HA-CHAN, SHAKEYOURBOOTY! Estados Unidos, 2026. Un film de Josef Kubota Wladyka. 122 minutos.
Una agradable comedia dramática no exenta de cierto tono fantástico es lo que se vislumbra en Ha-Chan, Shake Your Booty! donde el realizador Josef Kubola Wladyka centra su atención en el mundo de la danza de salón.
El cineasta dedica el film a su madre quien fue una mujer apasionada por el baile de salón competitivo; es así que su guión compartido con Nicholas Huynh se centra en un matrimonio que siente la misma atracción por este género.
Rinco Kikuchi
Mediante una historia desarrollada en 8 capítulos y un epílogo que transcurre en Tokio, se observa a Haru (Rinko Kikuchi) con su esposo mexicano Luis (Alejandro Edda), una pareja muy bien avenida y feliz de la vida, quienes con gran entusiasmo se aprestan a participar en uno de los concursos de baile de salón competitivo que tiene lugar en la ciudad. Lamentablemente en forma inesperada Luis fallece de un infarto en donde Haru que ha sido su fiel y devota compañera se ve forzada a tener que vivir sin él.
Nueve meses después la viuda sobrelleva el duelo manteniéndose apartada del mundo que la rodea: es así que en ocasión de cumplir los 46 años, ella no está presente en la fiesta de celebración que sus amistades habían preparado para la ocasión. En esa etapa tanto su querida hermana Yuki (Yoh Yoshida) y su caótica prima Hiromi (YOU, sobrenombre de Yukiko Ehara) la estimulan para que retorne al estudio de danza y finalmente terminan convenciéndola. Es allí que conoce al instructor de danza Fedir (Alberto Guerra), un carismático individuo que mantiene un matrimonio abierto con su esposa Mila (Keren Louis), ausente en París. Al compás de los ritmos de baile que Fedir enseña, incluyendo entre otros tango, paso doble, cha-cha y rumba, la vida de Haru adquiere una dimensión que la revive de su estado actual.
Sin olvidar a Luis creyendo en su imaginación que él la visita por las noches convertido en un cuervo gigante, las lecciones de baile que recibe de Fedir desembocan en una febril e íntima relación amorosa en la que nuevamente Haru se siente feliz. Las escenas de baile así como el vínculo íntimo se van sucediendo entre ambos hasta el momento en que la esposa de Fedir retorna y a partir de allí Haru se siente celosa complicando en parte la relación con su amante.
El film se valoriza por el contagioso ritmo febril impreso por el realizador generando un notable dinamismo a lo largo de su exposición en gran parte reforzado por su calificado elenco donde se destaca la admirable actuación de Kikuchi a través de la energía insuflada como actriz y bailarina, reflejando la gran emoción que siente bailando. No menos importante es la muy convincente interpretación brindada por Guerra que ha sido muy bien preparado para las escenas de baile.
La música de Nathan Halpern constituye un factor esencial de esta historia así como los bailes magníficamente coreografiados por Chikato Takemoto y Miri Murano. Entre la treintena de atractivos números musicales, algunos de ellos con sabor latino, se encuentran Tango, Tú me enseñaste, Nosotros, Alma con Alma, Tu Vives en mi ser, Celos y Seductivo Bolero. A su vez, igualmente encomiable es el diseño de producción de Masami Tanaka así como la esplendida fotografía lograda por Daniel Satinoff.
En suma, Kubota Wladyka ofrece una deleitable comedia de baile de salón que sin duda reúne los ingredientes necesarios para conquistar al público. Jorge Gutman
HEARTOFTHEBEAST. Estados Unidos, 2026. Un film de David Ayer. 101 minutos
El entrañable sentimiento de amistad generado entre un perro y su amo es el tema central de la emotiva historia Heart of the Beast dirigida por David Ayer.
Brad Pitt y Uber
La película sigue la trayectoria de James Belmont (Brad Pitt), un sargento retirado de las Fuerzas Especiales de la armada de Estados Unidos que acompañado de su fiel compañero canino Odin (Uber), un perro ovejero de combate militar, están disfrutando del aire puro en una remota zona de Alaska. Cuando viajando en el pequeño hidroavión de James se produce un accidente en donde el aparato se estrella en medio de una inhóspita selvática región, comienza para él y su compinche el inicio de una odisea de efectuar una caminata de 93 kilómetros a fin de arribar a un lugar seguro.
