ABOUTENDLESSNESS / POUR L’ÉTERNITÉ. Suecia-Noruega-Alemania, 2019. Un film escrito y dirigido por Roy Andersson.
Con el precedente de haber sido galardonado como el mejor director en el Festival de Venecia de 2019, Roy Andersson brinda en About Endlessness (Omdet oändliga) un film extraño, diferente, aunque ciertamente ambicioso.
La película de 75 minutos de duración abarca 32 viñetas que transcurren en su mayor parte en algunas de las ciudades de Suecia. Salvo ciertos episodios que mantienen cierta vinculación entre sí, la mayoría de los mismos son independientes. En todos ellos, el propósito del realizador es el de abordar rasgos del comportamiento humano a través de diferentes situaciones.
Una escena de ABOUTENDLESSNESS
El tema de la religión se ilustra enfocando a un sacerdote que se lamenta de que Dios lo haya abandonado; por eso acude a un psiquiatra a fin de solucionar s angustia existencial. La intolerancia queda reflejada en la reproducción del calvario de Cristo, donde en una calle de Estocolmo se ve a un pobre hombre cargando una cruz mientras que una enfurecida multitud estalla a gritos pidiendo que lo crucifiquen. El fanatismo religioso se desnuda en la perturbadora escena donde un padre llorando a más no poder abraza el inerte cuerpo ensangrentando de su hija a la que acuchilló para proteger el honor de su familia. La violencia machista es considerada enfocando a un hombre que en un supermercado delante de un público que lo contempla castiga furiosamente a su mujer diciéndole que la ama. La pena capital se evidencia con un individuo que atado a un poste por varios soldados desesperadamente implora piedad para que no lo ejecuten.
El pasado histórico se trasluce con Hitler que en los últimos días de la guerra arriba a su búnker donde se encuentran tres jerarcas nazis, en tanto que resuenan los bombardeos de las fuerzas aliadas en los últimos días de la Segunda Guerra; en otro fragmento se aprecia a un ejército prisionero derrotado en el conflicto bélico que en medio del rigor invernal se encuentra marchando en las estepas de Siberia.
En una anécdota absurda se observa a un camarero de un restaurante que mientras le está sirviendo vino a un comensal desborda su vaso ensuciando el mantel. El asordinado humor de Andersson queda ilustrado con un paciente que en el consultorio del dentista se niega a recibir la anestesia local para su tratamiento; en consecuencia, cuando el odontólogo comienza el procedimiento, el paciente grita por el dolor que le está causando lo que motiva a que el doctor lo abandone sin querer saber más de él.
He aquí algunos esbozos banales que se presentan a lo largo del relato. Desde el piso en que trabaja, una ejecutiva observa a través de una ventana los rascacielos de la ciudad. Un hombre guarda su dinero bajo el colchón de su cama porque no confía en las instituciones bancarias. Un padre en medio de una lluvia torrencial lleva a su hijita a una fiesta de cumpleaños, deteniéndose en el trayecto para atarle el cordón de su zapato. Una joven que arriba a la estación de un tren no encuentra a la persona que debía aguardarla; posteriormente, un hombre que se supone ser su pareja llega corriendo para recogerla. Habiéndosele roto la suela de uno de sus zapatos una mujer opta por caminar descalza. Al descomponérsele el coche que manejaba a lo largo de una ruta aislada, su conductor intenta arreglar el desperfecto.
Una viñeta conmovedora es la que presenta a un padre y una madre en un cementerio, donde el hombre recoge el ramo de flores que porta su esposa para colocarlo en la tumba de su hijo muerto en la guerra, al mismo tiempo que ambos expresan el gran amor que sienten por él.
Algunos de los episodios son narrados en off por una mujer (Jessica Louthander) sin que ello se justifique porque lo que se ve en pantalla es suficientemente evidente y no requiere comentario adicional.
En más de una oportunidad la cámara del director se mantiene fija para transmitir con mayor intensidad los fotogramas de las viñetas expuestas. En ese quehacer cabe destacar la proeza visual de la escena inicial donde Andersson enfoca a una pareja de amantes que va flotando en el aire sobre una ciudad en ruinas a causa de la guerra; esa imagen ofrece una deslumbrante belleza pictórica que probablemente el genial Marc Chagall habría gustado plasmar en la tela.
