WELIVEINTIME. Gran Bretaña-Francia, 2024. Un film de John Crowley. 107 minutos
Considerando que su tema puede desbordar en situaciones lacrimógenas, el realizador John Crowley ha tratado de evitar cualquier forzado sentimentalismo en We Live in Time, un drama romántico que se desarrolla en torno de una enfermedad terminal.
Andrew Garfield y Florence Pugh
Basado en el guión del dramaturgo británico Nick Payne el relato comienza con el diagnóstico recibido por Tobias (Andrew Garfield) y su esposa Almut (Florence Pugh) informando que su cáncer de ovario que estaba en remisión ha resurgido nuevamente con un pronóstico no muy alentador; claro está que siempre existe la posibilidad que intentando la quimioterapia el mal nuevamente se detenga aunque nadie puede asegurarlo. Es así que Almut y su marido deben decidir si seguir el tratamiento con sus desagradables efectos secundarios o bien el de sin tomar acción y tratar de vivir intensamente hasta el momento del irremediable desenlace; se trata de una difícil decisión sobre todo cuando se tiene una hijita como lo es la pequeña Ella (Grace Delaney).
A través de una elipsis, se produce el primer salto en el tiempo donde en principio uno ignora si acaso el relato transcurre en un mundo paralelo o no. En consecuencia la narración adopta la forma de un crucigrama donde el espectador tiene que recordar lo que acaece en 4 diferentes períodos en que la acción transcurre para evitar la confusión.
Tratando de efectuar un seguimiento cronológico, se aprecia la instancia en que Almut conoce a Tobias cuando literalmente lo atropella conduciendo su coche. De inmediato ese involuntario accidente genera un estrecho vínculo que conduce a un bello romanticismo hasta que la aparición de la cruel enfermedad nubla la felicidad de ambos. Frente al deseo de Tobias de tener familia al cual ella inicialmente se resiste, finalmente queda grávida hasta que en una visceral escena de parto se produce el alumbramiento de Ella. Ya en el momento actual, a pesar de la gravedad de su estado, siendo una experta chef Almut decide participar en un concurso de cocina; si bien Tobias no considera prudente que lo haga debido al estrés físico y emocional insumido, ella considera que dicha competición implicará un motivo de plena realización en su última etapa de existencia.
La realización de Crowley es un tanto desdibujada sin que llegue a trascender; eso en gran parte se debe por haber adoptado una innecesaria estructura fracturada que impide al espectador poder involucrarse plenamente en el dramático relato. La nota de gracia de este film radica en la estupenda actuación de Pugh y Garfield quienes generan una notable química en la caracterización de sus personajes; en tanto que la actriz transmite la angustia vivida por la mujer que sabe de antemano lo que habrá de acontecerle, Garfield a su vez refleja en su rostro la enorme pena y la fragilidad emocional de un marido que prontamente verá sucumbir a su amada mujer. Jorge Gutman
SUPER/MAN: THECHRISTOPHERREEVESTORY. Estados Unidos, Gran Bretaña, 2024. Un film de Ian Bonhole y Peter Ettedgui. 104 minutos
Un merecido tributo es el que los documentalistas Ian Bonhole y Peter Ettedgui ofrecen al desaparecido actor Christopher Reeve a los 20 años de su deceso. En este conmovedor relato los cineastas retratan al actor que al quedar discapacitado ha demostrado una resiliencia y determinación a toda prueba para mejorar las condiciones de vida de quienes como él han quedado físicamente impedidos.
Christopher Reeve
Sin adoptar un orden cronológico, el film equilibra adecuadamente el antes y el después del trágico accidente sufrido por Reeves en mayo de 1995 cuando al caer de un caballo sufrió una grave lesión en su médula espinal que lo ha dejado tetrapléjico e inmovilizado en vida.
En un rapidísimo brochazo de su infancia, incluyendo haber experimentado a los 3 años el divorcio de sus padres, el relato pasa de lleno a su carrera de actor teatral y el momento en que se le ofrece la oportunidad de interpretar el film Superman (1978) de Richard Donner; el gran éxito obtenido por dicha película lo convierte internacionalmente en una super estrella del cine.
