THE ROOM NEXT DOOR. Un film escri­to y diri­gi­do por Pedro Almo­dó­var. 107 minutos.

Aun­que Pedro Almo­dó­var ya abor­dó en inglés los cor­to­me­tra­jes The Human Voi­ce (2020) y Stran­ge Way of Life (2023), este es su pri­mer lar­go­me­tra­je en este idio­ma sin que en momen­to alguno dela­te el cam­bio idiomático.

Basa­do en la nove­la de 2020 What Are You Going Through del escri­tor ame­ri­cano Sigrid Nuñez, el guión del gran cineas­ta adquie­re per­so­na­li­dad pro­pia trans­mi­tien­do poé­ti­ca­men­te el final de la exis­ten­cia humana.

Til­da Swin­ton y Julian­ne Moore

Con la par­ti­ci­pa­ción des­lum­bran­te de Julian­ne Moo­re y Til­da Swin­ton, el rela­to comien­za en una pres­ti­gio­sa libre­ría de Manhat­tan en opor­tu­ni­dad en que la escri­to­ra Ingrid (Moo­re) fir­ma copias de su últi­ma nove­la al públi­co asis­ten­te; allí cir­cuns­tan­cial­men­te se ente­ra que Mar­ta (Swin­ton), una de sus vie­jas ami­gas a quien no ha vis­to des­de hace tiem­po, está gra­ve­men­te enfer­ma. De inme­dia­to se diri­ge al noso­co­mio don­de ella está hos­pi­ta­li­za­da, impo­nién­do­se de que pade­ce de un cán­cer de úte­ro y está suje­ta a los tra­ta­mien­tos que invo­lu­cra esta cruel afec­ción. Así se pro­du­ce el emo­ti­vo reen­cuen­tro de dos ami­gas que en el pasa­do habían tra­ba­ja­do jun­tas en una revis­ta ame­ri­ca­na; mien­tras que Ingrid es una afa­ma­da nove­lis­ta, Mar­ta dejó su acti­vi­dad perio­dís­ti­ca para con­ver­tir­se en una ague­rri­da repor­te­ra de guerra.

La revi­vi­da amis­tad con­ti­núa cuan­do Mar­ta es dada de alta en la medi­da que su mal está en remi­sión e Ingrid la visi­ta en su depar­ta­men­to pro­si­guien­do las con­ver­sa­cio­nes ínti­mas no exen­tas de nos­tal­gia. En esas char­las, Mar­ta le hace saber su dis­tan­cia­mien­to de su úni­ca hija que la resien­te por no haber sido una bue­na madre debi­do a que la tuvo sien­do ape­nas una ado­les­cen­te en tan­to que el padre bio­ló­gi­co par­tió a la gue­rra y a su regre­so se apar­tó de ella y de su nacien­te hija por haber que­da­do emo­cio­nal y men­tal­men­te afec­ta­do. A su vez, Ingrid le hace saber sobre el pro­yec­to de su pró­xi­mo libro refe­ri­do al víncu­lo pla­tó­ni­co que exis­tió entre la pin­to­ra Dora Carring­ton y el escri­tor Lyn­ton Strachey.

Cuan­do a las pocas sema­nas el cán­cer de Mar­ta resur­ge hacien­do metás­ta­sis en otras regio­nes de su cuer­po, ella deci­de evi­tar la qui­mio­te­ra­pia, optan­do por poner fin a su exis­ten­cia en un lap­so no supe­rior al de un mes. Para ello, la enfer­ma pide a su ami­ga que la acom­pa­ñe en sus últi­mos días en una vivien­da ubi­ca­da en una zona ais­la­da, a dos horas de la ciu­dad. Con gran pena y dan­do prue­ba de su gran amis­tad, Ingrid acep­ta ser cóm­pli­ce de la euta­na­sia de Mar­ta, res­pe­tan­do su volun­tad de morir dig­na­men­te para no tener que cons­ta­tar su dete­rio­ro físi­co y mental.