A través de esa larga marcha, numerosos obstáculos deberán vencer donde entre los mismos se encuentran animales salvajes. A ello se agrega las pesadillas de James recordando sus incursiones en la Guerra del Golfo y a sus compañeros caídos en esa misión militar.
En este relato de sobrevivencia desprovisto de la ayuda exterior, lo más resaltante es el mutuo apoyo de los dos compañeros donde queda reflejado el profundo sentimiento de amor existente entre ambos. Siendo en casi todo su contenido, los dos únicos protagonistas, Pitt logra un excelente desempeño a través de los traumatismos vividos por la guerra así como su convivencia con el canino; en tal sentido, mención especial merece la actuación de Uber animando al fiel Odin que sin duda es la mejor que se ha visto hasta la fecha, después del canino interpretado en el meritorio film L’Artist (2011) de Michel Hazanvicius. El prodigioso animal demuestra una inteligencia y sentimientos afectivos semejantes a la del ser humano y es eso lo que causa admiración en esta película, observando la íntima relación y espiritualidad del perro con James.
Sin entrar a develar el desenlace de Heart of the Beast, solo cabe anticipar que es auténticamente conmovedor. No obstante ciertas imprecisiones de la puesta escénica, eso no desmerece el trabajo del cineasta ofreciendo un film de enorme ternura que permite concitar la plena atención del espectador. Jorge Gutman
THESTUNTDRIVER. Canadá, 2026. Un film escrito y dirigido por Michael Dowse. 99 minutos
El realizador Michael Dowse en The Stunt Driver rinde tributo al montrealés Ken Carter quien fue el renombrado conductor acrobático y doble de riesgo automovilístico de Canadá. A pesar de las buenas intenciones del director, el resultado no es del todo satisfactorio.
Jay Baruchel
La historia que comienza en 1976 muestra al intrépido deportista Carter (Jay Baruchel) tratando de lograr la misma visibilidad del gran acróbata Evel Knievel (Ben Foster). De ese modo su apasionamiento por ser el campeón absoluto en la materia es el de batir un récord a través de efectuar el más audaz y peligroso salto histórico de su carrera con un automóvil propulsado por cohetes.
Para tal fin, Carter además de convencer a los promotores que financiarán el proyecto, cuenta con el invaluable apoyo del diseñador y técnico automotriz Dick Keller (Ed Helms) y de su querida esposa Gloria (Laurence Leboeuf); asimismo debe superar las maniobras de su rival Knievel que trata de desestabilizarlo. Los preparativos se desarrollan a lo largo de tres años para construir el especializado vehículo pero cuando llega el momento de ponerlo a prueba en septiembre de 1979 nada resulta de acuerdo a lo planeado.
El relato prosigue en los tres años subsiguientes donde el piloto debe enfrentar considerables desafíos técnicos y financieros hasta que llega el gran momento en que Ken arriesga su vida recorriendo una distancia de 1600 metros a través del río St. Laurent a bordo de su coche Pontiac Firebird impulsado por cohetes; en ese salto mortal fallece trágicamente el 5 de septiembre de 1983 en Peterborough (Ontario).
A través de una narración que entremezcla una rudimentaria comedia con tono dramático, Dowse no logra un estilo definido y eso se debe a la insuficiencia de su desigual guión. De todos modos lo que más sobresale es el nivel interpretativo del elenco. Baruchel remarcablemente transmite la excentricidad del ferviente acróbata de riesgo que no obstante es al propio tiempo vulnerable demostrando sus dudas y espacios sombríos. En el único personaje femenino Leboeuf expresa calidez en la esposa que en principio acompaña incondicionalmente a Ken, aún cuando llegado un momento prefiere desligarse de él; asimismo es convincente la interpretación de Helms como el ingeniero técnico automotriz del proyecto en tanto que Foster animando a Knievel ofrece uno de los momentos de mayor tensión del relato al enfrentarse en una pelea con Carter.
