Concluyendo la temporada 2021 – 2022 de transmisiones de óperas desde el Metropolitan Opera de Nueva York (MET) a los cines del mundo, el público canadiense tendrá la oportunidad de juzgar Hamlet, la creación lírica del compositor australiano Brett Dean a través de la adaptación realizada por el libretista canadiense Matthew Jocelyn de la excepcional obra shakesperiana.
El Elenco (Foto:Karen Almond)
La ópera fue estrenada mundialmente en el 2017 en el Festival de Glyndebourne de Inglaterra y es por primera vez que la compañía la presenta. Si bien el célebre príncipe de Diamarca concebido por el inmortal Bardo de Avon ha sido objeto de varias versiones teatrales y cinematográficas, nunca había sido cantada y menos aún en un ámbito contemporáneo.
De acuerdo a los comentarios de la crítica especializada, el compositor ha salido airoso del desafío que enfrentaba y es así que en su estreno del MET del 13 de mayo último, la ópera logró una cálida recepción. La producción es del director de teatro australiano Neil Armfield quien también fue el responsable de la puesta escénica de 2017.
Brenda Rae y Allan Clayton (Foto: Karen-Almond)
Varios de los cantantes del original elenco integran el actual reparto incluyendo al tenor Allan Clayton. Efectuando su debut en el MET se destaca el tenor Allan Clayton en el rol titular. El veterano bajo barítono John Relyea caracteriza a la figura fantasmagórica del desaparecido padre de Hamlet como también anima al sepulturero. La mezzo soprano Sarah Connolly anima a Gertrude, la madre de Hamlet y actual reina y el barítono Rod Gilfry es el rey de Dinamarca que asesinó a su hermano para lograr el trono. La soprano Brenda Rae anima a la frágil Ophelia quien es la hija de Polonius, interpretado por el tenor William Burden. En otros roles participan el tenor David Butt Philip como Laertes, el vengativo hijo de Polonius y hermano de Ofelia, el barítono Jacques Imbrailo como Horatio en tanto que los contratenores Aryhek Nussbaum Cohen y Christopher Lowrey cantan los roles de Rosencrantz y Guildenstern.
La Orquesta es dirigida por el maestro Nicholas Carter efectuando su debut en el MET. La escenografía es de Ralph Myer, el contemporáneo vestuario ha sido diseñado por Ralph Babidge, en tanto que Jon Clark es responsable de la iluminación.
Hamlet será transmitida en directo e 4 de junio de 2022 en su versión original inglesa en los cines de Cineplexpara ser retransmitida a partir del 23 de julio de 2022.
TRIANGLEOFSADNESS se lleva la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2022
La bestial y delirante sátira del sueco RubenÖstlund, ha logrado el codiciado máximo premio, la Palma de Oro, en la 75º ediciión del Festival de Cannes que acaba de concluir. . Una película desternillante y grotesca sobre el mundo del éxito, el dinero y el burdo postureo en el que vivimos es lo que el realizador ilustra.
De acuerdo con el Presidente del Jurado, Vincent Lindon, “todas las decisiones se han tomado por mayoría y han sido democráticas”. Lindon estuvo acompañado por la actriz, productora, guionista y directora Rebecca Hall, las actrices Deepika Padukone y Noomi Rapace, la actriz y directora Jazmín Trinca, el director, productor y guionista Asghar Farhadi, el director, guionista, actor y productor Ladj Ly, y los directores y guionistas Jeff Nichols y Joachim Trier.
Triangle of Sadness cuenta la historia de una pareja de modelos que son invitados a un crucero de lujo. Cuando el yate se hunde acaban en una isla desierta con un grupo de multimillonarios y una señora de la limpieza. En la lucha por la supervivencia, las antiguas jerarquías se trastocan ya que la limpiadora es la única que sabe pescar.
Solo el alemán Michael Haneke (La cinta blanca y Amor) y el danés Bille August (Pelle el conquistador y Las mejores intenciones) habían logrado ganar dos Palmas de Oro con dos películas consecutivas. Ahora Ruben Östlund se suma a esta pareja gracias a Triangle of Sadness. Hace cinco años, el cineasta sueco ya la había ganado con otra sátira. Si en esta ocasión se burla de la moda y de la opulencia económica de los multimillonarios, en 2017 se centró en el arte en The Square.
