HYGIĖ­NE SOCIA­LE. Cana­dá, 2021. Un film escri­to y diri­gi­do por Denis Côté. 75 minutos

Radi­cal, ecléc­ti­co, irre­ve­ren­te, pro­vo­ca­ti­vo, son algu­nos de los cali­fi­ca­ti­vos que carac­te­ri­zan al cine de Denis Côté tal como lo ha demos­tra­do a tra­vés de su fil­mo­gra­fía inte­gra­da por 13 lar­go­me­tra­jes y 4 cor­tos. En Hygiè­ne Socia­le nue­va­men­te asom­bra al espec­ta­dor ofre­cien­do una tea­tral sin­fo­nía pas­to­ral, cier­ta­men­te pre­cio­sis­ta en su aspec­to for­mal, lo que le ha vali­do obte­ner el pre­mio a la mejor rea­li­za­ción en la sec­ción Encoun­ters del Fes­ti­val de Berlín.

Maxim Gau­det­te y Kath­leen Fortin

Rea­li­za­do en pleno perío­do pan­dé­mi­co, su tema no está refe­ri­do a esta mal­di­ta pla­ga, aun­que sus per­so­na­jes estan­do pre­sen­tes de a dos a la vez, guar­dan una dis­tan­cia social entre 5 y 6 metros a la mane­ra de cier­tas obras de auto­res clá­si­cos del tea­tro fran­cés como Raci­ne y Corneille.

La his­to­ria rela­ta­da está con­for­ma­da por varias viñe­tas con lar­gos pla­nos fijos fil­ma­dos a con­si­de­ra­ble dis­tan­cia y que trans­cu­rren a la luz del día en pleno cam­po abier­to. Su pro­ta­go­nis­ta es Anto­nin (Maxim Gau­det­te), un inma­du­ro adul­to taram­ba­na, que sin domi­ci­lio fijo per­noc­ta en el coche de un ami­go y para sub­sis­tir se vale de peque­ños robos efec­tua­dos a gen­te des­pre­ve­ni­da. Eso no impi­de que se con­si­de­re un cineas­ta, aun­que nin­gun pro­yec­to haya podi­do concretar.

En la serie de con­ver­sa­cio­nes dua­les entre este bri­bón y cin­co muje­res, casi todas ata­via­das con ves­tua­rio de épo­ca, la pri­me­ra es la que man­tie­ne con su her­ma­na Sol­veig (Laris­sa Corri­veau) quien le recri­mi­na su con­duc­ta irres­pon­sa­ble, hacién­do­le ver que ya es hora para que sien­te cabe­za y modi­fi­que su esti­lo de vida; sin embar­go, sus repro­ches no lle­gan a impor­tar­le dado que él jus­ti­fi­ca su modo de actuar. Pos­te­rior­men­te Anto­nin se enfren­ta, siem­pre a dis­tan­cia, con su sepa­ra­da mujer Églan­ti­ne (Évely­ne Rom­pré) quien le incri­mi­na por no cum­plir con su com­pro­mi­so con­yu­gal, aun­que no es eso lo que él desea. A con­ti­nua­ción se lo ve dia­lo­gan­do con Cas­sio­pee (Éve Duran­ceau), de quien está ena­mo­ra­do pero la joven pre­fie­re a otro cor­te­jan­te. Una pos­te­rior esce­na se pro­du­ce entre él y Rose (Kath­leen For­tin), una recau­da­do­ra fis­cal que le acu­sa de no pagar sus impues­tos; final­men­te este anti­hé­roe con­fron­ta a la andró­gi­na Auro­re (Éléo­no­re Loi­se­lle) que le recla­ma la devo­lu­ción de su compu­tado­ra y la cam­pe­ra de su ami­go que le robó de su auto des­pués de haber­le roto el para­bri­sas y uno de los vidrios.

