­ma nutri­da de inten­si­dad emo­cio­nal lle­gue a trascender.

Le Faux Soir (Bél­gi­ca-Fran­cia)

Es incon­ta­ble las veces que el cine ha con­si­de­ra­do el dra­ma de la Segun­da Gue­rra Mun­dial a tra­vés de dife­ren­tes cir­cuns­tan­cias. Con todo, resul­ta bien­ve­ni­da la pro­pues­ta del rea­li­za­dor bel­ga Michael R. Ros­kam con­si­de­ran­do una his­to­ria que está basa­da en even­tos reales y que ha sido ver­ti­da en el libro docu­men­tal de Marie Istas Le Faux Soir. 9 novem­bre 1943.

LE FAUX SOIR

La pelí­cu­la guio­ni­za­da por el rea­li­za­dor con la cola­bo­ra­ción de la auto­ra del libro y de Ber­nard Falai­se trans­cu­rre en Bru­se­las en 1943 duran­te la ocu­pa­ción ale­ma­na de Bél­gi­ca. En su comien­zo Marc Aubrion (Arie Worthal­ter) y su pare­ja Geral­di­ne (Mara Taquin) obser­van al ejér­ci­to nazi cir­cu­lan­do por la ciu­dad. Eso impul­sa a Marc, un con­su­ma­do poe­ta anar­quis­ta, a escri­bir poe­mas que deja inser­ta­dos en los libros de la biblio­te­ca públi­ca. Su acción con­cen­tra la aten­ción de un gru­po de la resis­ten­cia bel­ga quien le soli­ci­ta que inter­ven­ga en la redac­ción de una edi­ción fal­sa del dia­rio Le Soir a fin de denun­ciar las accio­nes atro­ces del régi­men nazi.

A par­tir de esa des­ca­be­lla­da situa­ción, la pelí­cu­la adop­tan­do un remar­ca­ble tono satí­ri­co abor­da todo el queha­cer que impli­ca­rá esa tarea. Fra­nçoi­se (Méla­nie Thierry), una de las inte­gran­tes de la ope­ra­ción dis­pon­drá lo que cada uno de los par­ti­ci­pan­tes, ocul­tan­do su ver­da­de­ro nom­bre, ten­drá a su car­go, inclu­yen­do el finan­cia­mien­to, el pro­ce­so téc­ni­co de las rota­ti­vas, el mane­jo de la impren­ta, la pre­pa­ra­ción de los tex­tos a car­go de Marc y la edi­ción per­ti­nen­te. Es así que en un lap­so de 22 días a fin de poder lle­gar a la fecha del 9 de noviem­bre para su publi­ca­ción, el film va ilus­tran­do cómo se va desa­rro­llan­do esa misión en don­de sus inte­gran­tes obvia­men­te arries­gan sus vidas en el caso de ser des­cu­bier­tos. Al lle­gar el día seña­la­do la últi­ma y deli­ca­da tarea con­sis­te en dis­tri­buir la fal­sa edi­ción del perió­di­co sin des­per­tar sos­pe­cha algu­na, horas antes de que cir­cu­le la ver­da­de­ra publi­ca­ción nutri­da de pro­pa­gan­da nazi.

La recons­truc­ción de los hechos es pon­de­ra­ble en el que se evi­den­cia la cama­ra­de­ría y soli­da­ri­dad del gru­po, don­de a pesar del tras­fon­do dra­má­ti­co se inser­tan situa­cio­nes en don­de el sus­pen­so gene­ra­do se entre­mez­cla con situa­cio­nes de fran­co humor.

La com­pe­ten­te narra­ción del rea­li­za­dor se com­ple­men­ta con la inter­ven­ción de un diná­mi­co y com­pe­ten­te elen­co don­de ade­más de Worthal­ter, Thierry y Taquin, entre otros nom­bres figu­ran Bou­li Lan­ners, Peter Van den Begin y Karim Leklou, pose­sio­nán­do­se de sus res­pec­ti­vos per­so­na­jes. Todo ello con­tri­bu­ye para dis­fru­tar de una pelí­cu­la suma­men­te entre­te­ni­da ade­más de brin­dar una lec­ción his­tó­ri­ca no mun­dial­men­te difun­di­da, con excep­ción de Bélgica.

Cró­ni­ca de Jor­ge Gutman

He aquí 5 comen­ta­rios visio­na­dos en el Fes­ti­val du Nou­veau Ciné­ma (FNC)

A veces me entra tris­te­za, otras veces rebe­lión (Argen­ti­na-Espa­ña)

Con gran sen­si­bi­li­dad social la rea­li­za­do­ra y guio­nis­ta argen­ti­na María Apa­ri­cio, ofre­ce en su cuar­to lar­go­me­tra­je un film que entre­mez­clan­do fic­ción y docu­men­tal sor­pren­de gra­ta­men­te abor­dan­do mag­ní­fi­ca­men­te el tema de la cla­se trabajadora.

A veces me entra tris­te­za, otras veces rebelión,

La acción que se desa­rro­lla en la actua­li­dad, pre­sen­ta a Dan­te Ferro (Roger Koza), un his­to­ria­dor cor­do­bés que resi­de en Madrid en don­de con una beca que ha obte­ni­do se dedi­ca a inves­ti­gar el tra­ba­jo rea­li­za­do por Juan Bia­let Mas­sé. Para quien no esté inte­rio­ri­za­do sobre este médi­co, abo­ga­do e inge­nie­ro agró­no­mo cata­lán, se pue­de acla­rar que ha sido una per­so­na que lle­gó a Argen­ti­na en 1874 y que dedi­có gran par­te de su vida rea­li­zan­do una pro­fun­da inves­ti­ga­ción de cam­po sobre las con­di­cio­nes labo­ra­les de los tra­ba­ja­do­res, sen­tan­do las bases del dere­cho labo­ral del país. Con­se­cuen­te­men­te Dan­te se dedi­ca a reco­pi­lar en la biblio­te­ca públi­ca todo lo con­cer­nien­te a la labor des­ple­ga­da por Massé.

En uno de las visi­tas efec­tua­das al renom­bra­do Museo Rei­na Sofía, él obser­va con aten­ción a Eva Carras­co (Eva Bian­co) una actriz argen­ti­na visi­tan­do Madrid des­pués de haber pre­sen­ta­do un cor­to en un fes­ti­val de Fran­cia; des­pués de que ella ha esta­do con­tem­plan­do foto­gra­fías de Mas­sé, al ale­jar­se del museo Dan­te va siguien­do sus pasos. Si bien al prin­ci­pio Eva cree que es aco­sa­da, en el momen­to de la pre­sen­ta­ción Dan­te le hace saber que la cono­ce por su actua­ción al haber­la vis­to en un cine club de Cór­do­ba. Al haber acep­ta­do com­par­tir un café con él, gra­dual­men­te va esta­ble­cién­do­se una sin­gu­lar rela­ción don­de Eva adquie­re cono­ci­mien­to de lo que el his­to­ria­dor está rea­li­zan­do y sobre todo el por­qué jus­ta­men­te cen­trar­se en lo que ocu­rrió a comien­zos del siglo pasa­do cuan­do Mas­sé pre­sen­tó en 1904 un infor­me acer­ca de las con­di­cio­nes labo­ra­bles poco atrac­ti­vas de los tra­ba­ja­do­res argen­ti­nos. A tra­vés de ese encuen­tro va sur­gien­do entre ambos una nacien­te amis­tad en don­de en uno de los paseos efec­tua­dos los dos via­jan a la zona cata­la­na don­de vivió Mas­sé para aden­trar­se en los orí­ge­nes del investigador.