Den­tro del tono melo­dra­má­ti­co que va adqui­rien­do el rela­to Almo­dó­var cui­da de no caer en un sen­ti­men­ta­lis­mo lacri­mó­geno al pro­pio tiem­po que en la sim­bio­sis exis­ten­te entre él y sus dos extra­or­di­na­rias intér­pre­tes logra un bellí­si­mo film para­dó­ji­ca­men­te cen­tra­li­za­do en la mor­ta­li­dad. Admi­ra­ble es la bri­llan­te inter­ac­tua­ción de Moo­re y Swin­ton a tra­vés de sus per­so­na­jes; a la cali­dez, com­pren­sión y ter­nu­ra que Ingrid brin­da a su ami­ga, se opo­nen los momen­tos de ansie­dad, frus­tra­ción, dolor y furor de Mar­ta; así entre las varias esce­nas en que inter­ac­túan resul­ta entra­ña­ble aqué­lla en la que las dos obser­van una pelí­cu­la de Bus­ter Keaton.

Apar­te de su tema cen­tral y al ya refe­ri­do acer­ca de las difi­cul­ta­des que a veces se pro­du­cen en la inter­ac­ción materno-filial, el film apor­ta otros tópi­cos que reve­lan la inquie­tud de Almo­dó­var. Eso está muy bien expre­sa­do en la secuen­cia en que Ingrid se encuen­tra con su ami­go Damián (John Tur­tu­rro), el anti­guo aman­te de Martha y pos­te­rior­men­te de ella; en la con­ver­sa­ción que man­tie­nen él le mani­fies­ta su pesi­mis­mo por lo que acon­te­ce en el atri­bu­la­do mun­do en que se vive, con el dete­rio­ro ambien­tal y el avan­ce de las ideo­lo­gías de la dere­cha; a esa acti­tud des­es­pe­ran­za­do­ra Ingrid le res­pon­de que es nece­sa­rio no depri­mir­se y mirar hacia ade­lan­te para encon­trar­le un sen­ti­do a la vida.

Como lo ha demos­tra­do en varios títu­los de su nota­ble fil­mo­gra­fía, el direc­tor man­che­go es un indis­cu­ti­ble maes­tro escu­dri­ñan­do el uni­ver­so feme­nino y aquí lo vuel­ve a rati­fi­car median­te el remar­ca­ble víncu­lo crea­do entre las dos pro­ta­go­nis­tas de esta historia.

En suma, con la entre­ga de este subli­me y melan­có­li­co dra­ma, Almo­dó­var demues­tra que en su eta­pa de madu­rez es capaz de con­ti­nuar emo­cio­nan­do legí­ti­ma­men­te a los ciné­fi­los ya sea en espa­ñol o en inglés con temas tras­cen­den­tes y con el valio­so apo­yo de remar­ca­bles intér­pre­tes. Jor­ge Gutman

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VER­MI­GLIO. Ita­lia-Fran­cia-Bél­gi­ca, 2024. Un film escri­to y diri­gi­do por Mau­ra Del­pe­ro. 119 minutos

La docu­men­ta­lis­ta ita­lia­na Mau­ra Del­pe­ro que en 2019 reali­zó su pri­mer lar­go metra­je con Hogar rati­fi­ca sus con­di­cio­nes de madu­ra cineas­ta en Ver­mi­glio. Este dra­ma fami­liar ambien­ta­do en una remo­ta aldea mon­ta­ño­sa de Ita­lia trans­cu­rre a media­dos de 1944 duran­te la Segun­da Guerra.

La direc­to­ra se ha ins­pi­ra­do en su padre que fue el úni­co maes­tro de Ver­mi­glio y es así que en el rela­to de fic­ción su figu­ra está repre­sen­ta­da en el per­so­na­je de Cesa­re Gra­zia­dei (Tom­ma­so Regno), un hom­bre que aun­que auto­ri­ta­rio es a la vez cari­ño­so con su fami­lia. Él está casa­do con Ade­le (Rober­ta Rove­lli), una mujer que es madre de cua­tro hijos y tres hijas ade­más de estar emba­ra­za­da nue­va­men­te. La fami­lia es de humil­des recur­sos y los ingre­sos de Cesa­re pro­vie­nen de sus cla­ses que dic­ta a los chi­cos como asi­mis­mo a los adul­tos de la aldea que care­cen de for­ma­ción; si bien es reco­no­ci­do por la edu­ca­ti­va labor empren­di­da, eso no se tra­du­ce en la modes­ta remu­ne­ra­ción obte­ni­da. Cer­cano a la fami­lia vive Cesi­ra (Oriet­ta Nota­ri) la her­ma­na viu­da de Cesa­re cuyo hijo Ati­lio (San­tia­go Fon­de­vi­lla San­cet) se encuen­tra alis­ta­do en el ejército.

