ATO­NE­MENT. Esta­dos Uni­dos, 2026. Un film escri­to y diri­gi­do por Reed Van Dyk. 118 minutos

Cono­ci­do como buen guio­nis­ta y con dos cor­tos en su haber, Reed Van Dyk debu­ta en el lar­go­me­tra­je con Ato­ne­ment, un pode­ro­so dra­ma basa­do en hechos reales. A tal efec­to, el novel cineas­ta se ins­pi­ró en un artícu­lo publi­ca­do por Dex­ter Fil­kins en la revis­ta The New Yorker.

La pri­me­ra par­te del rela­to trans­cu­rre en Irak en 2003, épo­ca en que se ini­cia la gran gue­rra lide­ra­da por Esta­dos Uni­dos con el pro­pó­si­to de derro­car al régi­men de Sad­dam Hus­sein, ale­gan­do como excu­sa la pose­sión de armas de des­truc­ción nuclear.

Hiam Abbass T

Des­pués de que explo­tó una bom­ba en la vivien­da tem­po­ral de la fami­lia ira­quí de Mariam (Hiam Abbass), en un inten­to de encon­trar refu­gio en la vie­ja casa don­de solía vivir, en una inter­sec­ción del vehícu­lo en la que ella via­ja con su fami­lia, el vehícu­lo es ata­ca­do des­de una terra­za por un escua­drón mili­tar ame­ri­cano a car­go del sub­te­nien­te Lou D’Alessandro (Boyd Hol­brook). El cruen­to epi­so­dio aca­rrea la muer­te del mari­do de Mariam y de sus dos hijos adul­tos con la deses­pe­ra­ción de la mujer evi­den­cian­do lo irre­pa­ra­ble. A todo ello Michael Reid (Ken­neth Bra­nagh), el repor­te­ro de gue­rra de The New York Times ‑que hace las veces de Dex­ter Filkins‑, va regis­tran­do en sus apun­tes lo que está tes­ti­mo­nian­do. Pron­ta­men­te los mari­nes cobran noción del terri­ble error come­ti­do ame­tra­llan­do al vehícu­lo y es así que tra­tan de lograr asis­ten­cia hos­pi­ta­la­ria para la heri­da Nora (Gheed), la hija de Mariam, quien tenien­do en sus bra­zos a su bebé ensan­gren­ta­do tam­bién logró sobrevivir.

Esta pri­me­ra par­te es realís­ti­ca­men­te estre­me­ce­do­ra, en la que el direc­tor con el valio­so apo­yo de la foto­gra­fía de Jon Peter cap­ta en su total dimen­sión los horro­res de la invasión.

La acción se tras­la­da a 2013 en don­de Lou habien­do deja­do el ejér­ci­to vive en San Die­go don­de efec­túa tra­ba­jos de dife­ren­te natu­ra­le­za en tan­to que tra­ta de enro­lar­se en la facul­tad de abo­ga­cía. Aun­que no se exhi­be lo que ha suce­di­do con él duran­te el lap­so trans­cu­rri­do se nota que pade­ce del estrés pos­trau­má­ti­co como con­se­cuen­cia de lo expe­ri­men­ta­do en la gue­rra; eso se agra­va con los ata­ques de páni­co que lo aco­san y si bien en par­te encuen­tra solaz con su novia Anna (Gra­tie­la Bran­cu­si), eso no ate­núa el tre­men­do car­go de con­cien­cia que aca­rrea por el mor­tal ata­que a la fami­lia de Mariam.

El rela­to nue­va­men­te se des­pla­za un año y medio des­pués en don­de Michael Reid, perio­dis­ta de The New Yor­ker pre­pa­ra un artícu­lo vin­cu­la­do con la fami­lia de Mariam que aho­ra resi­de en Glen­da­le, Cali­for­nia con su hija Nora y su yerno Assad (Maj Eid); es enton­ces que el repor­te­ro es con­tac­ta­do por Lou quien bus­can­do la expia­ción ‑de allí el títu­lo del film- le pide que inter­ce­da en soli­ci­tar a Mariam para que pue­da lle­gar a ver­la y rogar­le que lo per­do­ne; como con­se­cuen­cia la mujer acce­de a recibirlo.