Lle­ga­do a un cier­to pun­to, que­da la intri­ga por saber hacia dón­de Apa­ri­cio con­du­ce su rela­to. Es enton­ces cuan­do en su segun­da mitad la inge­nio­sa direc­to­ra adop­ta una pos­tu­ra perio­dís­ti­ca entre­vis­tan­do a inmi­gran­tes tra­ba­ja­do­res pro­ce­den­tes de Colom­bia, Ecua­dor, Hon­du­ras, Argen­ti­na y de Áfri­ca, quie­nes con míni­ma varia­ción mani­fies­tan tra­ba­jar exhaus­ti­va­men­te duran­te jor­na­das que a veces pue­den exten­der­se a más de 12 horas dia­rias con bajos sala­rios; la úni­ca excep­ción es la de un empre­sa­rio chino que man­tie­ne una fran­qui­cia de un peque­ño nego­cio de comes­ti­bles en el que igual­men­te debe tra­ba­jar duran­te lar­gas horas para cubrir los gastos.

He ahí la expli­ca­ción de cómo lo acon­te­ci­do en Argen­ti­na des­de más de un siglo, vuel­ve a repe­tir­se en la actua­li­dad; es así que a modo de una crí­ti­ca social narra­da con gran suti­le­za, la rea­li­za­do­ra logra que su tra­ba­jo conec­te los pro­ble­mas labo­ra­les del pasa­do con los del presente.

A todo eso, el títu­lo del film ha sido muy bien ele­gi­do; si bien cabe la tris­te­za de las penu­rias sufri­das por los migran­tes de enton­ces, la rebe­lión impul­sa a no resig­nar­se a fin de lograr una socie­dad más jus­ta. A su vez, se oyen extrac­tos de la can­ción “Milon­ga del peón de camino” de Athahual­pa Yupan­qui cuya letra “a veces me entra tris­te­za….” retra­ta la vida humil­de y las penu­rias de un peón rural argentino.

En cuan­to al redu­ci­do elen­co tan­to Koza como Bian­co ofre­cen mag­ní­fi­cas inter­pre­ta­cio­nes y en una bre­ve apa­ri­ción Ser­gio Boris ani­ma a Bia­let Massé.

En suma, a tra­vés de una enco­mia­ble narra­ti­va, la cineas­ta logra una ópti­ma pelí­cu­la que enal­te­ce la pro­gra­ma­ción del FNC.

Les Roches Rou­ges (Por­tu­gal-Fran­cia-Ita­lia-Espa­ña-Qatar)

El pro­lí­fi­co rea­li­za­dor fran­cés Bruno Dumont gra­ta­men­te sor­pren­de retra­tan­do el mun­do infan­til en esta come­dia. Cier­ta­men­te es difí­cil que un film sea pro­ta­go­ni­za­do casi en su tota­li­dad por niños, sin embar­go el cineas­ta lo logra amplia­men­te al haber reu­ni­do a un con­jun­to de chi­cos de varia­da edad que sin ser pro­fe­sio­na­les actúan con abso­lu­ta naturalidad.

Les Roches Rouges

El esce­na­rio es el majes­tuo­so mar Medi­te­rrá­neo don­de en la región fran­ce­sa del Var, pró­xi­ma a Can­nes, en ple­na épo­ca vera­nie­ga pasan sus vaca­cio­nes Geo (Kay­lon Lan­cel) el líder del gru­po jun­to a Rou­ben (Moha­med Coly) y Manon (Loui­se Podolsky); a ellos se agre­gan el trío inte­gra­do por Eve (Ketsie Ver­dei­lles), B (Ales­san­dro Pique­ra) y Do (Meryl Pires).

Gran par­te del tiem­po se dedi­can a esca­lar las rocas rojas del lugar para des­de ahí zam­bu­llir­se al mar, cuan­do la poli­cía marí­ti­ma no los está vigi­lan­do ya que está prohi­bi­do hacer­lo en la medi­da que pue­den arries­gar sus vidas en una mala caí­da. Asi­mis­mo, en otras ins­tan­cias, se valen de cua­tri­ci­clos para reco­rrer por la ruta, como asi­mis­mo a mane­ra de tra­ve­su­ras rea­li­zan peque­ños robos en los coches abier­tos de las per­so­nas que están de picnic.

Sin ape­lar a una narra­ción con­ven­cio­nal, el núcleo cen­tral resi­de en la atrac­ción que sien­te el píca­ro Geo por la sim­pá­ti­ca Eve, sen­ti­mien­to que es corres­pon­di­do y a tra­vés de esa ino­cen­te rela­ción sen­ti­men­tal ambos se suben al tren cos­te­ro con des­tino a Ven­ti­mi­glia en Ita­lia para visi­tar a los abue­los de la niña.

A tra­vés de una natu­ral impro­vi­sa­ción se asis­te a un cáli­do rela­to don­de se real­zan las rela­cio­nes huma­nas infan­ti­les, como a su vez se mani­fies­ta la dife­ren­cia de cla­se social en la que Eve per­te­ne­ce a una fami­lia aco­mo­da­da, en tan­to que Geo es de un nivel infe­rior, aun­que eso no lle­ga a afec­tar el infan­til víncu­lo amo­ro­so. De todos modos, Dumont sin ape­lar a sen­ti­men­ta­lis­mo alguno no deja de refle­jar algu­nos momen­tos de ten­sión emer­gen­tes de riva­li­da­des, celos y algu­na que otra vio­len­cia, sin que la san­gre lle­gue al río.

Sin lle­gar a un nivel de excep­ción, Dumont logra que su efi­cien­te tra­ba­jo explo­ran­do la infan­cia con­ci­te el inte­rés de la audien­cia que lo contempla.

Quand le mon­de nous regar­de­ra (Fran­cia)

Aun­que Imbui­do de bue­nas inten­cio­nes, Théo Heller­man con­si­de­ra en su ópe­ra pri­ma los efec­tos noci­vos del bull­ying a tra­vés de un rela­to por él con­ce­bi­do que no lle­ga a convencer.

Quand le mon­de nous regardera

El novel rea­li­za­dor ubi­ca la acción en un liceo esco­lar de Fran­cia don­de el pro­fe­sor Moreau (Lucas Englan­der) en su cla­se de his­to­ria debe lidiar con 20 estu­dian­tes de con­duc­ta abso­lu­ta­men­te indis­ci­pli­na­da, char­lan­do, ríen­do, gri­tan­do y ade­más aco­san­do a Gabriel (Théo Heller­man) uno de ellos. No es mucho lo que Moreau hace para cal­mar­los pero cuan­do lo logra entra en mate­ria plan­tean­do el tema de la glo­ba­li­za­ción soli­ci­tan­do que cada uno de los alum­nos opi­nen al respecto.