Giu­sep­pe De Dome­ni­co y Mar­ti­na Scrinzi

El guión de Del­pe­ro enfo­ca su aten­ción en todos los inte­gran­tes del núcleo fami­liar, con espe­cial refe­ren­cia a algu­nos de los hijos; entre ellos está Dino (Patrick Gard­ner) quien des­ti­na­do a ser gran­je­ro, no se entien­de muy bien con su padre; por su par­te, Ada (Rache­le Pol­trich, es una fer­vien­te reli­gio­sa que man­tie­ne un flir­teo con una chi­ca del pue­blo (Car­lot­ta Gam­ba); Fla­via (Anna Thai­ler) en su eta­pa de puber­tad es la muy estu­dio­sa y apli­ca­da de la fami­lia, en tan­to que Lucia (Mar­ti­na Scrin­zi), la mayor de las hijas, se dedi­ca a ayu­dar a su madre en las tareas del hogar ade­más de orde­ñar dia­ria­men­te la vaca de la fami­lia para pro­veer­les la leche del desayuno.

La pelí­cu­la comien­za a gra­vi­tar cuan­do Ati­lio, heri­do en la gue­rra, retor­na al hogar acom­pa­ña­do por Pie­tro (Gius­se­pe De Dome­ni­co), un apues­to sol­da­do sici­liano que le sal­vó su vida; habien­do deser­ta­do del ejér­ci­to se refu­gia en el esta­blo de los Gra­zia­dei. Pron­ta­men­te se pro­du­ce una atrac­ción entre Pie­tro y Lucia desem­bo­can­do en una rela­ción amo­ro­sa que habrá de alte­rar la diná­mi­ca familiar.

Si bien la his­to­ria en sí mis­ma es sucin­ta, el gran méri­to de la direc­to­ra es el de ilus­trar mag­ní­fi­ca­men­te la vida pas­to­ral de la fami­lia de Cesa­re que cons­ti­tu­ye un refle­jo de lo que acon­te­ce con los luga­re­ños de la comu­ni­dad rural. No obs­tan­te que la aldea está ale­ja­da del con­flic­to béli­co, eso reper­cu­te y con­for­ma la acti­tud de sus habi­tan­tes modi­fi­can­do algu­nos de sus ras­gos cul­tu­ra­les aun­que sin incluir el cam­bio del tra­di­cio­nal rol asig­na­do a la mujer den­tro del mar­co de la con­ser­va­do­ra socie­dad patriarcal.

Median­te un rela­to que en prin­ci­pio pue­de resul­tar dema­sia­do con­te­ni­do, eso amplia­men­te se com­pen­sa con la actua­ción de su exce­len­te elen­co inte­gra­do por intér­pre­tes pro­fe­sio­na­les y otros que no lo son trans­mi­tien­do con máxi­ma auten­ti­ci­dad las emo­cio­nes inter­nas de sus personajes.

Dota­do de una acer­ta­da pues­ta escé­ni­ca nutri­da de esme­ra­dos encua­dres el film adquie­re espe­cial relie­ve con la estu­pen­da foto­gra­fía de Mikhail Krich­man que a tra­vés de las cua­tro esta­cio­nes en que trans­cu­rre el rela­to va cap­tan­do la belle­za pano­rá­mi­ca de la región, ofre­cien­do al espec­ta­dor la sen­sa­ción de estar con­tem­plan­do cua­dros pic­tó­ri­cos de un museo de arte.

Por los valo­res men­cio­na­dos resul­ta gra­ti­fi­can­te invo­lu­crar­se en la embria­gan­te atmós­fe­ra que des­ti­la Ver­mi­glio que ha sido dis­tin­gui­do con el Gran Pre­mio del Jura­do en el Fes­ti­val de Vene­cia ade­más de ser uno de los títu­los nomi­na­dos para optar al Oscar de la Mejor Pelí­cu­la Inter­na­cio­nal. Jor­ge Gutman

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Cró­ni­ca de Jor­ge Gutman

He aquí los 12 títu­los lis­ta­dos alfa­bé­ti­ca­men­te que a mi jui­cio con­si­de­ro como los más tras­cen­den­tes visio­na­dos en el trans­cur­so del año que con­clu­ye. La lis­ta no con­si­de­ra otros fil­mes rele­van­tes que se darán a cono­cer en 2025 y que serán ana­li­za­dos oportunamente.