Los realizadores se han valido de los testimonios de varios colegas que han actuado o bien tenido la oportunidad de estar en contacto con él. Entre algunos de ellos se encuentra Jeff Daniels, Whoopi Goldberg, Susan Sarandón, Glenn Close y su íntimo y gran amigo del alma ya fallecido Robin Williams que se graduaron en el mismo año en la escuela Julliard.
La fama de Reeve permanece indeclinable hasta que se produce la tragedia del accidente ecuestre donde a partir de entonces su vida cobra un vuelco inesperado. Uno de los momentos emotivos del film acaece cuando el actor efectúa su primera aparición pública en su silla de ruedas en el acto de entrega de los Oscar en 1996 siendo homenajeado y cálidamente aplaudido por la audiencia asistente.
El relato cobra considerable intensidad después de haber quedado paralizado ilustrando su activa participación en abogar por la defensa de los parapléjicos; en tal sentido es excepcionalmente meritorio el emotivo discurso pronunciado en ocasión de la Convención Nacional del Partido Demócrata de 1996, reclamando una mejor cobertura médica para la gente discapacitada. Su emotiva alocución logró que el gobierno dispusiera de un mayor presupuesto tendiente a la investigación y ayuda a la comunidad parapléjica, como aconteció con la notable paralizada científica Brooke Ellison; basado en esta mujer, Reeves rodó en 2004 su póstumo film “The Brooke Ellison Story” resaltando su labor de activista en la lucha por la misma causa.
El documental considera asimismo la relación sentimental de Reeves con Gae Exton donde nacieron sus hijos Matthew y Alexandra así como su posterior enlace en 1992 con la cantante Dana Morosini teniendo como único hijo a Will. Si en su primera época, Reeves no tuvo gran contacto con sus dos primeros hijos al dejarlos en Inglaterra para asumir compromisos de cine en Hollywood, es cuando ya inmovilizado que otorga prioridad a su núcleo familiar.
Además de los testimonios brindados por las dos parejas y sus hijos así como la disposición que tuvieron los realizadores de archivos de la familia, queda en evidencia la buena relación existente entre los hermanos, como igualmente el gran amor e infinito cuidado de Dana hacia su marido donde ambos en 2002 constituyeron The Christopher and Dana Reeve Foundation; esta institución persigue curar y mejorar la calidad de las personas que viven con parálisis mediante proyectos innovadores de investigación financiados con subvenciones.
La película culmina con evidente emoción reflejando el triste recuerdo de sus hijos con motivo de la muerte de su padre el 10 de octubre de 2004 y a ello sigue la de Dana; lamentablemente fallecida el 6 de marzo de 2006 debido a un cáncer al pulmón. Es así que Matthew, Alexandra y Will prosiguen la noble misión de sus padres dirigiendo la altruista fundación.
La fluida dirección de Bonhole y Ettedgui como el cuidadoso montaje de Otto Burnham valorizan a este conmovedor documental resaltando el heroísmo de un hombre inmovilizado y dependiente de un respirador, quien con su valioso emprendimiento ha sido un indiscutible benefactor de la gente físicamente inmovilizada. Jorge Gutman
WOMANOFTHEHOUR. Estados Unidos-Canada, 2023. Un film de Anna Kendrick. 89 minutos
La popular actriz Anna Kendrick debuta como directora e igualmente actúa en Woman of the Hour, cuya historia basada en un caso real se centra en un infame criminal serial que azotó Estados Unidos durante la década del 70.
Una escena de WOMANOFTHEHOUR
El relato basado en el guión de Ian MacAllister McDonald comienza en 1977 cuando en un acantilado de una región montañosa de Wyoming el fotógrafo Rodney Alcalá (Daniel Zovatto) seduce con su presencia a Sarah (Kelley Jakie), quien después de haberle tomado algunas fotos con la promesa de conseguirle un trabajo, termina estrangulándola. Retrocediendo a 1971 se sabe que se está en presencia de un siniestro homicida al observar a otras víctimas eliminadas por él.