Duran­te la bre­ve dura­ción del film de 75 minu­tos, todo trans­cu­rre en el salón del aula y ape­nas se hace notar la pre­sen­cia de Gabriel como un ser soli­ta­rio y mar­gi­na­li­za­do. La casi inexis­ten­te tra­ma alcan­za cier­ta ten­sión cuan­do Moreau invi­ta a su alum­na­do a un deba­te y es así que cuan­do le corres­pon­de inter­ve­nir a Gabriel él se enfren­ta con un com­pa­ñe­ro de la cla­se ori­gi­nan­do una esce­na de inusi­ta­da violencia.

Si bien no es noti­cia nue­va los nume­ro­sos epi­so­dios de asal­tos vio­len­tos pro­ta­go­ni­za­dos por alum­nos en cen­tros edu­ca­ti­vos de Esta­dos Uni­dos, lo que Heller­man aquí ilus­tra no adquie­re un viso rea­lis­ta de la mane­ra en que está narra­do, en gran par­te por no brin­dar sufi­cien­te pro­fun­di­dad psi­co­ló­gi­ca en el per­so­na­je de Gabriel. Es así que si bien el aco­so esco­lar es un urti­can­te tema que mere­ce su con­si­de­ra­ción, en este caso su tra­ta­mien­to no lle­ga a satis­fa­cer. Ade­más de Englan­der y Heller­man, en el elen­co par­ti­ci­pan entre otros Noham Edje, Myriam Djel­je­li, Gina Gime­nez y Pie­rre Gom­mé brin­dan­do una correc­ta actuación.

You Don’t Belong Here / Nu e locul tau aici (Ruma­nia)

Un cruen­to dra­ma fami­liar a la vez que social es lo que aquí con­si­de­ra el rea­li­za­dor y guio­nis­ta rumano Flo­rin Serban.

No es la pri­me­ra vez que se asis­te a nota­bles films de Ruma­nia don­de sus rea­li­za­do­res abor­dan algu­nos de los pro­ble­mas que aque­jan al país. Es así que adop­tan­do esa pos­tu­ra Ser­ban no tie­ne res­que­mor alguno para ilus­trar cómo el racis­mo y la into­le­ran­cia están pre­sen­tes en este film en don­de el títu­lo del mis­mo se refie­re a la exclu­sión de comu­ni­da­des étni­cas que dis­tan de ser autén­ti­ca­men­te rumanas.

You Don’t Belong Here

Dicho lo que pre­ce­de, el pró­lo­go de la pelí­cu­la es fuer­te­men­te con­tun­den­te; en Resi­ta, una peque­ña ciu­dad ruma­na, se obser­va cómo un gru­po de jóve­nes racis­tas enca­pu­cha­dos rom­pen los para­bri­sas de un coche de una fami­lia gita­na, pin­chan los neu­má­ti­cos y ade­más dejan ado­sa­do un car­tel escri­to con las pala­bras “Usted no Per­te­ne­ce Aquí”; ese ale­vo­so ata­que va diri­gi­do a la comu­ni­dad roma­ní y cuan­do un gitano afec­ta­do sale al cru­ce, uno de los jóve­nes per­pe­tra­do­res lo ata­ca pro­du­cien­do su muerte.

Tras ese ini­cio, el cineas­ta cen­tra su aten­ción en la difí­cil comu­ni­ca­ción man­te­ni­da entre un padre y su hijo El pro­ge­ni­tor es Marius Cali­ma­nes­cu (Adrian Van­ci­cā), un afa­ma­do y muy res­pe­ta­do ciru­jano viu­do de media­na edad que se des­en­vuel­ve con hones­ti­dad en el hos­pi­tal local en tan­to que su vida dia­ria tans­cu­rre en un ambien­te don­de el patriar­ca­do se hace notar. Su per­so­na­li­dad con­tras­ta fuer­te­men­te con la de su hijo Ioan (Teo­dor Buta­nes­cu), un mucha­cho de 18 años, inse­gu­ro y un tan­to enig­má­ti­co, sin rum­bo fijo mar­chan­do a la deri­va. Es así que Marius lamen­ta que su hijo no siga un derro­te­ro cla­ro y pre­ci­so como el suyo, de allí que en el fon­do lo des­pre­cia, tal como se lo hace saber a su novia Dana (Cris­ti­na Rich­ter); esa sen­sa­ción es per­ci­bi­da por el mucha­cho que de algún modo tra­ta de com­pen­sar el caren­te víncu­lo afec­ti­vo hacia su padre rela­cio­nán­do­se con gen­te peli­gro­sa de su edad nutri­da de ideo­lo­gía extremista.

No es indis­cre­ción reve­lar que de inme­dia­to se sabe que Ioan estu­vo invo­lu­cra­do en el vio­len­to enfren­ta­mien­to que tuvo lugar en la esce­na ini­cial, como asi­mis­mo los fami­lia­res del gitano ase­si­na­do vio­len­ta­men­te cau­san des­tro­zos en el hos­pi­tal don­de se desem­pe­ña Marius.

El eje cru­cial de esta his­to­ria es cuan­do con moti­vo del homi­ci­dio per­pe­tra­do la auto­ri­dad poli­cial sos­pe­cha de Ioan; a par­tir de allí pare­ce des­plo­mar­se el segu­ro mun­do del ciru­jano, no obs­tan­te man­te­ner una muy bue­na comu­ni­ca­ción con su ami­go poli­cía Sil­viu (Alex Conovaru).

Uno de los momen­tos tras­cen­den­tes de esta his­to­ria acon­te­ce cuan­do Marius enfren­ta­do a Ioan tra­ta de impo­ner­se acer­ca de la ino­cen­cia o cul­pa­bi­li­dad de su hijo. Aun­que con un esti­lo dis­tin­ti­vo, uno no pue­de diso­ciar con lo que se apre­cia en la extra­or­di­na­ria mini­se­rie Ado­les­cen­ce (2025), al plan­tear la res­pon­sa­bi­li­dad que ata­ñe a un padre con res­pec­to a la edu­ca­ción brin­da­da a su hijo al des­co­no­cer qué es lo que está hacien­do. ¿Es aca­so un sis­te­ma patriar­cal auto­ri­ta­rio ausen­te de diá­lo­go y afec­to la cau­sa de lo acontecido?

Ade­más de la remar­ca­ble inter­pre­ta­ción por par­te de sus dos pro­ta­go­nis­tas, lo que fun­da­men­tal­men­te resal­ta es la impe­ca­ble pues­ta escé­ni­ca de Ser­ban carac­te­ri­za­da por el empleo de acer­ta­dos lar­gos pri­me­ros pla­nos y una cáma­ra fija; a ello se agre­ga la rique­za de su guión don­de la pala­bra lle­ga en cier­tas ins­tan­cias a sus­pen­der­se por acer­ta­dos silen­cios que gene­ran momen­tos de con­si­de­ra­ble tensión.

Por sus inne­ga­bles valo­res, inter­ca­lan­do el cruen­to fenó­meno social de la exclu­sión con el duro dra­ma psi­co­ló­gi­co paterno-filial, el film acer­ta­da­men­te pro­gra­ma­do por el FNC ha sido galar­do­na­do con el pre­mio máxi­mo en el Fes­ti­val de Locarno.