All We Ima­gi­ne as Light (India-Fran­cia-Paí­ses Bajos-Luxemburgo)

Efec­tuan­do su debut en el lar­go­me­tra­je de fic­ción, Payal Kapa­dia ofre­ce un muy con­vin­cen­te retra­to de tres muje­res indias de dife­ren­tes gene­ra­cio­nes vivien­do en la mul­ti­tu­di­na­ria ciu­dad de Mumbai.

La rea­li­za­do­ra ilus­tra cómo pue­de resul­tar difí­cil para una mujer ser due­ña de su pro­pia vida debi­do a ana­cró­ni­cas tra­di­cio­nes que aun rigen en India. Kapa­dia ideal­men­te ha con­vo­ca­do a Kani Kus­ru­ti, Div­ya Prabha y Hridhu Haroon, tres mag­ní­fi­cas actri­ces quie­nes brin­dan vita­li­dad a esta lúci­da obra feminista.

Ano­ra (Esta­dos Undos)

Habien­do obte­ni­do la Pal­ma de Oro en el Fes­ti­val de Can­nes, Sean Baker con­fir­ma con cre­ces su talen­to de estu­pen­do rea­li­za­dor en esta efi­caz come­dia dramática.

Con una impe­ca­ble pues­ta escé­ni­ca y un guión muy bien escri­to agra­cia­do de per­so­na­jes remar­ca­ble­men­te con­ce­bi­dos, Baker logra una his­to­ria atrac­ti­va rese­ñan­do el mun­do de las tra­ba­ja­do­ras sexua­les para sobre­vi­vir. A su vez el cuen­to de hadas ini­cial está nutri­do de momen­tos diver­ti­dos que per­mi­ten ate­nuar las aris­tas som­brías que la tra­ma va adqui­rien­do a medi­da que el rela­to progresa.

Ber­gers (Cana­dá-Fran­cia)

Des­pués de cua­tro impor­tan­tes lar­go­me­tra­jes, espe­cial­men­te Anti­go­ne que fue dis­tin­gui­do como el mejor film cana­dien­se en el Fes­ti­val de Toron­to de 2019, Sophie Deras­pe con­so­li­da su con­di­ción de remar­ca­ble rea­li­za­do­ra con este film que tam­bién fue pre­mia­do en el TIFF de este año como la mejor pelí­cu­la de Canadá.

Basa­da en el libro auto­bio­grá­fi­co de Math­yas Lefe­bu­re “D’òu viens-tu ber­ger?” de 2006, la logra­da adap­ta­ción cine­ma­to­grá­fi­ca de Deras­pe com­par­ti­da con el autor, adquie­re nota­ble auten­ti­ci­dad rela­tan­do la his­to­ria de un exi­to­so publi­cis­ta de Mon­treal que deja su pues­to para tras­la­dar­se a Pro­ven­za a fin de lograr una mayor satis­fac­ción de su vida como pas­tor de ovejas.

Cerrar los Ojos (Espa­ña-Argen­ti­na)

El céle­bre rea­li­za­dor Víc­tor Eri­ce que ofre­ció títu­los tan valio­sos como El Espí­ri­tu de la Col­me­na (1973), El Sur (1983) y El Sol del Mem­bri­llo (1992), des­pués de 31 años de ausen­cia retor­na con este excep­cio­nal dra­ma melan­có­li­co. Sin duda algu­na el octo­ge­na­rio cineas­ta emer­ge más lúci­do que nun­ca, per­mi­tien­do que el ciné­fi­lo goce con la his­to­ria pro­pues­ta por él con la cola­bo­ra­ción de Michel Gaz­tam­bi­de don­de la memo­ria y el olvi­do adquie­ren tras­cen­den­cia. A la magis­tral pues­ta escé­ni­ca de Eri­ce se aña­de las inme­jo­ra­bles actua­cio­nes de Mano­lo Solo y José Coronado.