Basado en hechos reales, esta peculiar película es suficientemente entretenida permitiendo así su visión a pesar de que no alcance totalmente a convencer. Jorge Gutman
THEWEIGHT. Alemania-Estados Unidos, 2026. Un film de Padraic McKinley. 112 minutos
Promisorio debut es el del novel director Padraic McKinley ofreciendo en The Weight, un drama bien ejecutado que está ambientado en Oregón en 1933 en la época de la gran depresión americana.
Ethan Hawke
El relato presenta a Murphy (Ethan Hawke), un hombre viudo que en el comienzo se lo ve con su hijita Penny (Avy Berry) en procura de un piso donde habitar; a raíz de una confusión por parte de la policía, se produce un altercado en donde Murphy resulta injustamente encarcelado en tanto que Penny es enviada a un hogar de acogida. Durante su encierro, junto con otros reclusos es obligado a trabajar en un campo de labores forzadas bajo la supervisión de Clancy (Russell Crowe), el alcalde de la zona.
El ágil desempeño de Murphy le permite granjearse el respeto y la confianza del supervisor y es así que Clancy le ofrece efectuar una arriesgada misión que de realizarla satisfactoriamente le permitirá quedar excarcelado y reunirse nuevamente con su niña a tiempo para evitar que sea entregada en adopción. Consecuentemente, Murphy no duda en aceptar el trabajo encomendado que junto con otros presidiarios deberán trasladar un cargamento de varios lingotes de oro contrabandeados, para evitar que sean requisados por el gobierno en esa etapa del atroz deterioro del sistema económico. En esa expedición a la que se une Anna (Julia Jones), una cocinera indígena, el grupo es fuertemente vigilado por dos guardias armados incluyendo al malicioso Amis (Sam Hazeldine).
El viaje a través de la salvaje región boscosa de Oregón no está exento de peligros en donde abundan algunas situaciones violentas entre los integrantes de la misión y en una escena de máxima tensión Murphy cargando el peso del cargamento debe atravesar por un peligroso puente de cuerdas.
Sin entrar en mayores detalles sobre el azaroso trayecto, lo cierto es que McKinley proporciona un efectivo western de supervivencia nutrido de vertiginosa acción. A pesar de que el guión de Matthew Chapman y Shelby Gaines incluye algunas subtramas no muy desarrolladas, el espectador aprecia la intensa tensión generada en gran parte del relato.
Además de la eficiente realización del novel cineasta, el elenco que ha convocado es irreprochable en donde sobresale la excelente caracterización de Ethan Hawke transmitiendo la ansiedad del convicto en lograr su libertad para poder reencontrarse con su hijita; por su parte, en una breve aparición resulta satisfactoria la actuación del veterano Crowe. En los aspectos técnicos se destaca la fotografía de Matteo Cocco captando la majestuosidad de la naturaleza salvaje del Oeste americano, a pesar de que la filmación fue realizada en Bavaria, al sureste de Alemania.
En esencia, sin ser excepcional, The Weight reúne suficientes méritos para gratificar a una amplia audiencia que aprecia los buenos relatos de acción. Jorge Gutman
Destacando la presencia de nuevos realizadores, la sección Discovery del TIFF ha programado esta ópera prima de Katharina Rabl que ha sido su trabajo de graduación de estudios cinematográficos en filmes documentales realizados en la Universidad de Munich.
MEMORIESOF A FOREST
El guión de Rabl escrito con Karla Cristobal, enfoca a Frieda (Julia Windischbauer), una joven estudiante austríaca que está en vías de escribir su tesis de doctorado con la perspectiva de obtener un puesto de asistente de investigación en la prestigiosa Universidad de Viena. Cuando inesperadamente recibe la noticia del fallecimiento de su querida abuela, regresa a su pueblo natal de Rechnitz, una zona de planicies y montañas, creyendo que permanecerá no más de dos días.
Grande es su sorpresa al enterarse de que la difunta le ha dejado como herencia 15 hectáreas de bosque de abetos. Dado que sus progenitores Johanna (Johanna Orsini) y Alexander (Dominik Warta) atraviesan serias dificultades económicas, su madre que se ocupaba a tiempo completo de su abuela, desea vender el terreno a lo que Frieda en principio se opone. Es así que dada la situación reinante la permanencia de Frieda se prolonga en la medida que siente la necesidad de ayudar económicamente a sus padres. Para ese propósito ella se vincula con su amigo de infancia Friedrich (Lukas Walcher) para talar algunos árboles y vender las maderas obtenidas a fin de aliviar la tensión existente en el seno familiar. Sin embargo una gran plaga de escarabajos afecta la corteza, surgiendo por consiguiente la duda de si la herencia recibida le resultará rentable.