Lo más tras­cen­den­te del film acon­te­ce duran­te la visi­ta de Michael y Lou a la casa de Mariam quien está rodea­da de su hija y Assad. Es allí que entre­la­zan­do minu­tos de silen­cio con míni­mos diá­lo­gos, un Lou que no pue­de ocul­tar su emo­ción, se des­plie­ga en lágri­mas bus­can­do el per­dón de su víc­ti­ma don­de ella con su ros­tro seve­ro mirán­do­lo fija­men­te se lo otor­ga. Esa reu­nión adquie­re visos anto­ló­gi­cos don­de que­da expues­ta en su total dimen­sión cómo se mani­fies­ta la repa­ra­ción por la fal­ta cometida.

Sin sen­sa­cio­na­lis­mo alguno, Van Dyk demues­tra una enco­mia­ble madu­rez en su ópe­ra pri­ma en don­de tuvo la opor­tu­ni­dad de diri­gir a un irre­pro­cha­ble elen­co; en el mis­mo se des­ta­ca Hol­brook vol­can­do con inten­si­dad el gran con­flic­to que ator­men­ta a su per­so­na­je, en tan­to que la gran vete­ra­na Abbass sin exa­ge­ra­ción algu­na lle­ga a hip­no­ti­zar con su pre­sen­cia expre­san­do con su aus­te­ra mira­da y su silen­cio lo que inte­rior­men­te vive la viu­da ira­quí, logran­do una inter­pre­ta­ción excepcional.

Dicho lo que ante­ce­de Van Dyk brin­da un muy con­mo­ve­dor dra­ma, dejan­do a su vez tiem­po de refle­xio­nar sobre lo que hoy día acon­te­ce con los con­flic­tos béli­cos que azo­tan en varias regio­nes del mun­do cobran­do ino­cen­tes víc­ti­mas. Jor­ge Gutman

THE SOCIAL REC­KO­NING. Esta­dos Uni­dos. Un film escri­to y diri­gi­do por Aaron Sor­kin. 113 minutos

En 2010 los ciné­fi­los tuvie­ron la opor­tu­ni­dad de juz­gar el estu­pen­do film The Social Net­work don­de el rea­li­za­dor David Fin­cher con la cola­bo­ra­ción de su guio­nis­ta Aaron Sor­kin enfo­ca­ron la famo­sa red social Face­book crea­da por el enton­ces joven estu­dian­te Mark Zuc­ker­berg pro­ta­go­ni­za­do por Jes­se Eisenberg.

Es aho­ra que Sor­kin en cali­dad de guio­nis­ta y rea­li­za­dor efec­túa una pro­lon­ga­ción de aquel film y aun­que no resul­te sim­pá­ti­co efec­tuar com­pa­ra­cio­nes, lo cier­to es que The Social Rec­ko­ning es deci­di­da­men­te infe­rior a su predecesor.

Mic­key Madi­son y Jeremy Allen White

En su pró­lo­go el rela­to mues­tra a una mujer en esta­do de ebrie­dad que se encuen­tra en una carre­te­ra lan­za epí­te­tos racis­tas a unos agen­tes de poli­cía que ter­mi­nan arres­tán­do­laa; eso se difun­de en las redes sociales.

De inme­dia­to Sor­kin ubi­ca la acción en 2019 en don­de se apre­cia a Fran­ces Hau­gen (Mic­key Madi­son), una inge­nie­ra encar­ga­da de la reco­pi­la­ción de datos de Face­book que a tra­vés de lo que va obser­van­do sien­te que el accio­nar de su com­pa­ñía, aco­pla­da de Ins­ta­gram que per­te­ne­ce a la mis­ma, aca­rrea un sig­ni­fi­ca­ti­vo per­jui­cio al enor­me núme­ro de ado­les­cen­tes que uti­li­za esta red social.