Su pasión por la sátira procede de dos cineastas que considera sus maestros: Luis Buñuel y su compatriota Roy Andersson, el gran adalid del humor en el cine y en la vida. “A mí siempre me ha interesado Buñuel porque jugaba con sensaciones y jamás fue políticamen correcto. Esta vez se la ha jugado con una película dividida en tres episodios. El título se refiere al entrecejo, el primer lugar donde se aplica botox para quitar arrugas, es su primera película en inglés y con reparto de diversas nacionalidades. “Yo quería unir a lo mejor del cine estadounidense, que prima la diversión y el entretenimiento, con la gran ventaja del europeo, más entrado en lo intelectual. Muchas veces los europeos no somos un buen público, nos sentamos a ver las películas demasiado serios, con los brazos cruzados”, asegura. “Por eso me he pasado al inglés. Como director quieres llegar a la mayor cantidad de gente posible”.
Si The Square se burlaba de su condición de divorciado con dos hijos, con la sensación de estar fuera de lugar, Triangle Of Sadness se basa en experiencias de su segunda esposa. “Hace ocho años conocí a mi actual mujer, Susanna, que es fotógrafa de moda, y me introdujo en ese mundo. Empezamos a conversar sobre cómo se maneja la belleza como un valor de mercado, y de que, por eso, la belleza puede resultar a la vez atractiva y aterradora”. Algo muy atractivo para un cineasta conocido por su rotundidad y su ego, del que se burla muy a menudo.
Con la sátira acaba una trilogía. “No estaba pensada así en sus inicios, pero al final Fuerza mayor,The Square y Triangle of Sadness reflexionan sobre las expectativas de la masculinidad, y sobre lo que significa ser hombre hoy en día”.
El premio especial del jurado lo compartieron una veterana cineasta, Claire Denis, y un recién llegado, el belga Lukas Dhont. Stars at Noon es un thriller erótico con momentos muy sensuales y Close de Dhont, es una película construida desde la memoria y el dolor de un niño que ante los miedos y presiones sociales de su frágil tránsito a la adolescencia traiciona a su mejor amigo. Close es una poética coreografia de gestos y miradas alrededor del duelo y la culpa.
Un filme que el azar ha querido que esté conectado por el cordón umbilical con los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne, que recibieron el premio especial por el 75º aniversario del festival por su tristísima Tori y Lokita, un filme rotundo y feroz contra la Europa de los niños sin papeles.
El premio al mejor director distinguió la indiscutible maestría del cineasta coreano Park Chan-wook, que en su noirDecisión to Leave ofrece toda una lección de elegancia y virtuosismo formal. El viejo cineasta polaco Jerzy Skolimowski recibió el Premio del Jurado ex aequo por su oda animalista EO junto a los directores de Las ocho montañas, Charlotte Vandermeersch y Felix Van Groeningen.
El mejor guion fue para la película egipcia Boy From Heaven, de Tarik Saleh. En cuanto a los premios de actuación, el del mejor actor fue adjudicado para la estrella del cine surcoreano Song Kang-ho, que en la preciosa Broker, del japonés Hirokazu Kore-eda, interpreta a un delincuente común, un indeseable pero tierno traficante de bebés, enfrentado a su paternidad rota; el de mejor actriz fue para la protagonista del thriller Holy Spider, la actriz iraní Zahra Amir Ebrahimi, que realiza un trabajo estupendo en este filme sobre un asesino en serie de prostitutas en un país donde la vida de las mujeres no vale nada.
Ganadores del 75° Festival de Cannes:
Palma de Oro: Triangle of Sadness, de Ruben Östlund.
Gran Premio: Close, de Lukas Dhont, y Stars at Noon, de Claire Denis.
Premio especial del 75 aniversario de Cannes: Jean-Pierre y Luc Dardenne por Tori and Lokita.
Premio del Jurado: EO, de Jerzy Skolimowski, y The Eight Mountains, de Charlotte Vandermeersch y Felix Van Groeningen.
Mejor Actriz: Zar Amir-Ebrahimi por Holy Spider.
Mejor Actor: Song Kang Ho por Broker.
Mejor Director: Park Chan-wook por Decision to Leave.
Mejor Guión: Tarik Saleh por Boy from Heaven.
Cámara de Oro: War Pony, de Gina Gammell y Riley Keough.
Palma de Oro para Cortometraje: The Water Murmurs, de Story Chen.
TOPGUN: MAVERICK. Estados Unidos, 2022. Un film de Joseph Kosinski. 131 minutos
Después de varias postergaciones debido a la pandemia finalmente el público tiene la ocasión de juzgar Top Gun: Maverick protagonizado por el popularísimo Tom Cruise, en el mejor film de su carrera.
Para quienes han tenido la oportunidad de haber visto en 1986 Top Gun del realizador Tony Scott, esta secuela dirigida ahora por Joseph Kosinski es decididamente superior debido en gran parte al muy buen guión de Ehren Kruger, Eric Warren Singer y Christopher McQuarrie.