La magia del cine, tal como había sido con­ce­bi­da por los her­ma­nos Augus­te y Louis Lumiè­re, ha sido mara­vi­llo­sa­men­te revi­vi­da por Eri­ce en esta extra­or­di­na­ria película.

Daho­mey (Fran­cia-Sene­gal-Benín)

La direc­to­ra fran­co-sene­ga­le­sa Mati Diop enca­ra este enco­mia­ble docu­men­tal que por sus indis­cu­ti­bles méri­tos ha sido dis­tin­gui­do con el Oso de Oro en la últi­ma edi­ción del fes­ti­val de Berlín.

La pelí­cu­la revi­ve el pasa­do colo­nial del rei­na­do de Daho­mey, hoy día la Repú­bli­ca de Benín, a tra­vés de un des­pó­ti­co saqueo ocu­rri­do en 1892 en el que las tro­pas colo­nia­les de Fran­cia se adue­ña­ron de apro­xi­ma­da­men­te 7000 obras de arte.

En poco más de una hora, la docu­men­ta­lis­ta entre­ga un vibran­te docu­men­tal expues­to de mane­ra sen­ci­lla pero amplia­men­te ilus­tra­ti­vo sobre la inter­ac­ción exis­ten­te entre el pre­sen­te y el pasa­do colo­nial a pesar de que en el con­ti­nen­te afri­cano aún per­sis­ten resa­bios del mismo.

Los Colo­nos (Argen­ti­na-Fran­cia-Dina­mar­ca-Gran Bretaña-Suecia-Taiwán)

Des­pués de una expe­rien­cia como guio­nis­ta y edi­tor en cor­to­me­tra­jes Feli­pe Gál­vez debu­ta con el lar­go­me­tra­je ilus­tran­do lúci­da­men­te de mane­ra fic­cio­nal un dra­ma his­tó­ri­co sobre el tra­ta­mien­to reci­bi­do por la pobla­ción autóc­to­na de Chi­le a prin­ci­pios del siglo pasado.

Screenshot

Median­te un rit­mo flui­do el cineas­ta chi­leno sobria­men­te expo­ne las atro­ci­da­des come­ti­das por los colo­nos. El film se valo­ri­za con el apor­te de la foto­gra­fía de Simo­ne D’Arcangelo cap­tan­do el agres­te pai­sa­je en que trans­cu­rre la acción. En esen­cia, la pelí­cu­la denun­cia con­tun­den­te­men­te la acción arra­sa­do­ra y des­truc­ti­va de los pue­blos ori­gi­na­rios que tuvo lugar en la Pata­go­nia, en nom­bre de una tris­te colo­ni­za­ción ten­dien­te a apli­car el racis­mo y el cri­men a fin de lograr una pobla­ción más puri­fi­ca­da. 

Emi­lia Pérez (Fran­cia)

Con­si­de­ra­do como uno de los más sobre­sa­lien­tes cineas­tas a nivel inter­na­cio­nal, Jac­ques Audiard entre­ga esta des­lum­bran­te obra ambien­ta­da en la ciu­dad de Méxi­co que en Can­nes ha sido galar­do­na­da con el Pre­mio del Jurado.

La ruti­na de una pres­ti­gio­sa abo­ga­da pena­lis­ta se ve alte­ra­da cuan­do un peli­gro­so líder de un car­tel de dro­gas requie­re que ella le pres­te un ser­vi­cio muy espe­cial por el que será recom­pen­sa­da con una fabu­lo­sa suma monetaria.

Con una mez­cla de dife­ren­tes géne­ros inclu­yen­do melo­dra­ma, rea­lis­mo social, come­dia musi­cal, sus­pen­so y humor negro, la pelí­cu­la des­pier­ta admi­ra­ción por su ori­gi­na­li­dad, su impe­ca­ble narra­ti­va y la ava­sa­llan­te inter­pre­ta­ción de Zoe Sal­da­na, Kar­la Sofiía Gas­cón y Sele­na Gómez, que com­par­tie­ron el pre­mio a la mejor actua­ción feme­ni­na en Cannes.

Con nota­ble vita­li­dad Audiard ha podi­do cap­tar la esen­cia del dra­ma social que afli­ge a Méxi­co, tan­to en lo que con­cier­ne al femi­ci­dio, como asi­mis­mo a la vio­len­cia des­ple­ga­da por los nar­co­tra­fi­can­tes que en muchos casos cuen­tan con el corrup­to apo­yo político.