Simul­tá­nea­men­te en ese enton­ces lle­ga a las ofi­ci­nas de San Fran­cis­co el repor­te­ro de The Wall Street Jour­nal Jeff Hor­witz (Jeremy Allen Whi­te) quien se intere­sa en inda­gar acer­ca de las acti­vi­da­des de Face­book y es así que se pro­du­ce el encuen­tro con Hau­gen en don­de la des­en­can­ta­da mujer va sumi­nis­trán­do­le múl­ti­ples docu­men­tos de la cor­po­ra­ción que prue­ban cabal­men­te los nega­ti­vos efec­tos de la com­pa­ñía que ade­más de aten­tar a los prin­ci­pios demo­crá­ti­cos pro­du­cen comen­ta­rios odio­sos de la juven­tud influen­cia­da pro­mo­vien­do acti­tu­des extre­mis­tas, ade­más de afec­tar su salud mental.

Ade­más de la rela­ción entre Hau­gen y el perio­dis­ta, el rela­to ilus­tra el accio­nar de Zuc­ker­berg (Jeremy Strong) y su equi­po don­de él se pre­pa­ra para com­pa­re­cer ante una comi­sión del Sena­do ante los car­gos que van sur­gien­do a tra­vés de la publi­ca­ción de los artícu­los de Hor­witz en su con­cien­zu­do tra­ba­jo de investigación.

Sin duda algu­na que lo que Sor­kin inten­ta denun­ciar está ilus­tra­do en el film. Sin embar­go, la narra­ti­va del rea­li­za­dor care­ce de la ten­sión nece­sa­ria para lle­gar a exci­tar, al haber impre­so un rit­mo impre­ci­so que aten­ta al nivel de con­cen­tra­ción por par­te de la audien­cia. Cla­ro está que eso no des­ca­li­fi­ca la bue­na inter­pre­ta­ción de su elen­co, des­ta­can­do la actua­ción de Madi­son como la deci­di­da mujer dis­pues­ta a defen­der sus prin­ci­pios mora­les, como asi­mis­mo la muy con­vin­cen­te com­po­si­ción que Allen Whi­te logra de su personaje.

En suma lo más rele­van­te de esta des­igual pelí­cu­la es su ate­rra­dor men­sa­je tenien­do en cuen­ta, según se lee en los cré­di­tos fina­les, que apro­xi­ma­da­men­te el 43 % de la gen­te uti­li­za esta pla­ta­for­ma crean­do adicción.

Aun­que no ilus­tra­do en el film, es impor­tan­te rese­ñar que Jeff Hor­witz obtu­vo este año el Pre­mio Pullitzer por su remar­ca­ble labor inves­ti­ga­ti­va sobre Meta (la empre­sa tec­no­ló­gi­ca pro­pie­ta­ria de Face­book) reve­lan­do la expo­si­ción de los usua­rios a frau­des y mani­pu­la­ción de la com­pa­ñía. Jor­ge Gutman

JIM QUEEN. Francia-Bélgica,2025. Un film de Mar­co Ngu­yen y Nico­las Atha­ne. 85 minutos.

Una irre­ve­ren­te pelí­cu­la de ani­ma­ción nutri­da de des­ca­ro y de lige­re­za es lo que se apre­cia en Jim Queen diri­gi­da por Mar­co Ngu­yen y Nico­las Athane.

JIM QUEEN

Con una audaz con­cep­ción la his­to­ria guio­ni­za­da por los rea­li­za­do­res con­jun­ta­men­te con Simon Bal­teaux y Bri­ce Che­vi­llard enfo­ca su aten­ción en la cul­tu­ra gay don­de en dicho uni­ver­so la orien­ta­ción hacia el mis­mo sexo cons­ti­tu­ye un moti­vo de orgu­llo y satis­fac­ción. Es así que se sale al encuen­tro de Jim (Alex Rami­res), un influen­cer homo­se­xual gay de París que goza de gran atrac­ción popu­lar en las redes socia­les por su sor­pren­den­te físi­co musculoso.

El núcleo cen­tral de la his­to­ria acon­te­ce cuan­do Jim obser­va que uno de sus abdo­mi­na­les des­apa­re­ce y pos­te­rior­men­te le sigue otro. En con­se­cuen­cia, su modo de vida se ve alte­ra­da al haber con­traí­do la hete­ro­sis, un virus peli­gro­so que con­du­ce a sus por­ta­do­res a con­ver­tir­se en per­fec­tos hete­ro­se­xua­les. El páni­co le hace pre­sa por cuan­to eso impli­ca que irá per­dien­do a sus lea­les segui­do­res quie­nes les encan­tan ver­lo y apre­ciar­lo tal cual es; de allí que su gran preo­cu­pa­ción es la de recu­pe­rar su iden­ti­dad y sus pode­ro­sos múscu­los que son su razón de ser.