Tom Cruise
¿Que ha sido de la vida de Pete “Maverick” Mitchell (Cruise)? Aunque más envejecido, dado que los 36 años transcurridos dejan sus huellas, este solitario capitán y excepcional piloto de caza no puede con su genio al superar los límites de velocidad permitida, fastidiando de este modo a su superior Beau “Cyclone” Simpson (Jon Hamm); es así que tras vencer los recelos del almirante Cain (Ed Harris), pero apoyado por el almirante Iceman (Val Kilmer) que fuera su antiguo rival y lo considera como un insuperable instructor, el rebelde Maverick es trasladado desde el desierto de Mojava donde se encuentra hasta San Diego a fin de desempeñarse como profesor en la renombrada escuela de élites Top Gun. En ese establecimiento donde se gradúan los mejores pilotos del planeta el designado profesor tendrá la misión de adiestrar durante el lapso de tres semanas a aventajados alumnos; el propósito es que puedan participar en una delicada y arriesgadísima misión consistente en la destrucción de una planta enriquecedora de uranio de una potencia enemiga y en donde son muy bajas las posibilidades de éxito.
De lo que antecede una considerable parte del metraje se centra en dicha etapa de formación donde Maverick interactúa con los nuevos pilotos de combate (interpretados entre otros por Glen Powell, Jay Ellis, Monica Barbaro y Danny Ramírez) y en especial con el teniente Bradley “Rooster” Bradshaw (Miles Teller); este joven que es el hijo de Goose, un gran amigo de Maverick que en el film precedente muere en un accidente de vuelo, mantiene una tensa relación con el instructor debido al resentimiento que le guarda por haberlo decepcionado tiempo atrás. En otros aspectos, la trama alterna con el vínculo sentimental de Maverick con Penny (Jennifer Connelly), un antiguo amor suyo que ahora es dueña del bar que se encuentra próximo al lugar de la academia.
Si hasta ese entonces el realizador logra que la película fluya de manera intachable, lo más impactante se produce cuando el profesor Maverick se involucra en la peligrosa misión. Así, en los últimos veinte minutos del relato se asiste a un magnífico espectáculo de acción contemplando la carrera emprendida por los aviones de caza en donde la mayoría de las sorprendentes escenas aéreas han sido filmadas sin haber recurrido a la tecnología digital; es allí que queda reafirmada la diestra dirección de Kosinski realzada por la magnífica fotografía de Claudio Miranda.
Si hay algo que distingue a este blockbuster de otros del género es su gran contenido humano y el extraordinario magnetismo que Cruise despierta en la caracterización de su personaje. Hay varias escenas en que transmite considerable emoción incluyendo la de la visita que Maverick efectúa al gravemente enfermo Iceman quien lucha contra el cáncer de garganta que lo afecta; igualmente rebosa ternura la relación mantenida con Penny y en especial el conmovedor abrazo de reconciliación con Bradshaw.
En suma, este film confirma que con un reparto de lujo encabezado por un excelente actor y un buen director es posible lograr un entretenimiento de calidad superior que sin duda el público habrá de disfrutarlo. Jorge Gutman
COEURSVAILLANTS. Francia-Bélgica, 2021. Un film de Mona Achache. 92 minutos
Nunca habrán de faltar historias vinculadas con situaciones acaecidas en la Segunda Guerra y específicamente durante el régimen de Vichy en que Francia estuvo ocupada por las fuerzas militares del Tercer Reich.
Una escena de COEURSVAILLANTS
En la drástica redada que tuvo lugar contra los judíos franceses en julio de 1942 donde fueron trasladados al Velódromo de Invierno de París, muchos chicos fueron separados de sus padres quedando desprotegidos. La realizadora Mona Achache, inspirada en su abuela judía que cuando niña vivió esa dramática experiencia, escribió el guión con Christophe Offenstein y Jean Cottin centrando la atención en algunos de esos niños y adolescentes que tuvieron que afrontar esa situación.
La historia comienza en Agosto de 1942 en que Hannah (Maé Roudet Rubens) Jacques (Leo Riehl), Josef (Ferdinand Redouloux), Clara (Lila-Rose Gilberti), Henriette (Asia Suissa-Fueller) y Léon (Luka Haggège) viajan escondidos en un camión que transporta varios bultos de cuadros procedentes del Louvre y de otros museos nacionales y colecciones privadas; el destino es el castillo de Chambord a fin de que las valiosas obras de arte quedaran allí depositadas y cuidadas por el curador (Swann Arlaud) mientras durase el conflicto bélico para evitar que sean expoliadas por los nazis. Una vez en el castillo, estos niños judíos desembarcan y Rosa (Camille Cottin), la conservadora del Museo de Louvre, los toma a su cuidado. Pero prontamente esta arriesgada y valiente mujer comprende que el castillo resulta peligroso para protegerlos debido a la presencia de soldados nazis que merodean el lugar; de allí que el modo más adecuado para poder salvarlos es a través del recorrido que los niños deberán efectuar en el bosque que domina al castillo con la esperanza de poder pasar a la zona libre, aún no ocupada por Alemania.