La Liber­tad Doble (Chi­le-Argen­ti­na-Luxem­bur­go-Ale­ma­nia-Gran Bretaña)

Lisan­dro Alon­so con su pri­mer lar­go­me­tra­je La Liber­tad rea­li­za­do en 2001 emer­gió como un nota­ble rea­li­za­dor del nue­vo cine argen­tino, rela­tan­do de mane­ra mini­ma­lis­ta y con hip­nó­ti­cas imá­ge­nes el dia­rio vivir de un leña­dor en una zona ais­la­da de la pro­vin­cia argen­ti­na La Pam­pa. Actual­men­te, con el mis­mo per­so­na­je y actor que lo carac­te­ri­za Alon­so retor­na con La Liber­tad Doble, una suer­te de secue­la que pue­de ser juz­ga­da inde­pen­dien­te­men­te del film original.

La Liber­tad Doble

La míni­ma tra­ma expo­ne al soli­ta­rio Misael (Misael Saa­ve­dra) nue­va­men­te talan­do árbo­les, aun­que en esta opor­tu­ni­dad en lugar del hacha se vale de una moto­sie­rra; duran­te casi 30 minu­tos la cáma­ra minu­cio­sa­men­te lo enfo­ca des­me­nu­zan­do téc­ni­ca­men­te la labor que efec­túa, estan­do acom­pa­ña­do de su perro fal­de­ro. De regre­so a su pri­mi­ti­va cho­za ubi­ca­da en una apar­ta­da región bos­co­sa se lo ve pre­pa­ran­do su comi­da uti­li­zan­do el fue­go como coci­na y pos­te­rior­men­te sabo­rean­do la car­ne asada.

Un cam­bio alte­ra la exis­ten­cia del leña­dor cuan­do reci­be la noti­cia de que su her­ma­na Micae­la (Cata­li­na Saa­ve­dra) inter­na­da en un hos­pi­tal psi­quiá­tri­co des­de hace varios años a cau­sa de su ines­ta­bi­li­dad men­tal, ha inten­ta­do esca­par. Al lle­gar al noso­co­mio. el médi­co (Adrián Fon­da­ri) que lo reci­be le comu­ni­ca que por res­tric­cio­nes pre­su­pues­ta­rias Micae­la ya no podrá seguir vivien­do allí; en todo caso los diver­sos reme­dios que Micae­la debe inge­rir en dife­ren­tes momen­tos del día segui­rán sien­do subsidiados.

De allí en más, habien­do vivi­do has­ta el pre­sen­te soli­ta­ria­men­te, el leña­dor debe­rá preo­cu­par­se de con­vi­vir con su her­ma­na y de pres­tar la máxi­ma aten­ción de los medi­ca­men­tos que debe sumi­nis­trar­le. En cuan­to a Micae­la, estan­do libre por pri­me­ra vez comien­za a dis­fru­tar de lo que el ámbi­to natu­ral del lugar le ofre­ce, ya sea aca­ri­cian­do los árbo­les del bos­que, acer­cán­do­se a la vía férrea del tren local o bien regan­do las plan­tas. Lo que res­ta del escue­to rela­to de esca­sos diá­lo­gos que trans­cu­rre en dos jor­na­das que­da en la audien­cia ima­gi­nar cómo se des­en­vol­ve­rá la vida futu­ra de Misael y Micaela.

Con una bue­na fil­ma­ción en 16 milí­me­tros nutri­da de tomas alar­ga­das, Alon­so se apar­ta de una narra­ción con­ven­cio­nal per­mi­tien­do que tras­cien­da la con­vin­cen­te carac­te­ri­za­ción de sus dos pro­ta­go­nis­tas. Aun­que su esca­sa tra­ma care­ce de emo­ción, los ciné­fi­los fie­les del cine de Alon­so apre­cia­rán esta res­pe­ta­ble pro­pues­ta que pue­de ser inter­pre­ta­da como una medi­ta­ción de lo que entra­ña la liber­tad o qué sig­ni­fi­ca poder dis­fru­tar­la sin res­tric­ción alguna.

Cró­ni­ca de Jor­ge Gutman

Con­si­de­ra­do como una de las más impor­tan­tes mues­tras cul­tu­ra­les de cine de Mon­treal, el Fes­ti­val du noveau ciné­ma de Mon­treal (FNC) dará comien­zo el 8 de octu­bre a su 55ª edi­ción que se exten­de­rá has­ta el 18 de octu­bre.

Como ya es habi­tual los fes­ti­va­le­ros ten­drán la opor­tu­ni­dad de des­cu­brir el pano­ra­ma actual de la cine­ma­to­gra­fía a tra­vés de apro­xi­ma­da­men­te 200 obras pro­ve­nien­tes de más de 30 paí­ses. Entre las mis­mas se inclu­yen pelí­cu­las que han sido acla­ma­das en los fes­ti­va­les inter­na­cio­na­les, inclu­yen­do los de Ber­lín, Can­nes, Locarno, Vene­cia y Toron­to entre otros, don­de per­mi­te des­cu­brir a nue­vos talen­tos emer­gen­tes. Asi­mis­mo el FNC inclu­ye un buen núme­ro de acti­vi­da­des temá­ti­cas que han sido espe­cial­men­te orga­ni­za­das para el evento.

La pelí­cu­la de inau­gu­ra­ción es Vio­len­ce du corps de l’autre de Denis Côté con la actua­ción de Laris­sa Corri­veau, Phi­lip­pe Reb­bot, Xavier Ber­ge­ron, Gabrie­lle Lazu­re, Pie­rret­te Robi­tai­lle, Loui­se Des­châ­te­lets y Eve Pres­sault. El film de clau­su­ra es L’Autre del rea­li­za­dor Ale­xan­dre Fran­chi, con un elen­co inte­gra­do por Pie­rre-Yves Car­di­nal, Bilel Che­gra­ni, Kari­ne Gonthier-Hynd­man, Nahé­ma Ric­ci, Benoît Gouin, Maxi­me Genois y Marc Messier.

La infor­ma­ción com­ple­ta de la pro­gra­ma­ción, salas de exhi­bi­ción, hora­rios y otros ele­men­tos vin­cu­la­dos pue­de obte­ner­se en el sitio nouveaucinema.ca

A con­ti­nua­ción se ofre­cen comen­ta­rios de tres pelí­cu­las que han sido vis­tas anticipadamente

Don­de Comien­za el Río (Cana­dá-Colom­bia-Norue­ga)

Una con­mo­ve­do­ra his­to­ria de fic­ción que se ase­me­ja a un docu­men­tal es lo que se obser­va en este film del direc­tor colom­biano Juan Andrés Aran­go, radi­ca­do en Que­bec, quien ya demos­tró su talen­to en su pri­mer tra­ba­jo La Pla­ya DC (2012) y pos­te­rior­men­te en X500 (2016). Bien inmer­so en los pro­ble­mas que aque­jan a su país natal, su ter­cer lar­go­me­tra­je refle­ja com­ple­ta auten­ti­ci­dad refor­za­da por un buen elen­co de acto­res no profesionales.

Don­de Comien­za el Río

Aun­que sin espe­cí­fi­ca­men­te refe­rir­se a una épo­ca pre­ci­sa, la his­to­ria trans­cu­rre en la actua­li­dad don­de la vio­len­cia laten­te en Colom­bia se hace sen­tir. En su comien­zo, se ve a Yajai­ra (Gir­le­za Dua­ve Cere­zo) una mujer embe­rá de ape­nas 19 años de edad que resi­de en Bogo­tá, tras haber deja­do su vivien­da en la cuen­ca del río Andá­gue­da debi­do a la pre­sen­cia de gru­pos para­mi­li­ta­res. En un barrio muy humil­de de la ciu­dad habi­ta con su hiji­ta María (Ana Michell Nama Duma­za) de 5 años y su padre. Para cubrir las nece­si­da­des Yajai­ra se dedi­ca a ven­der pul­se­ras en las calles de la ciu­dad; sin embar­go, la intran­qui­li­dad rei­nan­te la embar­ga, en tan­to que su comu­ni­dad ame­ro-india tam­po­co se encuen­tra segu­ra en ese ambien­te de vivien­das com­par­ti­das pla­ga­das de con­ti­nuas amenazas.