Andersson confirma una vez más que es un remarcable realizador demostrándolo con su esmerada dirección artística mediante una notable puesta escénica. Aunque su trabajo es ciertamente estimulante, las numerosas minihistorias contenidas en el guón de breve duración no permiten alcanzar el impacto necesario. De todos modos, este anticonvencional caleidoscopio se deja ver e indudablemente los cinéfilos seguidores del realizador no quedarán defraudados. Jorge Gutman
En una nueva edición destinada a reflejar los aspectos culturales, sociales y políticos vigentes en el mundo, el renombrado festival de películas documentales Hot Docs ofrecerá un programa que incluye 219 filmes procedentes de 66 países en 12 programas con la mitad de los títulos dirigidos por mujeres.
Esta importante muestra que comenzó el 29 de abril y se extenderá hasta el 9 de mayo será exhibida exclusivamente en línea y difundida por primera vez en todo Canadá.
Habiendo tenido acceso a algunas de las películas que se han de ver, he aquí el comentario de cinco de las mismas.
Love It Was Not (Israel-Austria)
Remarcablemente escrito y dirigido por Maya Sarfati, este apasionante documental se centra en la sorprendente relación mantenida entre una joven prisionera judía durante la Segunda Guerra y su captor nazi.
A través de raccontos, en su narración la directora se basa en las entrevistas personales y televisivas, material de archivo y fotografías que obtuvo para centrar su atención en Helena Citron, una sobreviviente del Holocausto. Habiendo residido en lo que actualmente es Eslovaquia en 1942 fue una de las primeras mujeres enviadas al campo de concentración de Auschwitz, lugar al que en 1944 llegó también su hermana Roze acompañada de su marido y de sus pequeños hijos. Cuando Helena entona la canción alemana “Love it was not”, logra atraer la atención del jerarca nazi Franz Wunsh quien se siente deleitado por su magnética voz; no transcurre mucho tiempo para que se encuentre apasionadamente enamorado de ella. Ese amor, igualmente correspondido por Helena motiva que sea objeto de un tratamiento especial, sobre todo el cuidado que de él recibe cuando se enferma de tifus. Lo concreto es que debido a esa íntima relación Franz evitó que Helena fuese enviada a la cámara de gases como también permitió salvar la vida de Roze.
En 1972, treinta años después de ese amor prohibido, Helena ya casada y con familia viviendo en Israel, recibe una carta de la esposa de Wunsh solicitándole que acuda al juicio en el que su marido es sometido en Viena para que actúe en su defensa a través de su testimonio. Como gesto de reconocimiento y gratitud hacia su ex amante, Helena no duda en viajar y actuar consecuentemente. Esa actitud motiva que algunas de sus compañeras sobrevivientes del campo de concentración la consideren haber sido una colaboradora del nazismo.
Impecablemente relatado, Sarfati ofrece un cautivante documental no exento de considerable tensión que deja abierto el debate para que el espectador juzgue su comportamiento al defender a un criminal nazi que la protegió salvándole su vida.
Entre Fuego y Agua (Colombia)
La discriminación indígena, el racismo, la adopción y la búsqueda de la identidad son los tópicos considerados por Viviana Gómez Echeverry y Anton Wenzel en este documental.
La acción se desarrolla en la comunidad autóctona Quillasinga de Laguna La Cocha ubicada en el sudoeste de Colombia. El protagonista es Camilo, un joven afrodescendiente que ha sido adoptado por sus padres indígenas Norberto y Marcela Jojoa. Siendo el único afrocolombiano de la comunidad y habiendo sufrido acosos de racismo que lo llevaron a abandonar la escuela, no ha podido integrarse plenamente al medio en que creció, no obstante el cariño brindado por sus progenitores. Es ahora que en la celebración de su cumpleaños anuncia a sus padres que desea ubicar a su madre biológica y de esta manera conocer su verdadera herencia cultural. Después de superar los trámites burocráticos se llega a determinar quien fue la mujer que lo cedió en adopción y dónde habita. Eso origina que él inicie un largo viaje físico a la vez que espiritual acompañado de su padre.