Para­le­la­men­te, vamos cono­cien­do a Lucien (Jeremy Gillet), un joven de 20 años asi­mis­mo gay que es hijo nada menos que de Chris­ti­ne Bayer (Eli­za­beth Wie­ner) la minis­tra de salud de Fran­cia que es radi­cal­men­te homó­fo­ba y por lo tan­to de nin­gún modo acep­ta­rá la homo­se­xua­li­dad. Este mucha­cho, inse­gu­ro y tra­tan­do de lograr un apo­yo, pron­ta­men­te se vin­cu­la con Jim a quien pro­fun­da­men­te admi­ra y es así que jun­tos empren­de­rán el camino para bus­car una solu­ción al pro­ble­ma viral.

Deci­di­da­men­te ori­gi­nal en su con­cep­ción, lo cier­to es que el film des­ti­la un par­ti­cu­lar encan­to y ter­nu­ra ade­más de estar ani­ma­do con un apre­cia­ble humor y musi­cal­men­te acom­pa­ña­do de atrac­ti­vas melo­días. Si bien su pre­mi­sa es deci­di­da­men­te absur­da, en este caso es acep­ta­ble dado que los direc­to­res han logra­do su pro­pó­si­to de sati­ri­zar la cul­tu­ra del gim­na­sio, el impac­to de las redes socia­les, los este­reo­ti­pos sexua­les y la ave­za­da crí­ti­ca de la homo­fo­bia por par­te de los polí­ti­cos conservadores.

La bue­na pues­ta escé­ni­ca, la remar­ca­ble ani­ma­ción hiper­ci­né­ti­ca y las agra­da­bles voces que ani­man a sus per­so­na­jes que ade­más de las de Reiner, Gillet y Wie­ner, igual­men­te inclu­ye las de Phi­lip­pe Kate­ri­ne, Shir­ley Souag­non, Fra­nçois Sagat y Harald Mar­lot, per­mi­ten dis­fru­tar de este atí­pi­co film que ha goza­do de gran éxi­to popu­lar en varios fes­ti­va­les, inclu­yen­do el de Fan­ta­sía de Mon­tréal. Jor­ge Gutman

MIS MUER­TOS TRIS­TES. Argen­ti­na-Chi­le, 2026. Un film de Pablo Larrain. 187 minu­tos. Dis­po­ni­ble en Netflix

El remar­ca­ble direc­tor chi­leno Pablo Larrain, res­pon­sa­ble de nota­bles entre­gas como lo son Tony Mane­ro, No, Neru­da y Jac­kie, entre otras, con­si­de­ra en Mis Muer­tos Tris­tes, una his­to­ria de carác­ter sobre­na­tu­ral basa­da en varios cuen­tos de la pres­ti­gio­sa escri­to­ra argen­ti­na Maria­na Enrí­quez. Su adap­ta­ción ha sido efec­tua­da por el rea­li­za­dor, la auto­ra, Gui­ller­mo Cal­de­rón y Anas­ta­sia Ayasi.

Mer­ce­des Morán

Cier­ta­men­te se tra­ta de un film pecu­liar que estruc­tu­ra­do en cua­tro epi­so­dios pre­pa­ra­dos para la tele­vi­sión requie­re que el espec­ta­dor se sumer­ja en su con­te­ni­do. La acción trans­cu­rre en Bue­nos Aires y cen­tra su aten­ción en Ema (Mer­ce­des Morán), una médi­ca sexa­ge­na­ria que ha sido for­za­da a jubi­lar­se dado que injus­ta­men­te ha sido des­pe­di­da de su pues­to en un hos­pi­tal local; ella habi­ta aho­ra en la casa de su pro­ge­ni­to­ra ubi­ca­da en un edi­fi­cio de mono­blo­ques de la cla­se tra­ba­ja­do­ra del barrio de Villa Lugano. La par­ti­cu­la­ri­dad de Ema resi­de en su apti­tud de ver, escu­char y hablar con los muer­tos; ese hecho la ayu­da a sobre­lle­var la pena cau­sa­da por el recien­te falle­ci­mien­to de su madre Susa­na (Luz Gimé­nez) con quien pue­de dialogar.