Cier­ta­men­te, el con­te­ni­do argu­men­tal risue­ña­men­te surrea­lis­ta es solo una excu­sa de la que Côté se vale para su sin­gu­lar expe­ri­men­to cine­ma­to­grá­fi­co deci­di­da­men­te anti­con­ven­cio­nal. De todos modos, quien qui­sie­ra extraer algu­nas con­clu­sio­nes podría infe­rir que el rea­li­za­dor pone a prue­ba la mas­cu­li­ni­dad fren­te al empo­de­ra­mien­to del sexo feme­nino refle­ja­do en los últi­mos años; asi­mis­mo, la higie­ne social a la que alu­de su títu­lo podría impli­car la dis­tan­cia a nivel emo­cio­nal que se pro­du­ce en la era digi­tal entre per­so­nas de igual o dife­ren­te sexo en la que final­men­te pre­va­le­ce la sole­dad huma­na. Dejan­do a un lado estas elu­cu­bra­cio­nes, lo con­cre­to es que el film some­te a la audien­cia a un desa­fío inte­lec­tual que rin­de sus fru­tos siem­pre y cuan­do se invo­lu­cre en los códi­gos emplea­dos por el inte­li­gen­te rea­li­za­dor. Jor­ge Gutman

SOUND OF METAL. Esta­dos Uni­dos, 2019. Un film de Darius Mar­der. 120 minutos.

Esta nota­ble ópe­ra pri­ma del rea­li­za­dor Darius Mar­der enfo­ca el tema de la dis­ca­pa­ci­ta­ción audi­ti­va de un apa­sio­na­do músi­co del heavy metal. El guión del rea­li­za­dor escri­to con su her­mano Abraham pre­sen­ta a Ruben (Riz Ahmed), un bate­ris­ta que jun­to con su novia Lou (Oli­via Cooke) como can­tan­te inte­gran una peque­ña ban­da de art metal actuan­do a tra­vés de Esta­dos Uni­dos en un reco­rri­do efec­tua­do en una casa rodan­te. Para él su acti­vi­dad musi­cal cons­ti­tu­ye la razón de su exis­ten­cia: así el atro­na­dor soni­do musi­cal es lo que le per­mi­te alcan­zar un inigua­la­ble éxta­sis, suplan­tan­do de esta mane­ra su adic­ción a la heroí­na de la cual ha logra­do man­te­ner­se sobrio duran­te los últi­mos 4 años.

Riz Ahmed

La vida nóma­de de esta pare­ja se alte­ra con­si­de­ra­ble­men­te cuan­do un día antes de un con­cier­to pro­gra­ma­do Ruben se per­ca­ta haber per­di­do una par­te con­si­de­ra­ble de su sen­ti­do de audi­ción. Al prin­ci­pio, en un esta­do con­fu­so pre­ten­de igno­rar lo que le está ocu­rrien­do; su nega­ción se trans­for­ma en cóle­ra cuan­do su novia lo disua­de de con­ti­nuar con la gira. Su pesi­mis­mo se inten­si­fi­ca cuan­do un médi­co espe­cia­li­za­do le comu­ni­ca que su insu­fi­cien­cia audi­ti­va segui­rá pro­gre­san­do y lo úni­co que pue­de hacer es some­ter­se a una ope­ra­ción aun­que de nin­gún modo habrá de recu­pe­rar por com­ple­to su audi­ción. Temien­do que Ruben pue­da recaer en la dro­ga a cau­sa de la deses­pe­ra­ción que lo envuel­ve, Lou le sugie­re que resi­da tem­po­ral­men­te en un cen­tro que agru­pa a gen­te sor­da bajo la direc­ción de Joe (Paul Raci); este vete­rano de gue­rra de Viet­nam adop­ta la filo­so­fía de que la sor­de­ra no es real­men­te una dis­ca­pa­ci­ta­ción y es nece­sa­rio saber con­vi­vir con ella. Aun­que el músi­co no está de acuer­do con dicha ideo­lo­gía, duran­te un perío­do con­vi­ve con ese gru­po don­de apren­de el len­gua­je de los sor­dos ade­más de tener con­tac­to con niños dis­mi­nui­dos auditivamente.

El direc­tor ha logra­do un vigo­ro­so dra­ma de máxi­ma auten­ti­ci­dad sumer­gien­do al espec­ta­dor en la pro­ble­má­ti­ca psi­co­ló­gi­ca de su pro­ta­go­nis­ta. En tal sen­ti­do el dise­ño de soni­do jue­ga un rol pre­pon­de­ran­te en el rela­to, en la medi­da que trans­mi­te fiel­men­te lo que el decep­cio­na­do ins­tru­men­tis­ta per­ci­be en sus oídos. Así cuan­do des­pués de una ope­ra­ción a la que se some­te en don­de se le efec­túa un implan­te coclear, el dis­tor­sio­na­do soni­do que expe­ri­men­ta a tra­vés de sus oídos dis­ta de ser el que el oía antes de su pér­di­da auditiva.