Simultáneamente al tema central, el documental permite adentrarse en la cultura de este pueblo originario a través de sus valores, costumbres, músicas, danzas y ritos. Al propio tiempo queda reflejado el constante enfrentamiento de su gente con el gobierno que se quiere apropiar de las tierras de sus ancestros para construir hoteles y puertos privados.
Retornando a Camilo, el momento más conmovedor del film es cuando finalmente llega a conocer a María Elena Bermúdez, la mujer que a partir de los primeros meses de vida lo ha tenido a su cargo dado que su madre biológica lo abandonó; al no poder seguir haciéndose cargo del niño, María Elena lo cede en adopción al matrimonio Jojoa. Esa revelación hace que Camilo, habiéndose encontrado en la deriva, encuentre el cauce definitivo para finalmente descartar su problema identitario y considerar a sus padres y hermanos adoptivos como su verdadera familia.
La excelente fotografía de la realizadora y la magnífica edición de Wenzel contribuyen a realzar los valores de este buen documental.
Dear Elnaz (Canadá)
Este conmovedor film producido por Javad Soleimani constituye una carta de amor a su adorada mujer desaparecida; para ello convocó a la realizadora Mania Akbari con el propósito de relatar su profunda aflicción.
El 8 de enero de 2020 se difundió la noticia del accidente aéreo del vuelo 752 de Ukraine International Airlines que fue derribado al ser atacado por los misiles lanzados por la defensa antiaérea iraní. En ese vuelo, que partió del aeropuerto internacional de Teherán con destino a Kiev, murieron 176 pasajeros y una de las víctimas ha sido Elnaz Nabiyi, la querida esposa de Soleimani.
Dos años antes de la tragedia, el matrimonio iraní había dejado la tierra natal para afincarse en Edmonton en procura de una vida mejor de la que tenían allí y prontamente comenzaron a completar sus estudios de doctorado en la Universidad de Alberta. En noviembre de 2019 ella viajó a Irán para visitar a su familia y ya estaba en viaje de retorno a Canadá cuando se produjo el fatal accidente; esta desgracia que dejó traumatizado a Javad lo impulsó a realizar el documental en donde va intercalando sus memorias, volviendo a los lugares que juntos habían visitado al mismo tiempo que incorpora los recuerdos de los amigos de la pareja quienes en estas circunstancias le ofrecen todo el posible apoyo emocional.
A través de su desarrollo Javad da rienda suelta a sus sentimientos de rabia, indignación y dolor en tanto que intenta buscar justicia ante las autoridades de Irán. El film constituye para él un acto terapéutico tendiente a lograr la catarsis necesaria para poder adaptarse a la nueva vida sin su amada Elnaz; en tal sentido Akbari ha logrado transmitir plenamente el vía crucis de su protagonista en el homenaje que tributa a su querida e inolvidable Elnaz.
Vicenta (Argentina)
Mediante muñecos artesanales de plastilina el realizador Darío Doria reproduce en este documental la odisea vivida por Vicenta Avendaño. Ella es una humilde mujer viviendo en el conurbano de Buenos Aires quien en 2006 descubre que su hija Laura de 19 años afectada de un considerable retraso mental y con una madurez propia de una niña de 8 años ha quedado embarazada al haber sido violada por su tío.
Mediante la narración efectuada en off por la cantante Liliana Herrera transmitiendo los pensamientos y sentimientos de Vicenta, el documental expone el estado de ansiedad y desesperación de esta mujer que con pocos recursos a su alcance y con la ayuda de su hija mayor Valeria comienza a realizar los trámites pertinentes para interrumpir la gestación de Laura. Después de extendidas dilaciones burocráticas, cuando todo hacía presumir que no había más obstáculos en el camino, la intervención de una jueza en forma arbitraria objeta el aborto. Este caso repercute en los medios de difusión, vía los noticieros de televisión, donde Vicenta encuentra la oportunidad de ventilar su angustia; en ese quehacer ella recibe el apoyo de mucha gente pero también la desaprobación de la iglesia y de los medios conservadores defendiendo el movimiento “pro vida”. Cuando finalmente llega la decisión favorable de la Corte Suprema para realizar el procedimiento, los médicos actuantes del Hospital San Martín de La Plata rehúsan practicarlo aludiendo al avanzado estado de gravidez de la joven. El resultado ha sido recurrir a un aborto ilegal con los riesgos que eso implica.