La directora adopta un tratamiento sencillo en su exposición logrando una buena puesta escénica y aunque el film no llega a insuflar por completo la tensión del peligro que atraviesan sus personajes a fin de suscitar una emoción más intensa, de todos modos queda compensado por la solidez de su elenco. Los menores actores reflejan plena autenticidad en sus roles, transmitiendo el sentimiento de pena suscitado cuando Clara, muere en un pantano. Asimismo Cottin caracteriza muy bien a la osada mujer preocupada en amparar a los chicos como asimismo asegurar que las piezas de los museos queden en buen resguardo; resulta interesante aclarar que para este personaje los guionistas se inspiraron en Rose Valland, quien ha sido una prestigiosa historiadora de arte y que además de haber participado en la Resistencia Francesa durante la guerra, en 1941 fue curadora del Museo Jeu de Paume de París.
Si bien lo que se aprecia es un relato de ficción, su ilustración está basada en acontecimientos reales; es así que en los créditos finales se lee que entre 1940 y 1945 más de 11 mil niños judíos han sido deportados y asesinados en los campos nazis en tanto que 60 mil pudieron salvar sus vidas escondiéndose.
Globalmente considerado, Coeurs Vaillants es un film honesto y meritorio de contemplar en el que la realizadora rinde tributo a niños y adolescentes que enfrentaron la muerte durante el Holocausto. Jorge Gutman
PINKLAKE. Canadá, 2020. Un film escrito y dirigido por Emily Gan y Daniel Schachter. 80 minutos.
Un drama romántico y la paternidad son dos temas que se entremezclan en Pink Lake. En este primer largometraje Emily Gan y Daniel Schachter logran un film íntimo centrado en el estudio psicológico de los protagonistas del relato.
Alysa Touati, Charles Brooks y Marie-Marguerite Sabongui
El guión de los realizadores ubica la acción en una cabina situada en las sierras de Gatineau en Quebec; allí reside la pareja integrada por Sam (Charles Brooks) y Cora (Alysa Touati), quienes llevan una apacible e idílica vida; la única divergencia de opinión entre ambos que no llega a afectar la relación es debida a que él desearía formar una familia pero Cora no se encuentra emocionalmente preparada para asumir la maternidad.
La rutina se ve alterada con la visita de Nadia (Marie-Marguerite Sabongui) quien es una muy querida amiga de larga data de Sam, llegada del exterior y que acaba de sufrir una desilusión amorosa al haber sido dejada por su pareja.
Habida cuenta de su vocación maternal lo que Nadia fervientemente anhela fervientemente es concebir un hijo; es así que en una de las caminatas realizadas con Sam, le pregunta si estaría dispuesto a donarle su esperma, dejando en claro que ella sería la única en ocuparse de la eventual criatura como madre monoparental sin que él asuma responsabilidad paternal alguna ni tampoco utilizar su apellido. Ante la inusitada sorpresa por dicha propuesta, él comenta con Cora la conversación que mantuvo con Nadia en donde ella acepta ese singular arreglo; sin embargo gradualmente la duda comienza a corroerla.
Lo que valoriza al relato es el acertado enfoque de los realizadores a través de la dinámica relación que se va suscitando entre los tres personajes. Por una parte, se observa cómo a través de la inseguridad y contradicciones de Cora, eso va afectando su romántico vínculo con Sam; por su parte él está a la expectativa aguardando que la incertidumbre que envuelve a su pareja pueda finalmente quedar resuelta; frente a ello, la actitud de Nadia es la de esperar y confiar de que podrá concretar su propósito.
Tal como está expuesto, Pink Lake no pretende plantear un problema moral aunque permite cavilar sobre cuál sería la repercusión emocional que podría generar un embarazo dispuesto de ese modo y hasta qué punto podría dejar indiferente a Sam como padre biológico como asimismo a Cora. De todos modos, a través de la buena descripción de caracteres y con la muy convincente actuación de su breve elenco, los noveles cineastas brindan un film que sin grandilocuencia alguna está satisfactoriamente elaborado y capaz de captar la adhesión del espectador. Jorge Gutman