MAGE­LLAN. Por­tu­gal-Espa­ña-Fran­cia-Fili­pi­nas-Tai­wán, 2025. Un film escri­to y diri­gi­do por Lav Díaz. 163 minutos

En un épi­co a la vez que hip­nó­ti­co film el mul­ti­pre­mia­do rea­li­za­dor fili­pino Lav Diaz enfo­ca en Mage­llan, al legen­da­rio expe­di­cio­na­rio por­tu­gués Fer­nan­do de Magallanes.

Sin ser una bio­gra­fía del míti­co explo­ra­dor, el pro­pó­si­to es el de ilus­trar su par­ti­ci­pa­ción en el estruen­do­so efec­to de la colo­ni­za­ción con espe­cial refe­ren­cia a Fili­pi­nas. En su comien­zo que tie­ne lugar en 1511 se obser­va en una aldea de Malac­ca (Fili­pi­nas) a una nati­va mujer des­pro­vis­ta de ropas que corre des­afo­ra­da­men­te a los gri­tos al pre­sen­ciar la lle­ga­da de hom­bres blan­cos. Inme­dia­ta­men­te se com­prue­ba que se ha regis­tra­do una cruel masa­cre con cadá­ve­res espar­ci­dos de la pobla­ción local.

Gael Gar­cía Bernal

De inme­dia­to el guión del rea­li­za­dor tras­la­da la acción a Lis­boa don­de Maga­lla­nes (Gael Gar­cía Ber­nal) tra­ba­jan­do a las órde­nes del gene­ral Alfon­so de Albur­que­que (Roger Koza), no está muy satis­fe­cho dado que el rey Manuel I de Por­tu­gal está en des­acuer­do con la expe­di­ción que inten­ta­ba rea­li­zar. En con­se­cuen­cia se diri­ge a Sevi­lla don­de en 1518 el sobe­rano Car­los I le per­mi­te con­cre­tar su pro­pó­si­to de explo­ra­dor marí­ti­mo tenien­do como meta lle­gar a las Islas Molu­cas (Indo­ne­sia). Así Maga­lla­nes efec­túa la pri­me­ra cir­cun­va­la­ción de la tie­rra median­te un via­je des­de el Océano Atlán­ti­co has­ta el Océano Pacífico.

En la lar­ga tra­ve­sía de alta­mar Maga­lla­nes coman­dan­do la tri­pu­la­ción enfren­ta diver­sos obs­tácu­los moti­va­dos por con­flic­tos emer­gen­tes de los expe­di­cio­na­rios que van suble­ván­do­se lle­gan­do al lími­te de expo­ner la fal­ta de cor­du­ra mental.

La expe­di­ción fina­li­za en 1521 con el arri­bo a Fili­pi­nas, don­de Maga­lla­nes per­si­gue indoc­tri­nar la fe cris­tia­na a los nati­vos, eli­mi­nan­do cual­quier reli­gión con excep­ción de la cató­li­ca. En ese inten­to y con el cla­ro pro­pó­si­to de colo­ni­zar la región, que­da mani­fes­ta­da la atro­ci­dad come­ti­da a la pobla­ción autóctona.

Sin cues­tio­nar la rigu­ro­si­dad his­tó­ri­ca de lo expues­to, lo tras­cen­den­te es que Díaz logra un film des­lum­bran­te que resul­ta a todas luces fas­ci­nan­te. Como una suer­te de hom­bre orques­ta, el rea­li­za­dor ade­más de guio­nis­ta ha teni­do a su car­go el exce­len­te dise­ño de pro­duc­ción como asi­mis­mo la foto­gra­fía que con la cola­bo­ra­ción de Artur Tort cap­ta pri­me­ros pla­nos de nota­ble dimen­sión del entorno en que trans­cu­rre esta his­to­ria. Igual­men­te es loa­ble cómo Díaz ha evi­ta­do refle­jar las bata­llas de exter­mi­na­ción huma­na resal­tan­do úni­ca­men­te sus consecuencias.

El rea­li­za­dor reu­nió un homo­gé­neo elen­co lide­ra­do por Gar­cía Ber­nal quien ofre­ce una estu­pen­da carac­te­ri­za­ción del pro­ta­go­nis­ta des­de sus comien­zos como un joven idea­lis­ta has­ta lle­gar a con­ver­tir­se en un des­agra­da­ble tirano; ade­más de Koza, igual­men­te se des­ta­ca Ánge­la Aze­ve­do ani­man­do a Bea­triz, la espo­sa de Maga­lla­nes; aun­que ese víncu­lo sen­ti­men­tal no cons­ti­tu­ya el moti­vo rele­van­te del film per­mi­te en par­te huma­ni­zar la per­so­na­li­dad del explorador.