Este drama está muy bien reflejado por Doria quien apartándose de las convenciones del género documental denuncia a la burocracia sanitaria, a las instituciones judiciales y a un aparato estatal y provincial incompetente para hacer cumplir la ley. En ese contexto, lo más encomiable de esta película es el destacar la lucha realizada por una pobre mujer demostrando su entereza y valentía para superar las adversidades a fin de que prevalezcan los derechos humanos frente a un caso tan lamentable como el abuso sexual y el embarazo forzado de una chica mentalmente retardataria.
Su caso alcanzó resonancia internacional hasta el punto que en 2011 el Comité de Derechos Humanos de las Naciones Unidas condenó al estado argentino por el ineficiente manejo del caso y por haber causado un daño físico y moral a Laura. Recién en diciembre de 2014, la Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires efectúa un acto público de reparación; esa medida adoptada ocho años después tiene importancia para que en el futuro se respete la dignidad y el derecho de las mujeres para que otras en similares condiciones no tengan que atravesar la durísima experiencia de Vicenta y su hija.
En este documental que suscita profunda emoción, además de la excelente dirección, fotografía y montaje de Doria es necesario destacar la excelente tarea de la directora de arte Mariana Ardanaz en el diseño de los expresivos muñecos que dan vida a los personajes de esta humana historia.
Any Given Day (Estados Unidos)
Este es otro de los documentales que suscita interés. En el mismo la cineasta Margaret Byrne aborda los problemas vinculados con la enfermedad mental. Cuando la Corte de Salud Mental de Cook County de Chicago instaura un programa especializado para sus detenidos poniéndolos a prueba en su liberación condicional, la realizadora decide enfocar a tres de ellos y observar su evolución a través de un lapso de cinco años.
Uno de los participantes es Angela que ha estado ocho meses y medio en prisión y es madre de 4 hijos. Si bien tres de ellos ya son adultos, lo que más anhela es la custodia de Anthony de 4 años de edad que está a cargo de su ex marido; mientras tanto en forma supervisada se le permite tener acceso al mismo y en una de sus visitas se la ve en la celebración de su quinto cumpleaños. Poco se sabe de la vida anterior de esta mujer, excepto el de haber sido abusada en su infancia. En un momento dado, ella se retira de la filmación por haber caído en una fuerte depresión; ya recuperada, Angela reanuda la comunicación con Anthony visitándolo sin restricción alguna.
Daniel es otro de los entrevistados por Byrne; habiendo sufrido de esquizofrenia, ha sido su hermana mayor quien se ocupó de él. Lo positivo es que con su perseverancia ha logrado graduarse en ciencias y uno de los momentos emotivos del documental es cuando recibe su diploma de manos de la afable jueza Laura Edidin, la supervisora del programa.
El más conflictuado de los tres personajes es Dimitar quien con su vocación de escritor ha logrado publicar su primer libro. Sin embargo, su esquizofrenia así como su adicción a la cocaína no le permiten encontrar un puesto de trabajo adecuado a sus calificaciones. La relación con su madre es importante en la medida que ella está preocupada al observar sus inestables reacciones debido a los altibajos de su enfermedad; es así que por sus frecuentes recaídas debe internarse en el hospital en varias ocasiones para ser tratado psicológicamente; en ese interín su vulnerable estado le impide reportar al programa y desempeñar su trabajo comunitario. Finalmente, con su parcial recuperación completa su prestación comunitaria y a su vez logra la publicación de un segundo libro.
Curiosamente, la directora es en sí misma otro de los personajes de su propio documental en la medida que ella también ha sufrido de inestabilidad mental; al haber sido afectada por fuertes depresiones, tuvo que ser hospitalizada y por lo tanto forzada a suspender el rodaje. Habiéndose repuesto, la realización de este film constituye para ella una catarsis para su salud a la vez que le ha permitido empatizar mejor con sus tres entrevistados.
En última instancia, el mensaje de este honesto film es el de difundir la necesidad de comunicación y apoyo por quienes requieren ayuda por sufrir de desequilibrio mental; así, la comprensión y solidaridad mediante el contacto humano es un estímulo importante para su recuperación.