Sin recu­rrir a nin­gún tipo de cli­sés, el direc­tor entre­ga un film elo­cuen­te­men­te sen­si­ble a la vez que rudo y en algu­nos momen­tos vio­len­to ilus­tran­do el impac­to emo­cio­nal sufri­do por su vul­ne­ra­ble pro­ta­go­nis­ta; en tal sen­ti­do la magis­tral inter­pre­ta­ción de Ahmed cun­de hon­da­men­te al haber sabi­do trans­mi­tir la fra­gi­li­dad de un indi­vi­duo que debe ajus­tar­se psi­co­ló­gi­ca­men­te a una reali­dad dife­ren­te por más dura e incó­mo­da que le pue­da resultar.

En su debut como rea­li­za­dor Mar­der ofre­ce un cine artís­ti­co de nota­ble cali­dad a tra­vés de una fas­ci­nan­te temá­ti­ca agra­cia­da por su exce­len­te inter­pre­ta­ción y por su rique­za sen­so­rial y visual. Jor­ge Gutman

THE KILLING OF TWO LOVERS. Esta­dos Uni­dos, 2020. Un film escri­to y diri­gi­do por Robert Machoian. 84 minutos

Con el ante­ce­den­te de haber reci­bi­do una cáli­da aco­gi­da en el Fes­ti­val de Sun­dan­ce aho­ra el gran públi­co tie­ne opor­tu­ni­dad de juz­gar The Killing of Two Lovers del rea­li­za­dor Robert Machoian abor­dan­do la diso­lu­ción de un matri­mo­nio y su reper­cu­sión en una de las partes.

Sepi­deh Moa­fi y Clay­ne Crawford

En la pri­me­ra esce­na del rela­to que se desa­rro­lla en una zona mon­ta­ño­sa de Utah se obser­va a David (Clay­ne Craw­ford), de trein­ta y tan­tos años, que por­tan­do un revól­ver se intro­du­ce a tra­vés de la ven­ta­na en la habi­ta­ción de una casa con la inten­ción de matar a una pare­ja que se encuen­tra dur­mien­do; un opor­tuno rui­do pro­ve­nien­te del inodo­ro lo hace desis­tir de su pro­pó­si­to. Pos­te­rior­men­te se sabrá que allí se encon­tra­ba su espo­sa Niki (Sepi­deh Moa­fi) jun­to a Derek (Chris Coy), su nue­va rela­ción sentimental.

Des­pués de esta ambi­gua presentación,en don­de la inten­ción del rea­li­za­dor es trans­mi­tir el ines­ta­ble esta­do psi­co­ló­gi­co de David, gra­dual­men­te se va reve­lan­do que él y Niki viven un perío­do de sepa­ra­ción a prue­ba; si bien el tra­to entre ambos es cor­dial, lo cier­to es que su espo­sa no tie­ne la inten­ción de reanu­dar el víncu­lo mari­tal, en tan­to que él alien­ta la espe­ran­za de vol­ver a con­vi­vir en el hogar inte­gra­do por su hija ado­les­cen­te Jes­se (Avery Piz­zu­to) y sus tres hijos más peque­ños (Arri, Ezra y Jonah Graham). Esta situa­ción no afec­ta mayor­men­te a los niños quie­nes demues­tran gran cari­ño a su padre en dife­ren­tes opor­tu­ni­da­des; sin embar­go no acon­te­ce lo mis­mo con Jes­se quien no pue­de disi­mu­lar su des­con­ten­to por la des­unión de sus padres y amar­ga­men­te les repro­cha por lo que está sucediendo.

El esme­ra­do guión de Machoian no tra­ta de expli­car las cau­sas que pro­du­je­ron la grie­ta matri­mo­nial y aun­que no toma par­ti­do por nin­gu­na de las dos par­tes, el foco de aten­ción está cen­tra­do en David. A lo lar­go del metra­je se asis­te al trau­ma vivi­do por este per­so­na­je don­de a pesar de man­te­ner la com­pos­tu­ra nece­sa­ria ante su mujer y sus hijos, inter­na­men­te no pue­de ocul­tar el dolor, angus­tia, deses­pe­ra­ción y en gene­ral el dete­rio­ro que expe­ri­men­ta en un momen­to cru­cial de su vida.