En esen­cia, con su espe­cial esti­lo fíl­mi­co Díaz nue­va­men­te rati­fi­ca su con­di­ción de cineas­ta de relie­ve inter­na­cio­nal enca­ran­do este ambi­cio­so pro­yec­to que sin ape­lar a un espec­tácu­lo sen­sa­cio­na­lis­ta demues­tra la des­car­na­da vio­len­cia apa­re­ja­da por la colo­ni­za­ción espa­ño­la. Jor­ge Gutman

L’ÉTRANGER. Fran­cia, 2025. Un film de Fra­nçois Ozon. 122 minutos

La valio­sa fil­mo­gra­fía del rea­li­za­dor Fra­nçois Ozon se ve enri­que­ci­da con L’Étranger, una nue­va ver­sión de la céle­bre obra homó­ni­ma de Albert Camus publi­ca­da en 1942. Si bien Luchino Vis­con­ti ofre­ció su visión de dicha nove­la en 1967 con la inter­pre­ta­ción pro­ta­gó­ni­ca de Mar­ce­llo Mas­troian­ni, Ozon no imi­ta al gran direc­tor ita­liano, sino que a tra­vés de su ópti­ca sigue fiel­men­te la filo­so­fía del absur­do refle­ja­da en el tra­ba­jo del Pre­mio Nóbel de Literatura.

Ben­ja­min Voisin

El guión de Ozon escri­to con la cola­bo­ra­ción de Phi­lip­pe Piaz­zo ambien­ta la acción en Arge­lia en 1938 pre­sen­tan­do a Meur­sault (Ben­ja­min Voi­sin), un fran­co arge­lino tra­ba­jan­do de ofi­ci­nis­ta que al comien­zo del rela­to ines­pe­ra­da­men­te reci­be un tele­gra­ma infor­mán­do­le la muer­te de su madre. Tras­la­dán­do­se de inme­dia­to a la resi­den­cia de ancia­nos en don­de ella vivía para asis­tir al velo­rio y pos­te­rior­men­te a su entie­rro, no refle­ja el míni­mo sen­ti­mien­to de pena o dolor, excep­to que sen­ci­lla­men­te se encuen­tra allí por ser su hijo. A su regre­so y estan­do en la pla­ya es con­tac­ta­do por Marie (Rebec­ca Mader), una ami­ga con quien enta­bla un víncu­lo sen­ti­men­tal aun­que siem­pre demos­tran­do una acti­tud apá­ti­ca. A su vez el con­tac­to man­te­ni­do con Ray­mond (Pie­rre Lot­tin), un vecino mani­pu­la­dor y de vio­len­ta acti­tud hacia su aman­te arge­li­na Dja­mi­la (Hajar Bou­zaouit), moti­va­rá que a tra­vés de una serie de inci­den­tes, Meur­sault se sien­ta impul­sa­do a ase­si­nar a un ára­be sin razón alguna

Con una sobria fil­ma­ción en blan­co y negro, Ozon brin­da un con­cien­zu­do retra­to de la vida de este anti­hé­roe, un ser inca­paz de expre­sar emo­ción. Eso se rati­fi­ca cuan­do al ser arres­ta­do y some­ti­do a jui­cio demues­tra al jura­do que lo juz­ga una com­ple­ta indi­fe­ren­cia sin que inten­te ofre­cer defen­sa algu­na al reco­no­cer el cri­men come­ti­do. Con una ausen­cia de afec­to e imbui­do de frial­dad él se sien­te ajeno a sí mis­mo, sien­do a la vez un ale­ja­do de quie­nes le rodean y un extra­ño en el mun­do en que vive; es así que cuan­do es con­de­na­do a la pena capi­tal, reci­be la sen­ten­cia con com­ple­ta natu­ra­li­dad sin lle­gar a inmutarse.