Bienvenidos a España (España)
El tema de los refugiados es uno de los más inquietantes que afligen al mundo en donde no siempre los países que pueden admitirlos están dispuestos a ello. En este documental, el director Juan Antonio Moreno demuestra la solidaridad de España con quienes llegan al país en procura de asilo y protección. Para ello traslada su cámara a Torreblanca, un barrio de Sevilla en el que está localizado el antiguo puticlub Maravilla que en su oportunidad actuó como prostíbulo y ahora reconvertido en un amplio lugar de 330 habitaciones en donde los recién llegados son acogidos a través de la Comisión Española para Ayuda al Refugiado.
Durante dos años Moreno ubicó sus cámaras para enfocar a una variada gama de refugiados. Así se observa a Ominia, una adorable y vivaz niñita que llegó con sus padres y dos hermanitos procedentes de Yemen huyendo de la guerra civil que diezma a ese país. Amelia es una venezolana jubilada y abuela de 9 nietos que siendo profesora en su país llegó sola a España por su gran descontento con el régimen político imperante en su país. Marouane es un joven marroquí de 18 años que dejó su tierra natal por ser homosexual y es esa la razón por la que solicita asilo. De Libia llega el matrimonio Fares con sus 8 hijos y el noveno que acaba de nacer en territorio español, en procura de un mejor horizonte de vida. Jorge del Prete es un empresario venezolano que dejó su país y ya consiguió su residencia legal en España. Finalmente se encuentran Alma y Marta, dos lesbianas procedentes de El Salvador donde habían ocultado su relación para evitar el severo castigo infligido por su diferente orientación sexual.
A través de los personajes mencionados el documental ilustra varios de los problemass que ellos deben enfrentar, como la superación de los traumas que han afectado sus vidas, ajustarse a una diferente cultura, la necesidad de lograr un empleo, dónde habitar después de los 6 meses de estar en el centro de acogida y sobre todo cómo adaptar la vida con la irrupción de la pandemia. En esencia, el realizador ofrece una muy buena crónica abordando la crisis de los migrantes en un país que les ofrece su bienvenida; es así como lo expresa su realizador antes de los créditos finales: “España es un país cálido y acogedor”. Jorge Gutman
Nota: La adquisición de billetes puede efectuarse en línea enwww.hotdocs.ca
THECOURIER. Gran Bretaña-Estados Unidos, 2020. Un film de Dominic Cooke
He aquí un relato de delación basado en hechos reales acontecidos durante la Guerra Fría en el que el realizador Dominic Cooke, un aplaudido director teatral de la escena británica, logra un film cautivante.
Benedict Cumberbatch y Merab Ninidze
El acertado guión de Tom O’Connor ubica la historia en 1962 durante la crisis de los misiles cubanos. Debido a informaciones estratégicas recibidas por el gobierno británico acerca de la política del Kremlin en materia nuclear, se realiza una reunión de urgencia en Londres donde participan Dickie Franks, (Angus Wright), funcionario de alto rango del M16 — el servicio de inteligencia secreto del Reino Unido- y Emily Donovan (Rachel Brosnahan), operadora de la CIA. Como consecuencia de la misma se decide contratar los servicios de Greville Wynne (Benedict Cumberbatch), un hombre de familia y modesto vendedor londinense que suele realizar viajes de negocios al bloque comunista. Su misión consiste en trasladarse a Moscú asumiendo el papel de representante comercial para que sigilosamente contacte al coronel ruso Oleg Penkovsky (Merab Ninidze) a fin de obtener la documentación necesaria que refleje las intenciones soviéticas dada la crisis de los misiles en Cuba. En su elevado rango, Penkovsky está hastiado con la política soviética liderada por Nikita Khrushchev (Vladimir Chuprikov); por lo tanto no tiene reparo alguno en traicionarlo por temor a que el programa nuclear de la URSS, pueda repercutir trágicamente en el mundo y es por ello que actúa como espía informante de Occidente.
El relato fundamentalmente se basa en la relación especial que se establece entre Wynne y el doble agente moscovita; a medida que van desarrollándose los escrupulosos y arriesgados encuentros, se va cimentando entre los dos una cálida amistad a pesar de provenir de culturas y actividades profesionales diferentes. Tangencialmente el guión provee escenas de las familias de ambos personajes, en especial la de Wynne cuya esposa (Jessie Buckley) ignorando por completo el motivo de los frecuentes viajes de su esposo a Moscú supone que mantiene un affaire amoroso.