Esta mujer que sobre­lle­va un difi­cul­to­so pasa­do tie­ne a su hija Caro (Dolo­res Fon­zi), una fotó­gra­fa con quien man­tie­ne un ten­so víncu­lo; el núcleo fami­liar se com­ple­ta con su her­ma­na Lidia (Ale­jan­dra Flech­ner), su cuña­do Tomas (Car­los Por­ta­lup­pi) y su sobri­na Julie (Caro­li­na Álva­rez) quie­nes viven en Portland, Ore­gón. La ruti­na de Ema se alte­ra con la lle­ga­da a Argen­ti­na de sus fami­lia­res dado que ade­más del falle­ci­mien­to de la matriar­ca, el pro­pó­si­to del matri­mo­nio ha sido el de inter­nar a Julie en un cen­tro hos­pi­ta­la­rio de la capi­tal debi­do a que pade­ce de serios tras­tor­nos psi­co­ló­gi­cos. Cabe pre­ci­sar que esta joven exce­di­da de peso está dota­da como su tía en poder comu­ni­car­se con los muer­tos, ade­más de man­te­ner sexo con fantasmas.

Dejan­do de lado lo extra­ño que aquí se con­tem­pla, el con­flic­to dra­má­ti­co del rela­to acon­te­ce cuan­do Julie habien­do esta­do inter­na­da con­tra su deseo en el cen­tro hos­pi­ta­la­rio, esca­pa del mis­mo y comien­za la inten­sa bús­que­da para ubi­car­la que se extien­de en dema­sía por la impe­ri­cia de la auto­ri­dad poli­cial que se nie­ga a investigar.

La his­to­ria para­le­la­men­te va ilus­tran­do la pre­ca­rie­dad de la zona en la que habi­ta Ema don­de el peli­gro, la vio­len­cia y la impu­ni­dad están a la orden del día; es así como entre otros hechos y mar­ca­da por la sucie­dad del lugar se con­tem­pla la afec­ta­ción de un gran tan­que de agua no pota­ble así como el espan­to que envuel­ve a la gen­te del vecin­da­rio por el bru­tal ase­si­na­to de tres chi­cas, obli­gan­do a los veci­nos a por­tar armas.

Ade­más de ilus­trar el crí­ti­co esta­do social impe­ran­te, la pelí­cu­la enfo­ca a Ema expe­ri­men­tan­do la frac­tu­ra­ción de su fami­lia, don­de al víncu­lo de amor-odio con Caro se agre­ga la difí­cil rela­ción con su her­ma­na; es así, que su gran con­sue­lo radi­ca en su apti­tud de hablar con los muer­tos con quie­nes satis­fa­cien­do sus recla­mos de no ser olvi­da­dos man­tie­ne una mejor comu­ni­ca­ción que dia­lo­gan­do con los vivos.

Den­tro de un tono maca­bro, lúgu­bre y fan­tas­ma­gó­ri­co, es loa­ble la inten­ción de Larraín de cohe­sio­nar el uni­ver­so sobre­na­tu­ral impre­so por la auto­ra con un cua­dro de rea­lis­mo social; con todo, no obs­tan­te la favo­ra­ble pues­ta escé­ni­ca del cineas­ta, su impre­ci­sa narra­ti­va care­ce de los nece­sa­rios mati­ces para que esta his­to­ria de due­lo y recon­ci­lia­ción con­si­ga impac­tar como debie­ra. De todos modos, su visión es reco­men­da­ble aten­dien­do fun­da­men­tal­men­te a su impe­ca­ble elen­co; en el mis­mo resal­ta la admi­ra­ble com­po­si­ción que la exce­len­te Mer­ce­des Morán rea­li­za de su per­so­na­je, acom­pa­ña­da con total con­vic­ción por otras dos gran­des intér­pre­tes del cine argen­tino como lo son Dolo­res Pon­zi y Ale­jan­dra Flech­ner. Jor­ge Gutman

EL LABE­RIN­TO DEL FAUNO

Con­me­mo­ran­do el vigé­si­mo ani­ver­sa­rio de su estreno, es aho­ra la opor­tu­ni­dad de vol­ver a apre­ciar El Labe­rin­to del Fauno, remar­ca­ble copro­duc­ción de Espa­ña y Méxi­co diri­gi­da por Gui­ller­mo del Toro.