La remar­ca­ble direc­ción de Ozon se ve real­za­da por la exce­len­te inter­pre­ta­ción de Voi­sin quien admi­ra­ble­men­te expre­sa la inex­pre­si­vi­dad de su per­so­na­je que excep­cio­nal­men­te alcan­za a reac­cio­nar cuan­do con furia recha­za al cape­llán de la pri­sión (Swann Artaud) en vís­pe­ra de su eje­cu­ción. A todas luces Voi­sin se sumer­ge en la psi­co­lo­gía del enig­má­ti­co per­so­na­je cuyo nihi­lis­mo le moti­va a creer que en un mun­do sin pro­pó­si­to alguno la úni­ca con­cre­ta reali­dad cons­ti­tu­ye la muerte.

La sola liber­tad adop­ta­da por el direc­tor con res­pec­to al libro de Camus, es que el autor no hace refe­ren­cia al colo­nia­lis­mo fran­cés en Arge­lia, aspec­to que el film lo abor­da aun­que de mane­ra sos­la­ya­da como algu­nos escri­tos en cier­tas pare­des sobre una Arge­lia inde­pen­dien­te. De todos modos resul­ta de inte­rés la bue­na recrea­ción de épo­ca de la ciu­dad gra­cias al impe­ca­ble dise­ño de pro­duc­ción de Katia Wyszkop.

En con­clu­sión, con su vigé­si­mo cuar­to lar­go­me­tra­je Ozon rati­fi­ca su con­di­ción de ser uno de los más impor­tan­tes rea­li­za­do­res del sép­ti­mo arte. Jor­ge Gutman

THE CHO­RAL. Gran Bre­ta­ña, 2025. Un film de Nicho­las Hyt­ner. 113 minutos

Las vici­si­tu­des atra­ve­sa­das por una ins­ti­tu­ción de músi­ca coral duran­te la Pri­me­ra Gue­rra es lo que se apre­cia en The Cho­ral, un dra­ma de épo­ca diri­gi­do por Nicho­las Hytner.

El cineas­ta bri­tá­ni­co se vale del guión pro­vis­to por el pres­ti­gio­so nona­ge­na­rio autor tea­tral Alan Ben­nett quien ambien­ta la tra­ma en 1916 en la fic­cio­nal ciu­dad de Rams­den ubi­ca­da en Yorkshi­re, don­de sus habi­tan­tes viven la tris­te reali­dad que engen­dra el con­flic­to béli­co con la pér­di­da de gran núme­ro de soldados.

Ralph Fien­nes

Eso no impi­de para que Alder­man Dux­bury (Roger Allam), el orga­ni­za­dor y bene­fac­tor de la Socie­dad Coral local, con la cola­bo­ra­ción del fotó­gra­fo Joe Flyt­ton (Mark Addy) deci­da rea­li­zar su anual con­cier­to coral, pero para ello requie­re sus­ti­tuir al direc­tor del coro que dejó su pues­to para alis­tar­se en el ejér­ci­to impi­dien­do la eje­cu­ción de La Pasión según San Mateo de Bach. Es así que es con­vo­ca­do el Dr. Henry Guth­rie (Ralph Fien­nes) como el nue­vo maes­tro de coro, en todo caso esa elec­ción no está exen­ta de con­tro­ver­sia debi­do a que Guth­rie había diri­gi­do con­cier­tos en Ale­ma­nia antes de la gue­rra mos­tran­do visos de sim­pa­tía hacia la crea­ción artís­ti­ca de ese país y uni­do a ello su orien­ta­ción homo­se­xual es con­si­de­ra­da ilegal.

Ponién­do­se de lleno a su tra­ba­jo, Guth­rie acom­pa­ña­do de su pia­nis­ta (Robert Emms) deci­de diri­gir una adap­ta­ción del ora­to­rio The Dream of Geron­tius de Edward Elgar (Simon Rus­sell Bea­le) de quien obtie­ne el per­ti­nen­te per­mi­so para su eje­cu­ción, aun­que pos­te­rior­men­te el com­po­si­tor le obje­ta­rá por cier­tos cam­bios efectuados.

En la medi­da que se tra­ta de una mag­na obra en la que se requie­re más de un cen­te­nar de coris­tas es nece­sa­rio efec­tuar una cui­da­do­sa selec­ción de los voca­lis­tas, tenien­do en cuen­ta que muchos de los capa­ci­ta­dos se encuen­tran en el ejér­ci­to. En todo caso en esa bús­que­da logra encon­trar algu­nas voces valio­sas como es el caso de Mary (Ama­ra Oke­re­ke), una entra­ña­ble volun­ta­ria del Ejér­ci­to de Sal­va­ción, así como Cly­de (Jacob Dud­man), un joven recién retor­na­do de la con­tien­da don­de per­dió su bra­zo dere­cho y que está igual­men­te dota­do de una vir­tuo­si­dad vocal de tenor.