Esta verídica historia, aunque con algunas licencias habituales propias de los relatos de ficción, capta permanentemente la atención del espectador quien se adentra en los dramáticos entretelones que se producen en su desarrollo desembocando en un sombrío y conmovedor desenlace. Este thriller de espionaje, sin ser el mejor de lo visto en el género, conforma plenamente por varias razones; entre las mismas, se encuentra la eficiente realización de Cooke al haber sido capaz de generar un relato fluido con un muy buen suspenso sin sucumbir a efectos sensacionalistas. No menos importante es el nivel de interpretación logrado por Cumberbatch y Ninidze en sus respectivos personajes permitiendo que entre los mismos guarden una remarcable química.
El efectivo montaje de Tariq Anwar y Gareth C. Scales, así como la muy buena fotografía de Sean Bobbitt acrecientan los méritos de The Courier. Jorge Gutman
LESCHOSES QU’ON DIT, LESCHOSES QU’ON FAIT. Francia, 2020. Un film escrito y dirigido por Emmanuel Mouret. 120 minutos.
Este romántico film de Emmanuel Mouret propone una visión diferente sobre el amor exponiendo la involuntaria inconstancia de los sentimientos.
En una campiña francesa situada al norte de la Provenza, llega Maxime (Niels Schneider) procedente de París para visitar a su primo François (Vincent Magaigne) quien al estar ausente por razones de trabajo es recibido por su compañera Daphné (Camélia Jordana), embarazada de 3 meses.
Con reminiscencia de los bellos relatos de Eric Rohmer, el realizador utiliza como factor movilizador de su historia la forma en que Daphné y Maxime paseando por la región van conociéndose mediante mutuas confidencias vinculadas con los aventuras y desventuras sentimentales que ambos mantuvieron en el pasado. De este modo ella le relata sobre la atracción amorosa que sintió hacia un realizador documentalista (Louis-Do de Lencquesaing) cuando trabajaba como su montajista sin que haya sido capaz de expresarle sus sentimientos; posteriormente llega a convivir con François (Vincent Macaigne) quien a su vez por ella él abandonó a su mujer Louise (Émilie Dequenne). Por su parte Maxime le cuenta a su anfitriona cómo quedó descorazonado cuando su bien amada Sandra (Jenna Thiam) lo dejó para relacionarse con su mejor amigo Gaspard (Guillaume Gouix). Sucesivamente la madeja sigue desenredándose hasta el momento en que las íntimas revelaciones efectuadas motivan a que Daphne y Maxime terminen vinculados románticamente.
Son varios los elementos concurrentes para que este fresco sentimental trascienda. En primer lugar a través de un magnífico guión nutrido de estilizados diálogos Mouret ha entrelazado las diferentes historias logrando una magnífica cohesión. Adoptando un tono que transita entre la liviandad y la gravedad, el realizador además de ubicarse como observador igualmente penetra en el mundo interior de sus personajes captando sus contradicciones, caprichos, confusiones así como la vulnerabilidad e inconstancia reflejada en el lenguaje del amor; es en ese terreno que demuestra la complejidad del comportamiento humano para poder distinguir como asimismo conciliar el amor con el deseo generado por una fuerte atracción sexual. La interpretación es otro de los factores positivos teniendo en cuenta que Mouret se ha valido de un homogéneo elenco, con mención especial de Jordana, Schneider, Macaigne y Duquenne quienes en sus respectivos roles permiten que se establezca una inmediata empatía con el espectador.
Si bien la banda sonora de un film no siempre se ajusta adecuadamente a la narración, en este caso se convierte en un protagonista más de esta historia; así, los extractos musicales de Haydn, Mozart, Chopin, Schubert, Tchaikovsky, Debussy, Purcell, Puccini y Enrique Granados, entre otros grandes compositores, contribuyen a expresar cabalmente la variedad de emociones que albergan los personajes de esta historia.
El melancólico epílogo del film, que en cierto modo recuerda al de Les parapluies de Cherbourg (1964) de Jacques Demy, corona magníficamente este impecable trabajo de Mouret, indudablemente el mejor de su filmografía. Jorge Gutman
NOMADLAND. Estados Unidos, 2020. Un film escrito y dirigido por Chloe Zhao. 108 minutos.