La situa­ción alcan­za un nivel de ten­sión cuan­do se pro­du­ce la muer­te de Mateo (Arlin­son Que­ra­ga­ma Aria), un niño del barrio. Es así que aun­que su padre pre­fie­re seguir en Bogo­tá, Yajai­ra opta por regre­sar con María al terru­ño de su infan­cia, ahí don­de comien­za el río. Para­le­la­men­te a esta cir­cuns­tan­cia, el rela­to pre­sen­ta a Jhon (Juan David Jun­ca Lina­res), un mucha­cho blan­co de 18 años quien vin­cu­la­do a una ban­da de peli­gro­sos delin­cuen­tes, lle­ga a temer por su vida y por lo tan­to deci­de aban­do­nar la ciu­dad acom­pa­ñan­do a Yajai­ra y María. Cla­ro está que el joven sobre­lle­va en su con­cien­cia un gran sen­ti­mien­to de cul­pa por un hecho que no con­vie­ne revelar.

Si bien exis­te en la autóc­to­na mujer un sen­ti­mien­to de des­con­fian­za hacia Jhon, pro­gre­si­va­men­te va cimen­tán­do­se entre ambos una rela­ción afec­ti­va. A tra­vés del lar­go tra­yec­to por tie­rra y agua atra­ve­san­do la pro­fun­da sel­va, median­te los per­so­na­jes que se encuen­tran en el camino inclu­yen­do a des­pla­za­dos refu­gia­dos vene­zo­la­nos, que­dan ilus­tra­das las grie­tas y heri­das de la región.

Den­tro de una pues­ta escé­ni­ca deci­di­da­men­te natu­ra­lís­ti­ca, el rea­li­za­dor intro­du­ce cier­tos ele­men­tos de fan­ta­sía median­te pre­mo­ni­cio­nes super­na­tu­ra­les de María que ofre­cien­do una dimen­sión espi­ri­tual están bien cohe­sio­na­das en el con­tex­to del relato.

Cier­ta­men­te, el rela­to deja abier­ta la pre­gun­ta de si el retorno al río per­mi­ti­rá que Yajai­ra encuen­tre defi­ni­ti­va­men­te un lugar don­de vivir rodea­da de su entorno autóc­tono. Con todo, eso no ate­núa el pro­pó­si­to del cineas­ta sobre lo que sig­ni­fi­ca la migra­ción con el des­pla­za­mien­to en un país que ha sido afec­ta­do por vio­len­tos enfren­ta­mien­tos duran­te varias décadas.

La muy con­vin­cen­te direc­ción de Aran­go, las genui­nas actua­cio­nes de Dua­ve Cere­zo, Nama Duma­za y Jun­ca Lina­res, así como la direc­ción foto­grá­fi­ca de Nico­lás Can­nic­cio­ni con­tras­tan­do el mar­co urbano con la majes­tuo­si­dad sel­vá­ti­ca, per­mi­ten que el film satis­fa­ga ple­na­men­te a la audien­cia que lo contempla.

Rose (Aus­tria-Ale­ma­nia)

Des­pués de haber com­pla­ci­do con Michael (2011) y pos­te­rior­men­te con Ange­lo (2018), el rea­li­za­dor aus­tría­co Mar­kus Schlein­zer nue­va­men­te logra un remar­ca­ble tra­ba­jo con su ter­cer lar­go­me­tra­je don­de efec­túa un muy buen estu­dio carac­te­ro­ló­gi­co del per­so­na­je protagónico.

Rose

La pelí­cu­la guio­ni­za­da por el cineas­ta con Ale­xan­der Brom se ins­pi­ra en un acon­te­ci­mien­to real ocu­rri­do en el siglo 17 don­de una mujer per­so­ni­fi­ca­da de hom­bre fue eje­cu­ta­da por deli­tos come­ti­dos en una ciu­dad ale­ma­na. Es así que en esta his­to­ria, pre­ci­sa­men­te ambien­ta­da en esa épo­ca, vemos a Rose (San­dra Huller) quien tras haber par­ti­ci­pa­do en la Gue­rra de los 30 años, lle­ga a una ale­ja­da aldea ale­ma­na y adop­ta la fiso­no­mía mas­cu­li­na por­que cree que en ese caso logra­rá mayo­res ven­ta­jas que como mujer, ade­más de tener acce­so a las tie­rras y poder sobrevivir.

Curio­sa­men­te, aun­que ella o mejor dicho él es en prin­ci­pio con­si­de­ra­do por el pue­blo como un extra­ño, lo cier­to es que se inte­gra a la comu­ni­dad devo­ta­men­te reli­gio­sa, rea­li­zan­do tra­ba­jos, pres­tan­do su ayu­da a la igle­sia y es así que final­men­te es acep­ta­do como un inte­gran­te más de la aldea. A todo ello se agre­ga que le es ofre­ci­do casar­se con Suzan­na (Caro Braun), una chi­ca muy ama­ble del pue­blo; lo más sor­pren­den­te del caso es que a la pos­tre que­da embarazada.

Sin men­cio­nar lo que pos­te­rior­men­te acon­te­ce, don­de sur­gi­rán nue­vas reve­la­cio­nes, lo que más intere­sa es saber de qué mane­ra se esta­ble­ce el víncu­lo entre Rose y Suzanna.

El bien urdi­do guión per­mi­te que el espec­ta­dor se invo­lu­cre en esta sin­gu­lar his­to­ria admi­tien­do como real lo que en el cuer­do sen­ti­do no lo es. Uno de los pila­res de esta his­to­ria es la extra­or­di­na­ria inter­pre­ta­ción de San­dra Huller a quien entre varias de sus bri­llan­tes actua­cio­nes se la recuer­da por su pro­ta­go­nis­mo en Ana­to­mie d’u­ne chu­te (2023). En este caso, median­te una carac­te­ri­za­ción sobria y con­te­ni­da, con sus ges­tos y movi­mien­tos remar­ca­ble­men­te lle­ga a tras­lu­cir la gama emo­cio­nal con­tra­dic­to­ria que tra­sun­ta su per­so­na­je; es así que ella ha sido jus­ti­cie­ra­men­te galar­do­na­da con el pre­mio a la mejor actriz en el fes­ti­val de Ber­lín don­de el film fue dado a conocer.

La estu­pen­da foto­gra­fía en blan­co y negro de Gerald Ker­kletz, es otro de los logros de esta pelí­cu­la en la que la tona­li­dad emplea­da entre luces y som­bras con­si­gue visual­men­te resal­tar el entorno rural en que trans­cu­rre la acción.

Imbui­do de un rit­mo pau­sa­do la mode­la­da pues­ta escé­ni­ca de Schlein­zer con­tri­bu­ye a que esta fic­ción his­tó­ri­ca cun­da en el áni­mo del espectador.