Sin caer en el sen­ti­men­ta­lis­mo, el film per­mi­te apia­dar­se de David con­tem­plan­do cómo sus celos lo indu­cen a reac­cio­nar vio­len­ta­men­te al enfren­tar­se con el aman­te de su espo­sa. La inter­pre­ta­ción de Craw­ford es remar­ca­ble trans­mi­tien­do inten­sa­men­te la vul­ne­ra­bi­li­dad, con­tra­dic­cio­nes y la varie­dad de emo­cio­nes que bullen en el inte­rior de su heri­do per­so­na­je; eso que­da muy bien ilus­tra­do por el rea­li­za­dor quien con la cola­bo­ra­ción del mag­ní­fi­co fotó­gra­fo Oscar Igna­cio Jimé­nez recu­rre a un encua­dre de una rela­ción de aspec­to 4:3 per­mi­tien­do que el espec­ta­dor se invo­lu­cre más inten­sa­men­te con la suer­te de su pro­ta­go­nis­ta. Moa­fi tam­bién se des­ta­ca como la mujer que man­te­nien­do la res­pon­sa­bi­li­dad mater­nal, no cree sen­tir­se cul­pa­ble por la rup­tu­ra matri­mo­nial al estar con­ven­ci­da que la mis­ma no tie­ne posi­bi­li­dad de enmienda.

Un ele­men­to dis­tin­gui­ble del film es la ban­da sono­ra de Peter Albrechtsen emi­tien­do un soni­do ago­re­ro deci­di­da­men­te fun­cio­nal en los momen­tos en que el rela­to adquie­re máxi­ma tensión.

Este sobrio y bien rea­li­za­do dra­ma con­yu­gal demues­tra el nivel de cali­dad del cine inde­pen­dien­te de Esta­dos Uni­dos a la vez que rati­fi­ca el talen­to de Machoian como cineas­ta y guio­nis­ta. Jor­ge Gutman

ALL THIS VIC­TORY. Líbano-Fran­cia, 2019. Un film de Ahmad Ghos­sein. 93 minutos

Un gra­ve epi­so­dio acon­te­ci­do en Líbano duran­te la gue­rra de 2006 que afec­tó gra­ve­men­te a su pobla­ción cobran­do más de 1000 víc­ti­mas es repro­du­ci­do dra­má­ti­ca­men­te por Ahmad Ghos­sein en All This Vic­tory. En este con­flic­to béli­co que comen­zó el 12 de julio de ese año y se pro­lon­gó duran­te 34 días el ejér­ci­to israe­lí pene­tró al país con el pro­pó­si­to de luchar con­tra los gru­pos para­mi­li­ta­res de la orga­ni­za­ción islá­mi­ca liba­ne­sa Hez­bo­lá que comen­za­ron a dis­pa­rar cohe­tes sobre las pobla­cio­nes fron­te­ri­zas de Israel.

Karam Ghos­sein

El film comien­za pre­sen­tan­do a Mar­wan (Karam Ghos­sein, her­mano del direc­tor) quien vivien­do en Bei­rut está pró­xi­mo a dejar el país jun­to con su espo­sa Rana (Fla­via Jus­ka Becha­ra). Apro­ve­chan­do el alto el fue­go por espa­cio de 24 horas entre las par­tes beli­ge­ran­tes, deci­de dejar por poco tiem­po a su mujer en la ciu­dad para bus­car y traer con­si­go a su padre quien resi­de en un pue­blo ubi­ca­do al sur del país, uno de los luga­res más cas­ti­ga­dos por la gue­rra. Algu­nas horas des­pués de con­du­cir su coche a tra­vés de un pano­ra­ma mon­ta­ño­so lle­ga al lugar de des­tino don­de con­tem­pla la aldea natal de su pro­ge­ni­tor com­ple­ta­men­te devas­ta­da por el bom­bar­deo israe­lí. La tarea se vuel­ve difí­cil para ubi­car a su pro­ge­ni­tor y a fin de obte­ner infor­ma­ción sobre su para­de­ro Mar­wan acep­ta la invi­ta­ción de dos ancia­nos (Adel Chahi­ne y Bou­tros Rouha­na) ami­gos de su padre para alo­jar­se momen­tá­nea­men­te en su casa que es una de las pocas que aún se man­tie­ne en pie. Al poco tiem­po un matri­mo­nio vecino (Issam Bou Kha­led y Sahar Min­ka­ra) lle­ga al lugar en pro­cu­ra de refu­gio. Fren­te a la incer­ti­dum­bre de no saber si su padre sigue con vida, el pro­ble­ma se le com­pli­ca a Mar­wan cuan­do una mujer se adue­ña de su vehícu­lo esta­cio­na­do en el exte­rior del inmue­ble deján­do­lo vara­do y en con­se­cuen­cia debien­do per­noc­tar don­de se encuen­tra. La situa­ción alcan­za con­si­de­ra­ble ten­sión cuan­do al fina­li­zar la tre­gua los bom­bar­deos se reanu­dan afec­tan­do par­te de las ins­ta­la­cio­nes de la casa; para peor, algu­nos sol­da­dos israe­líes pene­tran en el piso supe­rior de la mis­ma igno­ran­do que en su plan­ta baja se hallan Mar­wan y sus acom­pa­ñan­tes; por lo tan­to eso obli­ga al gru­po a per­ma­ne­cer en rigu­ro­so silen­cio y sin movi­mien­to alguno para no ser des­cu­bier­tos y atacados.