Ganador del León de Oro en el Festival de Venecia de 2020, este film de Chloe Zhao es nada menos que excepcional. Basado en el libro Nomadland: Surviving America in The Twenty-First Century de la periodista Jessica Bruder, la realizadora ha logrado una magnífica adaptación del mismo en la transmisión del drama de los migrantes de Estados Unidos en procura de empleo.
Frances McDormand
En los créditos iniciales se lee que en enero de 2011 la fábrica de yeso Gypsum después de 88 años de existencia cierra su planta en Empire, Nevada, debido a una reducción de demanda; ese pequeño pueblo se ve así desprovisto de la principal fuente de empleo. En base a esta información, la historia de ficción comienza presentando a Fern (Frances McDormand), una viuda mujer sexagenaria que había sido profesora de escuela; sin esperanza de conseguir trabajo en Empire, deja su casa y valiéndose de su furgoneta se lanza a la ruta con la esperanza de lograr alguna ocupación temporal que le permita sobrevivir. El primer puesto que logra es en una planta empaquetadora de Amazon que autoriza a sus trabajadores el libre estacionamiento de sus casas rodantes; prosiguiendo su nomadismo es reclutada en un restaurante de comida al paso, para posteriormente limpiar los baños en otro alto del recorrido.
A lo largo del trayecto Fern se vincula con otras personas que en su misma condición tratan de abrirse paso a lo largo de la América profunda; en tal sentido el relato resalta la camaradería y solidaridad que se establece entre esa gente de edad madura, que es tan o más efectiva que la que puede existir en organismos comunitarios. Entre las diferentes personas que ella llega a conocer se encuentra Linda May, una colega del restaurante que se convierte en su gran amiga, el filósofo gurú Bob Wells, Swankie ‑una mujer de 75 años enferma de cáncer a quien no le resta mucho tiempo de vida- y el errante Dave (David Strathairn) que guardando una especial simpatía hacia Fern insinúa querer mantener una relación sentimental que ella por su parte elude porque desea conservar su independencia; esa misma actitud adopta cuando visita a su hermana Dolly (Melissa Smith) que ofreciéndole su hogar para que allí permanezca, ella prefiere seguir su rumbo.
La historia ofrece varias escenas emotivas pero si hay una para destacar especialmente es la que tiene lugar en el nuevo encuentro entre Fern y Bob; en la misma él le expresa su pena de haber perdido a su hijo de 33 años por haberse suicidado; con todo, cree firmemente que no hay un adiós porque se habrá de producir un reencuentro en la ruta.
En todo ese trayecto que abarca los estados de South Dakota, Nebraska y Arizona, los temas de la mortalidad, la soledad, el dolor y la necesidad de aferrarse a la vida van apareciendo dentro de un relato inspirado que refleja la realidad de parte de un estamento social desfavorecido.
La interpretación de McDormand es excepcional demostrando una vez más su indiscutible talento; con Fern ella se mimetiza por completo, expresando a través de su curtido rostro la variada gama de sentimientos que la animan donde a pesar de los obstáculos que pueda encontrar en su camino trata de mantener una actitud positiva para sobrevivir en la América del siglo 21.
Como casi todos los personajes del elenco se representan a sí mismos, lo que dicen, sienten y hacen adquiere completa naturalidad; quien más, quien menos, estas reales personas que resultan invisibles para el mundo exterior ofrecen suficientes motivos para que uno se compenetre plenamente con ellas en su lucha por la supervivencia.
En su tercer largometraje, después de haber impresionado en Songs My Brothers Taught Me (2015) y The Rider (2017), esta directora, guionista y editora revela su fina sensibilidad ilustrando los problemas sociales que afligen a Estados Unidos. Este sólido drama impregnado de un tono poético actúa como un espejo reflejando la nobleza del espíritu humano.
Entre los valores de producción se destaca la remarcable fotografía de Joshua James Richards captando la belleza panorámica del oeste americano en que transcurre la acción.
Siendo una de los ocho películas nominadas al Oscar 2021, la estupenda calidad de Nomadland permite suponer que obtendrá la codiciada estatuilla en la ceremonia del próximo 25 de abril. Jorge Gutman