El núcleo central del relato se desarrolla en 1978 en Hollywood donde la aspirante a actriz Cheryl Bradshaw (Kendrick) fracasa en su intento de ser contratada al no haber satisfecho en una prueba que le es tomada. Con todo su agente consigue que participe como interrogadora en el show del concurso televisivo denominado The Dating Game (juego de citas) Este programa que fue creado por Chuck Barris a principios de los años 60, se caracteriza en el que una persona entrevistadora, generalmente una mujer soltera, formula una serie de preguntas escritas en unas tarjetas a tres participantes solteros sobre temas románticos; el que resulta ganador obtiene como recompensa una cita con ella con todos los gastos cubiertos. Curiosamente uno de los contendientes es el fotógrafo asesino que resulta triunfador del concurso. En el transcurso de la emisión Laura (Nicolette Robinson) ‑una de las personas del público asistente- reconoce al feminicida y desesperadamente trata de comunicar esa situación a los responsables del programa aunque sin lograrlo.
Como espectador del film uno se pregunta qué es lo que ocurrió con Alcalá antes de su presentación en este show y cómo no pudo ser detectado durante tanto tiempo por los crímenes cometidos. Dejando de lado este aspecto no contemplado por la directora, lo concreto es que ella logra crear momentos de intensa tensión, cuando a la salida del nocturno programa Alcalá se aproxima amablemente a Cheryl; con todo ella va presintiendo su amenazante presencia en medio de un parque de estacionamiento que a esas horas se encuentra vacío.
La historia prosigue en 1979 cuando Rodney encuentra en California a Amy (Autumn Best), una adolescente que aparece como potencial víctima pero que logra escaparse a tiempo.
El film no aprovecha todo el potencial al que el tema se presta debido a una ejecución encaminada de manera desigual. No obstante, Kendrick permite reflejar la misoginia existente a través de la actividad rutinaria de Cheryl como asimismo por la violencia sufrida por las mujeres que han sido abatidas por Alcalá. La directora contó con un acertado elenco, aunque curiosamente su propia actuación resulte un tanto afectada, en tanto que Zovatto constituye una verdadera revelación transmitiendo con entera convicción la sagacidad empleada por su personaje para atraer a sus presas.
En los créditos finales se informa que el homicida fue arrestado en 1979 y mientras se aguardaba su juicio fue liberado bajo fianza y en ese interín mató a una mujer de 21 años y a una chica de 12 años. Arrestado nuevamente y habiendo puesto en evidencia la magnitud de sus crímenes fue encarcelado, muriendo por causas naturales en la prisión de Corcorán, California, en julio de 2021. Jorge Gutman
He aquí cinco comentarios de filmes presentados en el Festival du Nouveau Cinéma (FNC) que prosigue en Montreal hasta el 20 de octubre
Tardes de Soledad (España-Francia-Portugal)
Considerado como uno de los más renombrados y heterodoxos cineastas de España, el catalán Albert Serra dispone una filmografía importante, incluyendo entre otros títulos La Mort de Louis XIV (2016), Liberté (2919) y Pacifiction (2022); con todo esta es la primera vez que encara un documental como el que se comenta por el que ha obtenido la Concha de Oro en el festival de San Sebastián de este año.
Andrés Roca Rey
El tema considerado es el de la tauromaquia, comúnmente conocido como “Corrida de Toros”, una tradición española que cuenta con innumerables adeptos como también con ardientes detractores. Lo cierto es que según una ley promulgada en noviembre de 2013 este deporte es considerado patrimonio cultural y digno de protección en todo el territorio español.
Lo pertinente del film es que Serra, sin duda alguna congraciado con la tauromaquia, ofrece cinematográficamente un film decididamente creativo con una puesta escénica deslumbrante que somete al espectador a un espectáculo visceral y perturbador a la vez.