El rea­li­za­dor valién­do­se de su muy buen guión escri­to jun­to con Abla Khoury y Syllas Tzou­mer­kas, ha logra­do que la fil­ma­ción rea­li­za­da en su mayor par­te en un úni­co esce­na­rio no afec­te el inte­rés de su impe­ca­ble narra­ción Para ello ha con­ta­do con un redu­ci­do elen­co de acto­res que brin­dan com­ple­ta natu­ra­li­dad a la tra­ge­dia que sus per­so­na­jes están vivien­do; en la diná­mi­ca que se esta­ble­ce entre los mis­mos, ellos expre­san viva­men­te los sen­ti­mien­tos de des­aso­sie­go, apri­sio­na­mien­to, ansie­dad y per­ma­nen­te temor que les envuel­ve al tener con­cien­cia que la muer­te les ace­cha a cada ins­tan­te. La bue­na foto­gra­fía de Sha­di Chaa­ban con­tri­bu­ye a valo­ri­zar el dra­ma logran­do la ade­cua­da fle­xi­bi­li­dad de ubi­car la cáma­ra está­ti­ca­men­te en la fil­ma­ción en el inte­rior de la casa y de agi­li­zar­la en los espa­cios exte­rio­res don­de cap­ta las rui­nas del desér­ti­co villorio.

Que­da como resul­ta­do un sóli­do film en el que el direc­tor liba­nés vuel­ca sus inquie­tu­des acer­ca del amar­go sabor que su país ha sufri­do por los azo­tes del con­flic­to béli­co, no solo en 2006 sino igual­men­te en 1982 y 1993. Es así que sus habi­tan­tes han apren­di­do a con­vi­vir en estas difí­ci­les cir­cuns­tan­cias, alen­tan­do la espe­ran­za de que el país no siga sien­do un fácil blan­co de poten­cias exter­nas.  Jor­ge Gutman

THE WHI­TE TIGER. India-US. 2020. Un film escri­to y diri­gi­do por Ramin Bah­ra­ni. 124 minutos.

El direc­tor ame­ri­cano Ramin Bah­ra­ni depa­ra con The Whi­te Tiger un buen film basa­do en la pre­mia­da nove­la homó­ni­ma publi­ca­da en 2008 por el escri­tor y perio­dis­ta indo-aus­tra­liano Ara­vind Adi­ga. Tenien­do en cuen­ta que la temá­ti­ca aquí plan­tea­da indu­ce a recor­dar el exi­to­so melo­dra­ma Slum­dog Millo­nai­re (2008), sólo el pun­to de par­ti­da es per­ti­nen­te; mien­tras que la pelí­cu­la de Danny Boy­le alien­ta una espe­ran­za de afir­ma­ción por la vida al mos­trar cómo los per­de­do­res de una socie­dad que los mar­gi­na pue­den lograr lo que se han pro­pues­to median­te vías legí­ti­mas, en este caso el tra­ba­jo de Bah­ra­ni ilus­tra a un indi­vi­duo de la baja cas­ta de India que logra emer­ger de su infe­rior con­di­ción social a tra­vés de un camino deci­di­da­men­te oscuro.