El foco central del bien construido relato estriba en la herencia familiar a través de generaciones reflejando el peso que acarrea Frieda en decidir cuál camino habrá de seguir; por una parte es optar por una auspiciosa carrera académica, en tanto que por la otra es su deber moral de devolver algo a sus padres siguiendo los mismos pasos de su abuela que renunció a una carrera profesional para dedicarse a la explotación del terreno.
Con una narración contenida a la vez que sutil Rabl consigue que el relato atrape, reforzado por un sólido elenco encabezado por la impecable actuación de Windischbauer. Asimismo notable es la visión cuasi documental de la directora agraciada por la deslumbrante fotografía de Jacob Kohl al captar la naturaleza de la rural foresta que se convierte en un personaje adicional del film.
Soy Mario (México)
En su primer largometraje como realizadora la actriz mexicana Sharon Kleinberg encara el delicado tema de la identidad genérica desde una visión distintiva teniendo como protagonista a un personaje transexual. Lo que aquí se contempla es producto de un trabajo de investigación que la directora efectuó durante varios años entrevistando a personas trans permitiendo que su elaborado guión adquiera completa autenticidad.
SOYMARIO
La historia presenta al cuadragenario Mario (Oustin de León), que nació y fue bautizada como mujer de nombre María. Habiendo realizado su transición masculina, se comporta como tal y es así que como taxista de profesión no hay vestigio alguno que denuncie su transformación en su trato con el medio que lo rodea, fundamentalmente masculino. Naturalmente que sus dos hermanas (Fernanda Rivera, Mayra Batalla) como su madre (Mercedes Hernández) con quienes él convive saben de su transexuaidad.
La situación adopta un giro inesperado cuando la doctora que atiende a Mario descubre que está embarazado. Si bien ese hecho en cierta forma satisfaría el deseo de ser padre, él se ve obligado a ocultar su situación teniendo en cuenta los prejuicios existentes de la sociedad machista frente a la imperante desigualdad genérica. Si bien en principio trata de recurrir a un aborto, finalmente cambia su decisión aunque es consciente de que llegará el momento en que su aspecto físico no podrá ser disimulado frene a sus colegas.
Si bien cabe en el espectador la pregunta de si es posible que una persona transexual masculina pueda concebir, la situación de Mario biológicamente es factible en la medida que su identidad genérica no afecta sus órganos reproductivos.
La novel cineasta ha logrado una excelente narrativa abordando con suma delicadeza los efectos sociales que acarrea el embarazo de Mario evitando por completo que el relato pueda caer en un artificial sentimentalismo. Claro está que en gran medida la vitalidad del film es debido a la excelente interpretación que Oustin de León ofrece en el rol protagónico teniendo en cuenta que no se trata de un actor profesional; siendo realmente un hombre transexual, él vuelca con espontánea naturalidad y remarcable intensidad los sentimientos de un hombre de noble humanidad que frente a la circunstancia especial que atraviesa encuentra la necesaria fortaleza para contrarrestar su vulnerabilidad A su lado se lucen Mercedes Hermández como la comprensiva madre Inés que apoya a su hijo, Ruth Ramos caracterizando a Jessica, el interés sentimental de Mario aunque la relación no fructifica al saber de su gestación y Héctor Kotsifakis animando a Joaquín, uno de los colegas del protagonista con quien mantiene un especial vínculo.
Con su elogiable ópera prima, Kleinberg genera considerable expectativa en sus futuros proyectos fílmicos.
Amor es el Monstruo (Costa Rica-Perú-Panamá-Chile-México)
Después haber presentado en el TIFFPor las Plumas (2013) y Cascos Indomables (2018), el director costarricense Neto Villalobos Brenes retorna al festival con Amor es el Monstruo.
AMORESELMONSTRUO
De lo que el realizador ha manifestado a la prensa este film nace de una necesidad muy personal de hablar sobre su fallecida madre que en la medida de que su vida se volvía más dificultosa, ella encontró en su nieta la fuerza necesaria para seguir viviendo.