Para lograr su cometido el director contó a su favor con Andrés Roca Rey, un torero peruano nacionalizado español de 27 años que es considerado como un superastro en el marco de este sangriento deporte. Sin que exista comentario alguno ni tampoco entrevistas a su protagonista, el documental en casi su totalidad lo enfoca en el ruedo frente a su presa.
Serra detrás de la cámara y con la valiosa colaboración del director de fotografía Artur Tort Pujol, mediante un remarcable encuadre con primeros planos permite que el público que contempla el film tenga la sensación de hallarse dentro del campo de combate, adquiriendo de este modo la inmersiva vivencia de lo que allí acontece.
Al comenzar la lidia resulta fascinante observar a Roca Rey enfrentando a la bestia con una mirada desafiante mientras realiza ciertos movimientos de pasos que podrían asimilarse a los de un perfecto bailarín. A continuación se aprecia la violencia empleada durante el duelo cuando la espada de Roca Rey produce la estocada en el animal provocando su caída con un baño de sangre que sale de sus entrañas para luego volver a introducir el arma hasta aniquilarlo por completo. Claro está que en algunos de los encuentros con otros toros, Roca Rey resulta corneado generándole parciales heridas sangrientas.
En los pocos momentos en que el documental se aparta del rodeo se observa al torero viajando en su coche privado en compañía de los integrantes de su cuadrilla que lo ensalzan con desmesurados elogios. Asimismo el documental ilustra los rituales referentes a la vestimenta del barroco y colorido traje que lo viste.
En esencia, mediante este documento Serra desnuda por completo los avatares de la tauromaquia filmando con majestuosa precisión las extendidas secuencias de lucha, sin que por ello implique que él sea partidario de la crueldad infligida a los toros. Si alguna observación merece este documental es que nada se sabe de la vida personal del torero aunque eso no desmerece su calidad.
Reas (Argentina-Alemania-Suiza)
Con el buen antecedente ofrecido en Teatro de Guerra (2018) enfocando las vicisitudes atravesadas por seis veteranos de la guerra de las Islas Malvinas enfrentando al bando británico, en este documental musical la remarcable realizadora Lola Arias centra su atención en un grupo de ex convictos.
El Elenco del film
Para realizar su propósito ella ubica el relato en una abandonada cárcel de Buenos Aires, obrando de verdadero centro correccional y es allí donde el verismo del relato se entremezcla con lo ficcional.
Todo comienza con la ex presidiaria Yoseli Arias, una joven de 25 años quien había purgado una sentencia de mas de 4 años por contrabando de estupefacientes. A modo de guía esta chica va introduciendo a mujeres que han estado presas por diferentes razones y que van relatando sus vidas que podrían ser reales o bien imaginadas, así cómo avizoran el futuro.
En ese heterogéneo conjunto humano que incluye a mujeres no binarias y transexuales, Yoseli entabla especial comunicación con Nacho (Ignacio Amador Rodríguez), un hombre transgénero que lidera una banda de rock integrada por Estefy Harcastle, Noelia Pérez y Paulita Asturayme, entre otras. En tal sentido la música cobre vida en el penal y a través de cantos y bailes, permitiendo a la directora ilustrar cómo la recreación artística puede atenuar la dureza del encierro. Asimismo, siempre dentro del estilo de docu-ficción, se ve a las reas entablar conversaciones con los guardias de la prisión o bien jugando al fútbol. Sin excluir algunas situaciones divertidas, lo más importante que emerge de esta historia es la dinámica interacción de sus personajes y sobre todo el sentimiento fraternal y solidario que anima a los mismos; en ese quehacer es ponderable la actuación de un elenco animado por no profesionales transmitiendo brío, energía e indudable autenticidad a lo que magníficamente expone la cineasta.
La remarcable puesta escénica de Arias unida a la lograda fotografía de Martín Benchimol, la acertada música de Ulises Conti y en especial la encomiable coreografía de Andrea Servera, contribuyen a valorizar este notable documental permitiendo la plena adhesión del espectador.
A Family (Francia).