Le Jour­nal d’u­ne fem­me de cham­bre (Fran­cia-Ruma­nia)

La nove­la Dia­rio de una Cama­re­ra del céle­bre anar­quis­ta Octa­ve Mir­beau publi­ca­da en 1900 ha sido adap­ta­da para el cine por nota­bles cineas­tas como Jean Renoir (1946), Luis Buñuel (1964) y más recien­te­men­te por Benoît Jac­quot (2015); es así que el pres­ti­gio­so cineas­ta rumano Radu Jude tam­bién ha sido ten­ta­do en lle­var­la a cabo, dan­do como resul­ta­do una muy apre­cia­ble come­dia en el que a dife­ren­cia de su pres­ti­gio­sa fil­mo­gra­fía en este caso ape­la a un rela­to con­ven­cio­nal dejan­do de lado su espí­ri­tu provocativo.

Le Jour­nal d’u­ne fem­me de chambre

Res­pe­tan­do en par­te la obra ori­gi­nal, el guión del aplau­di­do direc­tor ubi­ca la acción en la ciu­dad de Bor­deaux don­de se con­tem­pla a Gia­ni­na (Ana Dumi­traș­cu), una humil­de emplea­da domés­ti­ca ruma­na que a fin de reci­bir un ingre­so sala­rial más remu­ne­ra­ti­vo ha deja­do su tie­rra natal para tra­ba­jar a las órde­nes de un rico matri­mo­nio bur­gués inte­gra­do por Mar­gue­ri­te (Méla­nie Thierry) y su mari­do Pie­rre Don­na­dieu (Vin­cent Macaig­ne); su tra­ba­jo, ade­más de lim­piar, coci­nar y asear la sun­tuo­sa man­sión con­tem­pla cui­dar de Louen (Louen Bou­tei­ller), el hiji­to de la pareja.

La acción que se des­en­vuel­ve en la épo­ca actual duran­te los tres meses pre­vios al final de año, mues­tra como Gia­ni­na año­ran­do a su hogar y a su hiji­ta María de 9 años (Sofia Dra­go­man) que está a car­go de su abue­la, se comu­ni­ca por Face­ti­me con ambas; la niñi­ta que extra­ña muchí­si­mo a Gia­ni­na reci­be la pro­me­sa que ella esta­rá regre­san­do a Ruma­nia para cele­brar en fami­lia la Navidad.

La his­to­ria adquie­re relie­ve cuan­do en sus tiem­pos libres los due­ños de casa le per­mi­ten a Gia­ni­na a actuar en una repre­sen­ta­ción local de artis­tas ama­teurs; allí se repre­sen­ta­rá tea­tral­men­te la nove­la de Mir­beau en don­de la direc­to­ra de la obra (Ilin­ca Mano­la­che) le adju­di­ca el papel pro­ta­gó­ni­co de Celes­ti­ne, la cama­re­ra pari­si­na que lle­ga a una casa de cam­po en la Nor­man­dia para ser­vir a una fami­lia de la alta bur­gue­sía; de ese modo Gia­ni­na adop­ta en la fic­ción un rol simi­lar al que ejer­ce real­men­te con la fami­lia Donnadieu.

Aun­que en prin­ci­pio la adap­ta­ción de Jude es enfo­car la divi­sión exis­ten­te de las cla­ses socia­les, el tra­to ofre­ci­do por Mar­gue­ri­te y Pie­rre a Gia­ni­na es abso­lu­ta­men­te gen­til, ama­ble y cor­dial, si bien que­da cla­ro de que ella es la empleada.

La lle­ga­da al hogar de Anne (Marie Riviè­re), la madre de Pie­rre, modi­fi­ca la agen­da de Gia­ni­na; eso se debe a que sus emplea­do­res han pla­nea­do salir de via­je para la Navi­dad, soli­ci­tán­do­le a su emplea­da que cui­de en su ausen­cia de la ancia­na Anne que ha sufri­do un ines­pe­ra­do acci­den­te, pos­ter­gan­do en con­se­cuen­cia su ansia­do retorno a Rumania.

Estruc­tu­ra­da en varios epi­so­dios de diver­sa dura­ción, las esce­nas de ensa­yo de la pro­duc­ción tea­tral se extien­den más de lo nece­sa­rio. Sin embar­go, eso no ami­no­ra la rique­za del film sus­ten­ta­da por un exce­len­te elen­co en el que ade­más de las muy bue­nas carac­te­ri­za­cio­nes ofre­ci­das por Thierry y Macaig­ne, se des­ta­ca la exce­len­te com­po­si­ción dual que con abso­lu­ta natu­ra­li­dad brin­da Dumi­traș­cu. En esen­cia, la pues­ta escé­ni­ca de Jude, no exen­ta de melan­co­lía per­mi­te que esta moder­na divi­sión de cla­ses resul­te suma­men­te atractiva.

Cró­ni­ca de Jor­ge Gutman

El Ser Que­ri­do (Espa­ña-Fran­cia)

Una vez más Rodri­go Soro­go­yen rati­fi­ca su remar­ca­ble talen­to de rea­li­za­dor con la entre­ga de su recien­te lar­go­me­tra­je en el que abor­da la rela­ción de un padre cineas­ta con su dis­tan­cia­da hija actriz. El tema se ase­me­ja al lau­rea­do film Sen­ti­men­tal Value (2025) de Joa­chim Trier aun­que tan­to el esti­lo como la narra­ti­va difieren.

EL SER QUERIDO

Con su habi­tual co-guio­nis­ta Isa­bel Peña, Soro­go­yen ofre­ce una remar­ca­ble esce­na ini­cial que trans­cu­rre en tiem­po real duran­te 20 minu­tos; eso acon­te­ce en un res­tau­ran­te don­de Este­ban Mar­tí­nez (Javier Bar­dem), un pres­ti­gio­so direc­tor de cine, se encuen­tra con su hija Emi­lia (Vic­to­ria Luen­go) a quien no ha vis­to des­de hace 13 años, cuan­do ella era aún peque­ña. Resi­dien­do en New York, ha regre­sa­do a Madrid con el pro­pó­si­to de fil­mar una pelí­cu­la deno­mi­na­da Desier­to que trans­cu­rre en el Saha­ra que había sido una pro­vin­cia espa­ño­la de ultra­mar antes de haber­se inde­pen­di­za­do. Ese encuen­tro hace que Este­ban le ofrez­ca a Emi­lia el papel pro­ta­gó­ni­co que podrá ser­vir­le para afir­mar­se como actriz sin que has­ta aho­ra le haya ren­di­do fru­tos en esa acti­vi­dad. La reu­nión per­mi­te refle­jar el resen­ti­mien­to que la joven sien­te hacia su padre; la razón se debe a que su madre (Núria Prims), igual­men­te actriz, fue aban­do­na­da por Este­ban des­pués de haber rea­li­za­do en la déca­da del 90 su pri­mer film, para ini­ciar en Esta­dos Uni­dos una nue­va fami­lia con una mujer esta­dou­ni­den­se con quien tie­ne dos hijos. Aun­que no muy con­ven­ci­da de la pro­po­si­ción de su padre, Emi­lia final­men­te acep­ta la invi­ta­ción cuan­do él con con­si­de­ra­ble ter­nu­ra le mani­fies­ta que quie­re ayudarla.