La historia ambientada en un país latinoamericano, adopta un tono de misterio y suspenso en el marco de una sociedad futurista fragmentada donde la vida es peligrosa y controlada. El guión del cineasta escrito con Diego van der Laat presenta a una madre (Natala Regidor) y su hijita de seis años (Gloriana Vargas) viviendo en El Perímetro, una amplia zona cercada y supervisada por guardianes de manera que ellas al igual que los que allí habitan estén fuera de cualquier peligro. Es ahí donde la abuela de la niña (Paulina Garcia), una septuagenaria que es consciente que no le queda mucho por vivir, visita a su adorada nietita con la que ambas encuentran el gran placer que las une cuando están juntas. A través de algunos incidentes que ocurren la relación de la abuela con su hija se deteriora, sobre todo cuando ella contrata a una niñera (Ericka Reikendorf) para cuidar en su ausencia a la niña.
El núcleo dramático del relato se produce cuando en una salida de la abuela con su nieta, la anciana la pierde de vista lo que motiva su desesperación por hallarla. A partir de allí, la historia refleja la odisea de la anciana que nutrida de nobles sentimientos recurre a medidas extremas con tal de recuperar a la pequeña.
Adoptando una estética distópica, la narrativa de Villalobos logra que el film atraiga al espectador, a través de un audaz planteo que ciertamente motiva la discusión, acerca de si realísticamente es factible de que el amor pueda transformarse en implacable violencia. En todo caso la gravitación de esta historia radica en la extraordinaria caracterización que la estupenda actriz Paulina García logra en el personaje protagónico, convertido en el centro de un grave conflicto moral.
La Libertad Doble (Chile-Argentina-Luxemburgo-Alemania-Gran Bretaña)
Lisandro Alonso con su primer largometraje La Libertad realizado en 2001 emergió como un notable realizador del nuevo cine argentino, relatando de manera minimalista y con hipnóticas imágenes el diario vivir de un leñador en una zona aislada de la provincia argentina La Pampa. Actualmente, con el mismo personaje y actor que lo caracteriza Alonso retorna con La Libertad Doble, una suerte de secuela que puede ser juzgada independientemente del film original.
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La mínima trama expone al solitario Misael (Misael Saavedra) nuevamente talando árboles, aunque en esta oportunidad en lugar del hacha se vale de una motosierra; durante casi 30 minutos la cámara minuciosamente lo enfoca desmenuzando técnicamente la labor que efectúa, estando acompañado de su perro faldero. De regreso a su primitiva choza ubicada en una apartada región boscosa se lo ve preparando su comida utilizando el fuego como cocina y posteriormente saboreando la carne asada.
Un cambio altera la existencia del leñador cuando recibe la noticia de que su hermana Micaela (Catalina Saavedra) internada en un hospital psiquiátrico desde hace varios años a causa de su inestabilidad mental, ha intentado escapar. Al llegar al nosocomio. el médico (Adrián Fondari) que lo recibe le comunica que por restricciones presupuestarias Micaela ya no podrá seguir viviendo allí; en todo caso los diversos remedios que Micaela debe ingerir en diferentes momentos del día seguirán siendo subsidiados.
De allí en más, habiendo vivido hasta el presente solitariamente, el leñador deberá preocuparse de convivir con su hermana y de prestar la máxima atención de los medicamentos que debe suministrarle. En cuanto a Micaela, estando libre por primera vez comienza a disfrutar de lo que el ámbito natural del lugar le ofrece, ya sea acariciando los árboles del bosque, acercándose a la vía férrea del tren local o bien regando las plantas.
Lo que resta del escueto relato de escasos diálogos que transcurre en dos jornadas queda en la audiencia imaginar cómo se desenvolverá la vida futura de Misael y Micaela.
Con una buena filmación en 16 milímetros nutrida de tomas alargadas, Alonso se aparta de una narración convencional permitiendo que trascienda la convincente caracterización de sus dos protagonistas. Aunque su escasa trama carece de emoción, los cinéfilos fieles del cine de Alonso apreciarán esta respetable propuesta que puede ser interpretada como una meditación de lo que entraña la libertad o qué significa poder disfrutarla sin restricción alguna.