Con esta pelí­cu­la, el cineas­ta con­cre­ta una obra artís­ti­ca de gran enver­ga­du­ra, demos­tran­do una sin­gu­lar habi­li­dad para con­ju­gar fan­ta­sía, dra­ma rea­lis­ta y horror en for­ma abso­lu­ta­men­te con­vin­cen­te. Quien repa­se la fil­mo­gra­fía de este rea­li­za­dor obser­va­rá que uno de los aspec­tos que más le obse­sio­nan es el de la cruel­dad huma­na. Aquí vuel­ve a poner en evi­den­cia esa preo­cu­pa­ción al recu­rrir a uno de los epi­so­dios más oscu­ros de la his­to­ria de Espa­ña como lo fue su Gue­rra Civil. Del Toro ya abor­dó ese tema en “El espi­na­zo del dia­blo”, pero aho­ra lo enfo­ca des­de un ángu­lo dife­ren­te al recu­rrir a la fér­til ima­gi­na­ción de una menor.

La acción se ubi­ca en 1944 y a pesar de haber trans­cu­rri­do cin­co años des­de la fina­li­za­ción del con­flic­to béli­co, sus cole­ta­zos aún per­sis­ten con las incur­sio­nes rea­li­za­das por los maquis, gue­rri­lle­ros que no acep­tan la des­gra­cia­da reali­dad polí­ti­ca y con­ti­núan ofre­cien­do resis­ten­cia ata­can­do a la falan­ge fascista.

En una exce­len­te recrea­ción de épo­ca y con un cro­no­me­tra­do guión escri­to por el rea­li­za­dor, el film adop­ta el pun­to de vis­ta de Ofe­lia (Iva­na Baque­ro), una niña que ha lle­ga­do con su madre emba­ra­za­da Car­men (Ariad­na Gill) a un pues­to mili­tar ubi­ca­do en una remo­ta zona rural espa­ño­la. Allí los aguar­da el des­pó­ti­co capi­tán Vidal (Ser­gi López) quien coman­da el des­ta­ca­men­to y es el nue­vo mari­do de su madre. Fren­te a un ambien­te sofo­can­te y opre­si­vo moti­va­do por los actos mons­truo­sos de su padras­tro, cuyo obje­ti­vo prin­ci­pal es exter­mi­nar a los maquis de la región, Ofe­lia encuen­tra refu­gio en su fabu­lo­sa fan­ta­sía que es esti­mu­la­da por los libros de cuen­tos de hadas que gus­ta leer; eso la con­du­ce hacia un fas­ci­nan­te labe­rin­to don­de sale al encuen­tro de un gro­tes­co y seduc­ti­vo fauno (Doug Jones) quien le hace saber que debe­rá pasar tres difí­ci­les prue­bas para lle­gar a con­ver­tir­se en prin­ce­sa de un fas­ci­nan­te reino.

Inter­ca­lan­do per­ma­nen­te­men­te la reali­dad con el ensue­ño de la ima­gi­na­ción, la his­to­ria man­tie­ne un sos­te­ni­do nivel de sus­pen­so a lo lar­go de una tra­ma ori­gi­nal y meta­fó­ri­ca de la fan­ta­sía refle­jan­do la vida real.

Uno no pue­de menos que sen­tir­se des­lum­bra­do por la inten­si­dad que impri­me Del Toro a su rela­to y de la maes­tría en el mane­jo de los efec­tos espe­cia­les que con­fie­re una excep­cio­nal belle­za visual a la dure­za de la historia.

La repo­si­ción de El Labe­rin­to del Fauno ten­drá lugar en selec­tas salas de Cine­plex a par­tir del 9 de octu­bre. Jor­ge Gutman