El res­to del metra­je trans­cu­rre en el set de fil­ma­ción y es allí don­de se sigue las vici­si­tu­des de un enma­ra­ña­do roda­je don­de Este­ban acos­tum­bra­do a man­te­ner una auto­ri­ta­ria dis­ci­pli­na, moti­va a que en algu­nos casos ape­lan­do a un cier­to humor las esce­nas se repi­tan varias veces ponien­do a prue­ba la rela­ción man­te­ni­da con su equi­po acto­ral don­de entre sus inte­gran­tes pre­do­mi­na la solidaridad.

La fil­ma­ción alcan­za máxi­ma ten­sión en una esce­na que tie­ne lugar duran­te un almuer­zo don­de par­ti­ci­pan los inte­gran­tes del elen­co; allí Este­ban se mues­tra extre­ma­da­men­te exi­gen­te tra­tan­do de que el con­su­mo de la comi­da adquie­ra la mayor natu­ra­li­dad y en ese aspec­to no satis­fe­cho de cómo el per­so­na­je de su hija la deglu­te, la reac­ción de Emi­lia hace que el víncu­lo con su padre tien­da a res­que­bra­jar­se con la inten­ción de aban­do­nar el rodaje.

Fun­da­men­tal­men­te, el núcleo cen­tral de El Ser Que­ri­do radi­ca en los con­tra­dic­to­rios sen­ti­mien­tos que van sur­gien­do entre un padre deseo­so de redi­mir su cul­pa por el amor hacia su hija en tan­to que ella no pue­de ate­nuar su ani­mo­si­dad por las heri­das que aún per­ma­ne­cen abiertas.

Ade­más de su tema estu­pen­da­men­te rela­ta­do por Soro­go­yen, la for­ta­le­za del film radi­ca asi­mis­mo en la admi­ra­ble carac­te­ri­za­ción que Bar­dem y Luen­go logran de sus per­so­na­jes. El nota­ble actor cons­tru­ye al domi­nan­te rea­li­za­dor de mane­ra remar­ca­ble refle­jan­do la ambi­va­len­cia de su com­por­ta­mien­to abu­si­vo y a veces vio­len­to del que no pue­de des­pren­der­se, com­bi­na­do con la dosis de cari­ño nece­sa­ria a fin de lograr el per­dón de su hija; por su par­te es igual­men­te enco­mia­ble el tra­ba­jo de Luen­go en un papel nutri­do de resen­ti­mien­to por la ausen­cia de su pro­ge­ni­tor en gran par­te de su vida. La úni­ca obje­ción que mere­ce el tra­ba­jo del rea­li­za­dor es el de haber recu­rri­do a dis­tin­tos for­ma­tos de fil­ma­ción, entre­mez­clan­do secuen­cias de color con otras en blan­co y negro, sin que ello agre­gue sig­ni­fi­ca­ción a su con­te­ni­do. De todos modos, ese fac­tor no lle­ga a ate­nuar los valo­res de esta huma­na y emo­ti­va come­dia dramática.

Ceni­za en la Boca México-España)

En su cuar­ta incur­sión detrás de la cáma­ra, Die­go Luna ofre­ce un film cuya temá­ti­ca adquie­re rele­van­te vigencia.

CENI­ZA EN LA BOCA

La pelí­cu­la basa­da en la nove­la Ceni­za en la Boca de la escri­to­ra mexi­ca­na Bren­da Nava­rro publi­ca­da en 2022 y que ha sido adap­ta­da por el rea­li­za­dor con la cola­bo­ra­ción de Abia Cas­ti­llo y Die­go Raba­sa, comien­za en Méxi­co. Allí en tem­pra­nas horas del día, Isa­bel (Adria­na Paz), aban­do­na a su mari­do y a sus hijos Luci­la y Die­go para ini­ciar una nue­va vida en Espa­ña. Es enton­ces cuan­do varios años des­pués Luci­la (Anna Díaz) que ya tie­ne 20 años jun­to con su ado­les­cen­te her­mano Die­go (Ser­gio Bau­tis­ta) via­jan a Madrid para reen­con­trar a su madre. Evi­den­te­men­te, hay bue­nas razo­nes para que la joven resien­ta a su madre, por haber deja­do a la fami­lia, don­de des­de enton­ces has­ta el pre­sen­te Luci­la asu­mió la figu­ra mater­nal al cui­dar y pro­te­ger a su her­mano menor.

Mien­tras que Die­go encuen­tra difi­cul­tad de adap­ta­ción a la nue­va vida, para Luci­la rea­li­zan­do tra­ba­jos meno­res, su expe­rien­cia en la capi­tal espa­ño­la no le gra­ti­fi­ca y es así que indu­ci­da por su ami­ga Jime­na (Lau­ra Gómez) deci­de via­jar a Bar­ce­lo­na; sin embar­go, ade­más del esfuer­zo en apren­der el len­gua­je cata­lán, tam­po­co allí con­si­gue satis­fa­cer las expec­ta­ti­vas aguar­da­das has­ta que una situa­ción ines­pe­ra­da la fuer­za a regre­sar a Méxi­co; con todo el retorno a la tie­rra natal la hace sen­tir des­co­nec­ta­da con el mun­do exterior.

Si bien el tema de la inmi­gra­ción ha sido tra­ta­do por el cine en varias opor­tu­ni­da­des, el cineas­ta le insu­fla con­si­de­ra­ble soli­dez demos­tran­do que no siem­pre el lugar de des­tino ofre­ce un futu­ro pro­mi­so­rio; ese aspec­to muy bien tra­ta­do se entre­mez­cla con otros rela­cio­na­dos con los víncu­los fami­lia­res, la xeno­fo­bia, el des­arrai­go, la per­di­da de la iden­ti­dad y espe­cial­men­te las des­igual­da­des eco­nó­mi­cas que expe­ri­men­tan los inmigrantes.

A pesar de cier­tas impre­ci­sio­nes del guión y la no pro­fun­di­za­ción de los per­so­na­jes secun­da­rios, Luna demues­tra su habi­li­dad narra­ti­va per­mi­tien­do que el film logre la empa­tía del espec­ta­dor, en gran medi­da debi­do a su homo­gé­neo elen­co, con espe­cial rele­van­cia de la impre­sio­na­ble inter­pre­ta­ción pro­ta­gó­ni­ca de Díaz.

Our Loves (Israel)

La incur­sión de Israel en Gaza como con­se­cuen­cia del cruel aten­ta­do de Hamas ha moti­va­do que el cine israe­lí no logre la difu­sión de otro­ra en los más impor­tan­tes fes­ti­va­les inter­na­cio­na­les. Sin embar­go el TIFF es la excep­ción en don­de en el fes­ti­val que aca­ba de con­cluir, el públi­co asis­ten­te tuvo la opor­tu­ni­dad de apre­ciar Our Loves del renom­bra­do rea­li­za­dor Avi Nesher y que como es habi­tual en su fil­mo­gra­fía aquí pre­do­mi­na nue­va­men­te su con­te­ni­do humano.