Adarsh Gou­rav

Des­pués de un pró­lo­go que tie­ne lugar en 2007 en New Delhi, la acción comien­za en 2010 en Ban­ga­lo­re en don­de el exi­to­so empre­sa­rio Bal­ram Hal­wai (Adarsh Gou­rav) como flui­do narra­dor (con la voz en off) da cuen­ta de su pasa­da vida. Ori­gi­na­rio de una muy humil­de fami­lia cam­pe­si­na Bal­ram des­de muy joven es cons­cien­te que poco pue­de aspi­rar en la vida si per­ma­ne­ce ence­rra­do en un galli­ne­ro sin futu­ro alguno. Es así que uti­li­za su inge­nio para ser emplea­do en New Delhi como chó­fer y a la vez ayu­dan­te domés­ti­co de Ashok (Raj­kum­mar Rao). Per­te­ne­cien­te a una acau­da­la­da fami­lia de alta con­di­ción social, su emplea­dor ha lle­ga­do recien­te­men­te de Nue­va York don­de esta­ba resi­dien­do acom­pa­ña­do de Pinky (Pri­yan­ka Cho­pra Jonas), su espo­sa ame­ri­ca­na. Bal­ram sabe muy bien que dada su con­di­ción social en todo momen­to debe com­por­tar­se como un emplea­do mode­lo adop­tan­do un com­por­ta­mien­to ser­vil y sub­se­cuen­te con esta pareja.

Como ave­za­do espec­ta­dor, su tra­ba­jo le per­mi­te apre­ciar las hipo­cre­sías que se mue­ven en torno suyo com­pro­ban­do has­ta qué pun­to la rique­za de la pode­ro­sa fami­lia de Ashok pro­vie­ne en gran par­te de accio­nes corrup­tas; así obser­va cómo pue­den adqui­rir­se favo­res polí­ti­cos a cam­bio de apor­tes millo­na­rios como lo ofre­ci­do a una can­di­da­ta apo­da­da “Gran Socia­lis­ta” quien pro­vie­ne de una cla­se infe­rior. El desem­pe­ño de Bal­ram trans­cu­rre sin mayo­res varian­tes has­ta el momen­to en que via­jan­do con sus patro­nes se pro­du­ce un acci­den­te auto­mo­vi­lís­ti­co y él es obli­ga­do a actuar como chi­vo emi­sa­rio por las even­tua­les con­se­cuen­cias del inci­den­te; ése es el pun­to de quie­bre para que este emplea­do que se ha vuel­to indis­pen­sa­ble vaya ali­men­tan­do inte­rior­men­te un laten­te resen­ti­mien­to hacia sus servidores.

Sería suma­men­te inapro­pia­do comen­tar el modo en que el humil­de cho­fer se con­vier­te en un pode­ro­so hom­bre de for­tu­na; bas­ta anti­ci­par que la his­to­ria va adqui­rien­do las carac­te­rís­ti­cas de un rela­to tene­bro­so, pro­pio de un buen poli­cial de cine negro.

Gou­rav, que lle­va sobre sus hom­bros el mayor peso de esta his­to­ria, es insu­pe­ra­ble en la carac­te­ri­za­ción que logra de su per­so­na­je; su inter­pre­ta­ción remar­ca­ble­men­te ilus­tra la meta­mor­fo­sis de un hones­to ser­vi­dor sedien­to de ven­gan­za y codi­cia a un enri­que­ci­do e inmo­ral villano.

Aun­que no toda la fil­mo­gra­fía de Bah­ra­ni man­tie­ne un mis­mo nivel de cali­dad, en este caso al igual que en sus mejo­res tra­ba­jos – como por ejem­plo lo han sido Man Push Cart (2005), Chop Shop (2007) y 99 homes (2015)-, ofre­ce una per­ver­sa tra­gi­co­me­dia de con­si­de­ra­ble reso­nan­cia. Con una pues­ta escé­ni­ca flui­da y con el mag­ní­fi­co mon­ta­je de Tim Stree­to el rea­li­za­dor trans­mi­te el espí­ri­tu de la nove­la ori­gi­nal exhi­bien­do las injus­ti­cias pre­va­le­cien­tes por un omi­no­so sis­te­ma de cas­tas don­de los sec­to­res más des­fa­vo­re­ci­das deben acep­tar las humi­lla­cio­nes y el opro­bio de los poderosos.
Jor­ge Gutman