Gran par­te del rela­to se nutre de las audi­cio­nes efec­tua­das a quie­nes aspi­ran inte­grar el coro, la rea­li­za­ción de los ensa­yos per­ti­nen­tes así como la intro­duc­ción de varias tra­mas sub­si­dia­rias. De mane­ra glo­bal, el film ado­le­ce de una narra­ción que no siem­pre logra una com­ple­ta cohe­sión impi­dien­do que la tra­ma alcan­ce un mayor vue­lo; asi­mis­mo el gran núme­ro de per­so­na­jes que inte­gran el coro impi­den que sean tra­ta­dos con mayor profundidad.

No obs­tan­te las obje­cio­nes seña­la­das, The Cho­ral per­mi­te ilus­trar cómo el vigor de la músi­ca ele­va el espí­ri­tu sien­do de gran ali­cien­te para ate­nuar las con­se­cuen­cias cola­te­ra­les del con­flic­to béli­co sufri­das por la población.

Den­tro de un cali­fi­ca­do elen­co lide­ra­do por, Fien­nes; este talen­to­so actor logra impri­mir en su per­so­na­je la vita­li­dad reque­ri­da para guiar a los miem­bros del coro. A su favor igual­men­te cabe con­sig­nar el buen dise­ño de pro­duc­ción de Peter Fran­cis repro­du­cien­do muy bien el perío­do en que trans­cu­rre la acción, así como la recon­for­tan­te músi­ca coral como ingre­dien­te prin­ci­pal de esta historia.

En con­clu­sión, este his­tó­ri­co dra­ma sin alcan­zar un gran impac­to emo­cio­nal, per­mi­te que su visión resul­te entre­te­ni­da. Jor­ge Gutman

REBUIL­DING. Esta­dos Uni­dos, 2025. Un film escri­to y diri­gi­do por Max Wal­ker-Sil­ver­man. 95 minutos

Un dra­má­ti­co even­to esbo­za­do con sen­ci­llez a la vez que con loa­ble huma­ni­dad es lo que el direc­tor y guio­nis­ta Max Wal­ker-Sil­ver­man ofre­ce en Rebuil­ding.

Josh O’Connor y Lily LaTorre

Ambien­ta­da en una zona rural del esta­do de Colo­ra­do, el lugar es afec­ta­do por un vio­len­to incen­dio fores­tal dejan­do con­si­de­ra­ble par­te de la comu­ni­dad sin techo ni hogar. Es en ese esta­do de deso­la­ción en el que el vaque­ro Dusty (Josh O’Connor) habien­do per­di­do su ran­cho por el fue­go se encuen­tra des­pro­vis­to de su fuen­te de ingre­sos; por esa razón con gran pena ofre­ce en rema­te su gana­do a fin de pro­veer­le el dine­ro nece­sa­rio para poder seguir ade­lan­te. Encon­trán­do­se des­orien­ta­do sin saber con­cre­ta­men­te cómo avi­zo­rar su futu­ro, su mora­da es aho­ra una cara­va­na en don­de otras per­so­nas en igual situa­ción con­vi­ven transitoriamente.

Un ele­men­to vital de su nue­vo tren de vida es su hiji­ta Callie-Rose (Lily LaTo­rre) de nue­ve años pro­duc­to del matri­mo­nio con­traí­do con su ex espo­sa Ruby (Meghann Fahy) quien aho­ra resi­de en la casa de su madre Bess (Amy Madi­gan) jun­to con su nue­va pare­ja Rob­bie (Sam Eng­bring), un afa­ble guitarrista.

Al haber esta­do inmer­so en su tra­ba­jo, Dusty no ha man­te­ni­do un fre­cuen­te víncu­lo con la niña; por esa razón es que en esta eta­pa cru­cial de su vida logra una rela­ción más estre­cha con ella rea­li­zan­do diver­sas acti­vi­da­des con­jun­tas, que inclu­ye la de mos­trar­le la mane­ra de ensi­llar su caba­llo. Al pro­pio tiem­po Dusty va cono­cien­do a sus veci­nos de cam­pa­men­to enta­blan­do entre ellos un lazo amis­to­so, espe­cial­men­te con Mila (Kali Reis); ella es una mujer que per­dió a su mari­do a cau­sa del fue­go y que tie­ne con­si­go a su hiji­ta Lucy (Zeil­yan­na Mar­tí­nez) de la mis­ma edad con quien Callie-Rose lle­ga a confraternizar.