Rapi­to / Kid­nap­ped (Ita­lia-Frran­cia-Ale­ma­nia)

Con asom­bro­sa vita­li­dad el emble­má­ti­co rea­li­za­dor ita­liano Mar­co Belloc­chio des­lum­bra con este film cuyo eje cen­tral resi­de en un escan­da­lo­so rapto.

Basa­do en un acon­te­ci­mien­to verí­di­co, el eje dra­má­ti­co de la his­to­ria que trans­cu­rre en Bolo­nia comien­za en 1858 cuan­do ante la deses­pe­ra­ción de sus padres judíos, uno de sus hiji­tos de 6 años es secues­tra­do de su hogar por repre­sen­tan­tes del Papa Pio IX y tras­la­da­do a Roma para vivir en un semi­na­rio, comen­zan­do su pro­ce­so de con­ver­sión a la fe cristiana.

Con gran maes­tría Belloc­chio narra este dra­má­ti­co suce­so don­de que­da implí­ci­ta la mar­ca­da crí­ti­ca al com­por­ta­mien­to de la igle­sia con su abu­so del poder así como denun­cian­do el infa­me anti­se­mi­tis­mo sus­ten­ta­do por algu­nos de sus miem­bros. Este vibran­te dra­ma nutri­do de con­si­de­ra­ble ten­sión atra­pa el inte­rés del espec­ta­dor mer­ced a la nota­ble auten­ti­ci­dad logra­da por el icó­ni­co realizador.

The Teacher’s Loun­ge (Ale­ma­nia)

Una seve­ra crí­ti­ca al sis­te­ma edu­ca­cio­nal impe­ran­te en una escue­la de Ale­ma­nia es lo que ofre­ce el direc­tor Ilker Çatak en este mag­ní­fi­co film. En una satis­fac­to­ria com­bi­na­ción de la acer­ta­da direc­ción y del remar­ca­ble guión escri­to por el rea­li­za­dor y Johan­nes Dunc­ker se apre­cia un impac­tan­te dra­ma mati­za­do de sus­pen­so, don­de una entu­sias­ta e idea­lis­ta docen­te es injus­ta­men­te mar­gi­na­da por sus cole­gas y la direc­ción del cole­gio don­de ejerce.

Çatak acer­ta­da­men­te expo­ne el ámbi­to esco­lar como un micro­cos­mos de lo que acon­te­ce en el medio social don­de los rumo­res y las noti­cias fal­sas pue­den afec­tar la vida de per­so­nas ino­cen­tes que por empe­ñar­se en la bús­que­da de la ver­dad ter­mi­nan des­trui­das. A los méri­tos de la rea­li­za­ción y de la rique­za del guión de este pro­vo­ca­ti­vo film se agre­ga un mag­ní­fi­co elen­co lide­ra­do por Leo­nie Benesch en el que los intér­pre­tes que la secun­dan ofre­cen com­ple­ta auten­ti­ci­dad a los per­so­na­jes que les ha toca­do componer.

The Zone of Inter­est (Esta­dos Uni­dos-Gran Bretaña-Polonia)

En este dra­ma exce­len­te­me­ne rea­li­za­do el cineas­ta Jonathan Gla­zer con­si­de­ra la tri­via­li­dad malig­na a tra­vés de la figu­ra de Rudolf Höss quien ha sido el coman­dan­te del cam­po de con­cen­tra­ción de Ausch­witz. Gla­zer efec­túa un pon­de­ra­ble retra­to de la doble per­so­na­li­dad de un hom­bre que es un exce­len­te padre y espo­so pero que al mis­mo tiem­po mues­tra su fría male­vo­len­cia diri­gien­do el exter­mi­nio humano como si se tra­ta­ra de cual­quier noble tarea.