La premiada novelista francesa Christine Angot trata de expurgar el drama que la ha perseguido desde su temprana adolescencia, cuando a los 13 años de edad fue violada por su padre Pierre. Este delicadísimo y urticante tema ya lo había tratado en su libro L’Inceste de 1999; es ahora que efectuando su debut como directora considera en este documenal el trauma vivido y aún persistente.
Christine Angot
El film se ubica en Estrasburgo donde su progenitor vivió y murió tiempo atrás. Allí retorna Christine, el lugar donde comenzó el abuso sexual, acompañada del equipo que filma el documental dirigido por la camarógrafa Caroline Champetier. En primer lugar ella se dirige al domicilio de Elizabeth Weber, la viuda de su padre, cuyo objetivo es el de que ella reconozca la monstruosidad cometida por él. Posteriormente, Angot sale al encuentro de su madre Rachel Schwartz, confrontándola por no haberla protegido en su propio hogar del monstruoso delito cometido por su padre. A través del relato la directora encuentra a otros miembros de su núcleo familiar, incluyendo su primer esposo Claude, su pareja Charly y finalmente su hija adulta Léonore, a quien mediante cintas caseras registradas en julio y agosto de 1993, se la ve cuando pequeña amparada por el amor brindado por Christine. Precisamente en el íntimo diálogo mantenido a la hora actual entre Angot con su hija, esa conversación ofrece a la escritora una catarsis emocional, dejando abierta la posibilidad de auscultar una luz al final del oscuro túnel del incesto sufrido.
No hay manera posible para poder comprender cómo un padre puede ocasionar un daño brutal a alguien de su propia sangre. De todos modos, mediante este documental bien realizado y sobriamente expuesto, cabe admirar la resiliencia y valentía de la novel directora en denunciar la acción criminal de su progenitor como asimismo quienes ocultaron el grave delito.
Cést pas moi (Francia)
Considerado como un radical y provocativo realizador del cine francés, en este cortometraje Leos Carax reflexiona acerca de su labor como cineasta. A través de 40 minutos de duración, el cineasta considera aspectos de la actual cinematografía, rápidas referencias sobre su vida personal, así como espectros de la situación política que ha vivido la humanidad en el pasado con algunos visos del momento actual.
Una escena del film
Mediante una narración alucinatoria, entre caótica y desenfrenada, Carax tributa homenaje a Jean Luc Godard, a quien mucho admira, dado que el corto adquiere el viso de un collage que se asemeja al que el desaparecido cineasta empleó en LeLibre d’image (2019).
Pasando rápida revista a algunos extractos de sus filmes y de otros autores así como valiéndose de viejas fotos, Carax ilustra imágenes referidas a Roman Polanski aduciendo al asesinato de su mujer, una escena de Vértigo de Alfred Hitckcock, así como enfatiza su vínculo artístico con el actor Denis Lavant. Una imagen de Hitler evoca la tragedia vivida en la Segunda Guerra así como otras remiten a políticos autoritarios como Putin y Trump entre otros. Evidenciando como realizador su crisis existencial, Carax cuestiona la forma que adquirió la evolución del cine, con especial referencia al abuso del empleo audiovisual en la medida que se apela a una super estimulación de la imagen combinada con el sonido, que a su modo de ver resulta alienante.
En este apreciable film de montaje nutrido de apreciados hallazgos visuales, Carax demuestra nuevamente su notable habilidad de deslumbrar a la audiencia con su indiscutible talento creativo.
The Seed of the Sacred Fig (Irán-Francia-Alemania)
Mohammad Rasoulof es un realizador iraní que ha experimentado una suerte similar al de otros cineastas de Irán que les ha sido prohibido salir del país por su activismo político. En este caso Rasoulof, que fue condenado a ocho años de prisión, logró escapar de Irán para presentar en el Festival de Cannes este duro film en el que al igual que en su anterior filmografía denuncia al régimen teocrático imperante en su país.