Wal­ker-Sil­ver­man emplea un tono mini­ma­lis­ta ilus­tran­do muy bien la odi­sea de quie­nes ines­pe­ra­da­men­te deben afron­tar situa­cio­nes dra­má­ti­cas como la des­crip­ta. En tal sen­ti­do es loa­ble la auten­ti­ci­dad refle­ja­da en este dra­ma en don­de pre­do­mi­na la resi­lien­cia y la soli­da­ri­dad de gen­te sin hogar fijo vivien­do en esa comu­ni­dad de cara­va­nas, que en par­te se ase­me­ja a la pobla­ción nóma­de des­crip­ta por la direc­to­ra Chloe Zhao en Nomad­land.

En el mar­co de un rela­to don­de las imá­ge­nes refle­ja­das median­te peque­ños ges­tos gra­vi­tan más que los diá­lo­gos O’Connor logra una sobre­sa­lien­te carac­te­ri­za­ción del per­so­na­je pro­ta­gó­ni­co. El actor ideal­men­te per­so­ni­fi­ca al cow­boy taci­turno y cier­ta­men­te vul­ne­ra­ble que cobra con­cien­cia de que la tarea de recons­truc­ción no se limi­ta úni­ca­men­te a la de un nue­vo ran­cho sino tam­bién impli­ca recom­po­ner su futu­ra exis­ten­cia a tra­vés de la pre­sen­cia de su que­ri­da hija y de la huma­ni­dad ema­na­da de sus des­pla­za­dos veci­nos. Asi­mis­mo es des­ta­ca­ble la actua­ción de la peque­ña LaTo­rre quien trans­mi­te genui­na emo­ción en las esce­nas que Callie-Rose com­par­te con su padre.

Sin vio­len­cia algu­na, el rea­li­za­dor ha logra­do un mag­ní­fi­co y con­mo­ve­dor wes­tern en el que a pesar de la expe­rien­cia dolo­ro­sa acon­te­ci­da, deja una mira­da de alec­cio­na­do­ra espe­ran­za en la medi­da de que siem­pre exis­te un camino via­ble hacia la recons­truc­ción físi­ca y espiritual.

En los ren­glo­nes téc­ni­cos, la mag­ní­fi­ca foto­gra­fía de Alfon­so Herre­ra Sal­ce­do cap­tan­do el pano­ra­ma deso­la­dor de la región pro­ve­nien­te de los efec­tos pro­du­ci­dos por la fuer­za de la natu­ra­le­za, así como la músi­ca de Jake Xer­xes Fus­sell y James Elking­ton aso­cia­dos al espí­ri­tu del rela­to, son ele­men­tos que real­zan los valo­res de este humano film. Jor­ge Gutman

THE MOTHER AND THE BEAR. Cana­dá-Chi­le, 2024. Un film escri­to y diri­gi­do por Johny Ma. 100 minutos

El direc­tor cana­dien­se Johny Ma demues­tra pon­de­ra­ble sen­si­bi­li­dad abor­dan­do en The Mother and the Bear el tema de la rela­ción materno-filial en don­de dife­ren­tes cul­tu­ras entran en juego.

Kim Ho-jung

Todo comien­za en la ciu­dad de Win­ni­peg en ple­na épo­ca inver­nal cuan­do Sumi (Lee­re Park), una chi­ca corea­na de 26 años radi­ca­da en Cana­dá y que es maes­tra de escue­la, sufre un acci­den­te res­ba­lan­do en la nie­ve don­de apa­ren­te­men­te la pre­sen­cia de un soli­ta­rio oso deam­bu­lan­do por la ciu­dad pudo haber pro­vo­ca­do el inci­den­te. En con­se­cuen­cia su viu­da madre Sara (Kim Ho-jung) se tras­la­da des­de Corea a la capi­tal de Mani­to­ba sien­do reci­bi­da en el aero­puer­to por su cuña­da Min­ji (Susan Han­son) quien la tras­la­da al depar­ta­men­to recien­te­men­te arren­da­do por Sumi.