Lo más tras­ce­den­te de este per­tur­ba­dor film es com­pro­bar cómo la tra­ge­dia del Holo­caus­to no ha eli­mi­na­do el nivel de anti­se­mi­tis­mo vigen­te así como el omi­no­so fas­cis­mo pre­va­le­cien­te en varias regio­nes del mundo

A COM­PLE­TE UNK­NOWN. Esta­dos Uni­dos, 2024. Un film de James Man­gold. 140 minutos

Tras haber abor­da­do exi­to­sa­men­te al can­tan­te de músi­ca country Johnny Cash en Walk the Line.(2005), el rea­li­za­dor James Man­gold aho­ra con­si­de­ra en A Com­pe­te Unk­nown a Bob Dylan. Este emble­má­ti­co artis­ta que fue dis­tin­gui­do en 2016 con el pres­ti­gio­so Pre­mio Nobel de Lite­ra­tu­ra, median­te seis déca­das de pro­di­gio­sa carre­ra cons­ti­tu­ye una refe­ren­cia cul­tu­ral de la músi­ca como letris­ta y com­po­si­tor de canciones.

Timothée Cha­la­met

El film solo abor­da un perío­do muy bre­ve de su vida, por lo que de modo alguno pue­de ser con­si­de­ra­do como una com­ple­ta bio­gra­fía. Basa­do en el libro Dylan Goes Elec­tric del perio­dis­ta Eli­jah Wald, el guión del cineas­ta com­par­ti­do con Jay Cocks pre­sen­ta al joven Dylan (Timothée Cha­la­met) quien en 1961 a los 19 años pro­ce­den­te de Min­ne­so­ta lle­ga a la ciu­dad de Nue­va York, por­tan­do una mochi­la y su inse­pa­ra­ble gui­ta­rra acústica.

Su pri­mer paso es acu­dir al hos­pi­tal a ver a su ido­la­tra­do Woody Guth­rie (Scoot McNairy) quien yace pos­tra­do por estar afec­ta­do de la enfer­me­dad de Hun­ting­ton que le impi­de hablar; no obs­tan­te Dylan le dedi­ca su tema Song for Wood. De inme­dia­to se vin­cu­la con el afa­ma­do músi­co del ban­jo Pete See­ger (Edward Nor­ton), quien le brin­da la opor­tu­ni­dad de actuar con­jun­ta­men­te en el bohe­mio barrio de Green­wich Villa­ge. Mien­tras que len­ta­men­te va hacién­do­se cono­cer enta­bla un víncu­lo román­ti­co con la artis­ta y acti­vis­ta Syl­vie Rus­so (Elle Fan­ning), pos­te­rior­men­te apa­re­ce­rá en su vida Joan Baez (Moni­ca Bar­ba­ro), la remar­ca­ble can­tan­te de la músi­ca folk, quien le invi­ta a com­par­tir su actua­ción en esce­na, inter­pre­tan­do entre otros núme­ros memo­ra­bles Like a Rolling Sto­ne; al igual que See­ger ella con­tri­bu­yó a lan­zar su carrera.

El rela­to ilus­tra la evo­lu­ción de Dylan des­de la músi­ca folk hacia las can­cio­nes de pro­tes­ta, al pro­pio tiem­po que abo­ga por los dere­chos civi­les. El momen­to cul­mi­nan­te de su carre­ra que lo cata­pul­ta mun­dial­men­te a la fama se pro­du­ce en el Fes­ti­val de New­port Folk de 1965 ento­nan­do múl­ti­ples can­cio­nes con su gui­ta­rra eléc­tri­ca; es allí don­de el públi­co asis­ten­te se enfer­vo­ri­za escu­chan­do entre otro temas Girl from the North Country y Blo­wing in the Wind.

El film cons­ti­tu­ye en sí mis­mo un fes­ti­val de can­cio­nes y en tal sen­ti­do no ofre­ce gran ten­sión dra­má­ti­ca; si bien el artis­ta Dylan es indis­cu­ti­ble­men­te cono­ci­do, en cam­bio el hom­bre que hay por detrás es un “com­ple­to des­co­no­ci­do”, alu­dien­do a su títu­lo. Es así que nada se sabe de su vida per­so­nal, cómo ha sido su infan­cia ni cómo sur­gió su amor por la música.