Misagh Zareh y Soheila Golestani
El guión del director presenta a Iman (Missagh Zareh) un funcionario estatal que ha sido promovido al cargo de investigador judicial en la corte revolucionaria de Irán; su función es la de refrendar con su firma y sin revisar los casos las sentencias de muerte pronunciadas por el tribunal islámico para quienes firmemente se han opuesto al gobierno. En principio dicho ascenso constituye para él un motivo de gran satisfacción y en tal sentido es apoyado por su sumisa y abnegada esposa Najmeh (Soheila Golestani) aunque esa euforia está lejos de ser compartida por sus hijas Rezva (Mahsa Rostami) de 20 años y la menor Sana (Setareh Maleki).
Mientras tanto, en las calles abundan las manifestaciones de protesta de las mujeres reclamando sus derechos, sobre todo después de que en septiembre de 2022 se produjo el arresto de la activista Mahsa Arrani de 22 años por no utilizar el velo femenino obligatorio y su posterior muerte durante la custodia policial. La armonía de la familia de Iman se va deteriorando cuando las hijas abiertamente se rebelan al no aprobar la conducta de su padre por el trabajo que realiza. Eso se intensifica cuando la universitaria Rezya ve lo acontecido con su amiga Sadat (Niousha Akhshi), quien al participar en una manifestación es herida por la policía y posteriormente detenida.
La situación tiende a complicarse cuando Iman no encuentra el revólver que le ha sido dado para proteger a su familia y en consecuencia culpa a su mujer e hijas de haberlo tomado aunque ellas lo niegan, produciéndose en consecuencia una fuerte tensión familiar.
Si bien hasta ese momento Rasoulof demuestra una vez más su talento al servicio de una rigurosa puesta escénica que crea un clima de convincente suspenso, la continuación de su relato parecería pertenecer a una película completamente distinta; así repentinamente el director adopta un tono diferente a su relato que además de estar nutrirlo de una inusitada y gratuita violencia, desconcierta por su falta de lógica. De todos modos, aunque la última parte del film desilusiona, la crítica social esbozada en su primera mitad y las excelentes actuaciones de los cuatro protagonistas ameritan la visión de este drama político. Cabe mencionar que esta película fue distinguida en Cannes con el Premio Especial del Jurado.
Como segunda ópera de la actual temporada a ser transmitida en directo y en HD desde el Metropolitan Opera de New York (Met), el público canadiense tendrá la oportunidad de apreciar Grounded, la creación lírica de la laureada compositora americana Jeanine Tesori que fue estrenada por la Öpera Nacional de Washington en 2023.
El Elenco.( Foto: Ken Howard/Met)
El libreto que acompaña la música ha sido adaptado por George Brant a partir de su propia obra de teatro, Grounded concebida en 2013. La historia se centra en una piloto de drones que queda involuntariamente embarazada y abandona el servicio. Cuando vuelve a alistarse la destinan a una caravana en el desierto de Nevada, donde dirige ataques de aviones no tripulados contra terroristas a miles de kilómetros de distancia. Poco a poco, su personalidad se va fracturando bajo el estrés del trabajo hasta que ya no puede separar su vida privada como excelente esposa y madre así como su vida profesional como perfecta soldado. En forma subyacente, el tema trasunta los conflictos éticos que emergen de la moderna tecnología militar y los problemas psicológicos y emocionales que puede acarrear su empleo.
Emily D’Angelo. (Foto: Ken Howard/Met)
Esta producción es dirigida por Michael Mayer e interpretada centralmente por la mezzo soprano canadiense Emily D’Angelo, acompañada del tenor Ben Bliss animando el rol de un ranchero de Wyoming. Completan el elenco Ellie Dehn, Kyle Miller y Greer Grimsley. La orquesta del Met es dirigida por el maestro Yannick Nézet-Séguin.
La escenografía es de Mimi Lien, el vestuario de Tom Broecker, la iluminación de Kevin Adams y la coreografía de David Neumann.
Grounded será transmitida con subtítulos en inglés el 19 de octubre en las salas de Cineplex y vuelta a difundir el 9 y 11 de noviembre de 2024.