No obs­tan­te que se encuen­tra como “sapo de otro pozo” enfren­tan­do la fría tem­pe­ra­tu­ra de la ciu­dad y su igno­ran­cia del idio­ma inglés, logra lle­gar al hos­pi­tal don­de su hija se halla inter­na­da; habien­do sido indu­ci­da en un esta­do de coma, la doc­to­ra (Samantha Ken­drick) que la atien­de le hace saber que su hija pron­to logra­rá recobrarse.

Como madre desean­do que su hija encuen­tre un novio coreano de igual ori­gen y que siga resi­dien­do en su país natal, Sara no logró com­pren­der la deci­sión de que su hija opta­ra por vivir en otra región del mun­do. Es así que ese ines­pe­ra­do via­je, le per­mi­te hur­gar el depar­ta­men­to de Sumi para poder encon­trar cier­tos deta­lles sobre su vida cana­dien­se así cómo deter­mi­nar la razón por la cual aún per­ma­ne­ce sol­te­ra. En tal sen­ti­do cier­ta pis­ta pue­de obte­ner a tra­vés de Ama­ya (Ama­ra Pedro­so), una cole­ga y ami­ga de Sumi quien se preo­cu­pa por ella.

A pesar de seguir hos­pi­ta­li­za­da, Sara tra­ta­rá de con­se­guir­le un ade­cua­do mari­do coreano y a tra­vés del con­se­jo de una enfer­me­ra (Kalyn Bom­back) recu­rre a una apli­ca­ción en línea, adop­tan­do la per­so­na­li­dad de su hija al vin­cu­lar­se con el posi­ble cortejante.

Uno de los aspec­tos tras­cen­den­tes de su esta­día es el que fre­cuen­tan­do un res­tau­ran­te coreano cono­ce a su due­ño Sam (Won-Jae Lee), un com­pa­trio­ta que lle­gó hace varios años a Cana­dá, con quien enta­bla un lazo ami­ga­ble dado que sien­do una hábil coci­ne­ra le ayu­da a pre­pa­rar sucu­len­tas comi­das de su país. Ese víncu­lo amis­to­so moti­va a que Sam le haga cono­cer aspec­tos de la ciu­dad inclu­yen­do una visi­ta a un museo local, lo que per­mi­te a la mujer fami­lia­ri­zar­se con la cul­tu­ra local. Al igual que la rela­ción dis­tan­te man­te­ni­da entre Sara y Sumi en Corea, Sam atra­vie­sa simi­lar situa­ción con su adul­to hijo Min (Jonathan Kim) don­de ambos lle­gan a adqui­rir con­cien­cia de que sus hijos tie­nen el legí­ti­mo dere­cho de ser inde­pen­dien­tes mane­jan­do sus pro­pias vidas.

Entre sus varios acier­tos el cineas­ta remar­ca­ble­men­te ilus­tra cómo la cul­tu­ra corea­na no obs­tan­te ser dife­ren­te a la de Cana­dá per­mi­te que impe­re una con­vi­ven­cia armo­nio­sa. Así eso que­da demos­tra­do en la comi­da que Sara cola­bo­ra con Sam para la cele­bra­ción del Año Nue­vo Lunar de Corea, una de las fes­ti­vi­da­des más impor­tan­tes don­de las fami­lias corea­nas se reúnen para hon­rar a los ances­tros. Ade­más de su nota­ble pues­ta escé­ni­ca, Ma ha logra­do un buen elen­co don­de se des­ta­ca la mara­vi­llo­sa actua­ción de Kim; ella impe­ca­ble­men­te trans­mi­te los sen­ti­mien­tos de una abne­ga­da madre que aman­do a su hija tra­ta de com­pren­der acep­tán­do­la tal cual es, a la vez que cons­ta­ta que la tem­pe­ra­tu­ra géli­da de Win­ni­peg es atem­pe­ra­da por el humano calor emer­gen­te de la cul­tu­ral local.

La agra­da­ble músi­ca que inclu­ye algu­nos temas cono­ci­dos como “Unchan­ted Melody” y dos can­cio­nes lati­nas (“La Mujer” y Son­ríe­me”) se aso­cia muy bien al espí­ri­tu del film, que dicho sea de paso tie­ne como pro­duc­tor eje­cu­ti­vo al pres­ti­gio­so direc­tor chi­leno Pablo Larraín.

En con­clu­sión, Ma ha logra­do una his­to­ria de inmen­sa ter­nu­ra y cali­dez desem­bo­can­do con una impre­vi­si­ble emo­ti­va esce­na que sería inopor­tuno reve­lar. Jor­ge Gutman