En un guión que le per­te­ne­ce en el que Nesher reco­gió infor­ma­ción de algu­nos de los sobre­vi­vien­tes del 7 de octu­bre de 2023, la his­to­ria con­ce­bi­da trans­cu­rre duran­te 3 jor­na­das enfo­can­do a varios per­so­na­jes israe­líes que atra­vie­san con­flic­tos per­so­na­les. Es así que el 6 de octu­bre vemos al ya reti­ra­do poli­cía Sha­bi (Sha­lom Michaelsh­vi­li), que atra­vie­sa un com­pli­ca­do divor­cio de Neta (Hagar Damon) y que por ello no man­tie­ne la cus­to­dia de su hijo ado­les­cen­te Oz (Ita­mar Pin­to) y de su hija Liri (Noa Cohen) algu­nos años mayor, don­de ambos no quie­ren estar con él. Otro caso es el Sapir (Daniel Gim­pel), una mujer reli­gio­sa que repen­ti­na­men­te es recha­za­da por su novio y teme ser mar­gi­na­da de su comu­ni­dad. Asi­mis­mo se sale al encuen­tro de la ofi­cial Milly (Magi Azar­zar) que vive des­de hace tiem­po una muy bue­na rela­ción amo­ro­sa con San­dra (Hadas Yaron) pero ese víncu­lo ella lo ocul­ta a su con­ser­va­do­ra madre Yvo­ne (Eve­lin Hagoel). A su vez Nic­co (Yaniv Bit­ton) se pre­pa­ra como agen­te de segu­ri­dad en el fes­ti­val de músi­ca que tie­ne lugar en esa fecha, sin saber lo que el des­tino habrá de depararle.

Lo que acon­te­ce el 7 de octu­bre en el kibutz Nir Oz con la inva­sión de Hamas toman­do 251 rehe­nes, pro­du­cien­do la muer­te de apro­xi­ma­da­men­te 1200 israe­líes como asi­mis­mo la bata­lla vio­len­ta que emer­ge de la mili­cia pales­ti­na y el ejér­ci­to israe­lí, ya es bien cono­ci­do a tra­vés de docu­men­ta­les que han con­si­de­ra­do esta tra­ge­dia. Con todo, lo que esta his­to­ria resal­ta es cómo la masa­cre pro­du­ci­da cam­bió por com­ple­to la per­cep­ción de gen­te corrien­te que ha podi­do sal­var su vida; es así que duran­te la jor­na­da del 8 de octu­bre, se con­tem­pla a Sha­bi vien­do a su hija Liri que ha sufri­do gra­ves lesio­nes y deses­pe­ra­da­men­te logra asis­ten­cia médi­ca en el cen­tro hos­pi­ta­la­rio gra­cias al equi­po médi­co lide­ra­do por el doc­tor Man­sour (Hisham Sulei­man); estas secuen­cias son alta­men­te con­mo­ve­do­ras, ilus­tran­do sin fal­so sen­ti­men­ta­lis­mo cómo la diver­gen­cia mari­tal que­da de lado, como al pro­pio tiem­po Sha­bi obtie­ne el reco­no­ci­mien­to de su hijo por el esfuer­zo des­ple­ga­do en sal­var a su que­ri­da her­ma­na. No menos emo­ti­vo resul­ta con­tem­plar cómo la madre de Milli sabía de su vincu­lo homo­se­xual que la une a San­dra, acep­tán­do­la como a una hija más.

He aquí un rela­to coral ambi­cio­so refle­jan­do acer­ta­da­men­te la resi­lien­cia de sus per­so­na­jes ilus­tran­do cómo emer­ge la comu­ni­ca­ción huma­na y la soli­da­ri­dad de los seres que­ri­dos inde­pen­dien­te­men­te de que exis­ta un víncu­lo bio­ló­gi­co. En suma el rea­li­za­dor brin­da una his­to­ria narra­da con suti­le­za y agra­cia­da de su exce­len­te equi­po acto­ral que per­mi­te afir­mar cómo el genuino amor es capaz de unir a la gen­te en situa­cio­nes desesperantes.

Vicen­ti­na Pede Dis­cul­pas (Bra­sil)

Más de una vez se ha seña­la­do que una excep­cio­nal inter­pre­ta­ción pue­de ate­nuar el impac­to de una pelí­cu­la medio­cre; con todo, en este caso la magis­tral actriz Reja­ne Faria real­za este con­mo­ve­dor film del cineas­ta bra­si­le­ño Gabriel Martins.

VICEN­TI­NA PEDE DISCULPAS

Nada hace pre­su­mir de lo que acon­te­ce­rá en las pri­me­ras esce­nas del rela­to don­de se obser­va a un con­duc­tor de auto­bús de Belo Hori­zon­te trans­por­tan­do a nume­ro­sos pasa­je­ros. A los pocos minu­tos ocu­rre lo ines­pe­ra­do cuan­do el vehícu­lo cae des­de un via­duc­to oca­sio­nan­do la muer­te del con­duc­tor y de dece­nas de personas.

Natu­ral­men­te la tra­ge­dia adquie­re cono­ci­mien­to públi­co a tra­vés de los medios de comu­ni­ca­ción y es asi que la sep­tua­ge­na­ria Vicen­ti­na (Reja­ne Faria) reci­be con dolor la muer­te de su que­ri­do hijo Wes­ley que ha sido el con­duc­tor del auto­bús. En la medi­da que a tra­vés de las inves­ti­ga­cio­nes rea­li­za­das por las auto­ri­da­des se sugie­re que el bru­tal acci­den­te se debió a que Wes­ley inten­tó sui­ci­dar­se, Vicen­ti­na como madre se sien­te res­pon­sa­ble de lo acon­te­ci­do; imbui­da de un pro­fun­do sen­ti­mien­to de cul­pa obtie­ne las direc­cio­nes de los deu­dos de las per­so­nas falle­ci­das y es así que diri­gién­do­se a cada uno de los mis­mos al enfren­tar­los les pide dis­cul­pas, tra­tan­do de obte­ner el per­dón en nom­bre de su hijo.

Gran par­te del metra­je se desa­rro­lla a lo lar­go de las visi­tas que rea­li­za Vicen­ti­na y resul­ta intere­san­te obser­var las dis­tin­tas reac­cio­nes que ella obtie­ne de sus entre­vis­ta­dos en don­de la com­pa­sión y empa­tía de algu­nos se opo­ne al vio­len­to recha­zo de otros. En una de las secuen­cias más emo­ti­vas se con­tem­pla cómo Vicen­ti­na asis­te a la sim­bó­li­ca cere­mo­nia fes­te­jan­do el nona­gé­si­mo ani­ver­sa­rio de una ancia­na que falle­ció a cau­sa del accidente.

La his­to­ria con­ce­bi­da por el guión del rea­li­za­dor, refle­ja que para su pro­ta­go­nis­ta la cul­pa que la aba­te cons­ti­tu­ye una for­ma de sobre­lle­var el due­lo que difí­cil­men­te ter­mi­na­rá de cica­tri­zar. Evi­tan­do un for­za­do sen­ti­men­ta­lis­mo el film de Mar­tins tras­lu­ce aca­ba­da­men­te la sen­si­bi­li­dad de una mujer bus­can­do encon­trar un sen­ti­do a su vida como con­se­cuen­cia de la tra­ge­dia. La des­co­llan­te e inten­sa carac­te­ri­za­ción logra­da por Faria some­tién­do­se por com­ple­to en la per­so­na­li­dad de Vicen­ti­na per­mi­te que esta huma­na pelí­cu­la tras­cien­da hon­da­men­te en el áni­mo del espectador.