Entre los fac­to­res posi­ti­vos de la pelí­cu­la, el más impor­tan­te es la excep­cio­nal inter­pre­ta­ción de Cha­la­met trans­mi­tien­do cabal­men­te la enig­má­ti­ca y mis­te­rio­sa figu­ra de Dylan, a la vez que es enco­mia­ble su actua­ción como can­tan­te e ins­tru­men­tis­ta de la gui­ta­rra y la armó­ni­ca. A su lado igual­men­te se des­ta­ca Fan­ning quien carac­te­ri­zan­do a Syl­vie, demues­tra la vul­ne­ra­bi­li­dad y peno­so sen­ti­mien­to de aban­dono al com­pren­der que jamás podrá lograr una rela­ción esta­ble con Dylan; igual­men­te es con­vin­cen­te Bar­ba­ro quien con su poten­te voz y caris­má­ti­ca per­so­na­li­dad con­vin­cen­te­men­te reme­mo­ra a la inol­vi­da­ble can­tan­te, com­po­si­to­ra y acti­vis­ta Baez. Asi­mis­mo el film se valo­ri­za por el dise­ño de pro­duc­ción de Fra­nçois Audouy repro­du­cien­do mag­ní­fi­ca­men­te la ambien­ta­ción de la épo­ca en que trans­cu­rre la acción.

En esen­cia, este film con­ven­cio­nal­men­te rea­li­za­do por Man­gold lle­ga­rá a satis­fa­cer a los segui­do­res del céle­bre artis­ta, más no sea por la vibran­te pre­sen­cia de Cha­la­met cap­tan­do su recón­di­ta per­so­na­li­dad. Jor­ge Gutman

LA PLUS PRÉ­CIEU­SE DES MER­CHAN­DI­SES. Fran­cia, 2024. Un film de Michel Haza­na­vi­cius. 81 minutos

A la mane­ra de un cuen­to moral, Michel Haza­na­vi­cius, el osca­ri­za­do direc­tor de L’artist (2011), recu­rre por pri­me­ra vez a la téc­ni­ca de la ani­ma­ción para abor­dar en La Plus Pré­cieu­se des Mer­chan­di­ses un sóli­do dra­ma con el Holo­caus­to como telón de fondo.

Una esce­na del film

La his­to­ria está basa­da en el libro homó­ni­mo del dra­ma­tur­go fran­cés Jean-Clau­de Grum­berg publi­ca­do en 2019 y que ha sido adap­ta­do por el autor con­jun­ta­men­te con Haza­na­vi­cius. Ambien­ta­do en una zona fores­tal de Polo­nia en ple­na tem­po­ra­da inver­nal duran­te la Segun­da Gue­rra el rela­to narra­do en off por la cáli­da voz del malo­gra­do actor Jean-Louis Trin­tig­nant pre­sen­ta a un humil­de matri­mo­nio de leña­do­res (voces de Gré­gory Gade­bois y Domi­ni­que Blanc) que no ha podi­do con­ce­bir un hijo.

Fre­cuen­te­men­te la leña­do­ra se diri­ge a las vías férreas pró­xi­mas del lugar aguar­dan­do que los tre­nes que pasan arro­jen ali­men­tos para saciar el ham­bre; gran­de es su sor­pre­sa cuan­do des­cu­bre que de un ferro­ca­rril en mar­cha a tra­vés de una de sus ven­ta­nas ha sido lan­za­do una bebi­ta. Atri­bu­yen­do ese hecho a un mila­gro­so rega­lo del cie­lo, ella inme­dia­ta­men­te reco­ge a la cria­tu­ra con­si­de­rán­do­la como la más pre­cio­sa de las mer­can­cías que pudie­ra haber reci­bi­do. Sin embar­go, su mari­do hos­co y gru­ñón, sabien­do que la infan­te debió haber sido arro­ja­da por algu­nos de los con­de­na­dos judíos des­ti­na­dos al cam­po de con­cen­tra­ción de Aus­chi­witz, imbui­do del sen­ti­mien­to anti­se­mi­ta de la zona rehú­sa a acep­tar­la temien­do que su pre­sen­cia les pue­da per­ju­di­car; su mujer deci­di­da­men­te se opo­ne y deci­de pro­te­ger­la y cui­dar­la como si se tra­ta­ra de su pro­pia hiji­ta. Al poco tiem­po el leña­dor se con­gra­cia con la sim­pa­tía de la chi­qui­ta pro­te­gién­do­la y brin­dán­do­le jun­to a su espo­sa el amor pater­nal, como asi­mis­mo enfren­tan­do la resis­ten­cia de sus cole­gas y de la policía.

Median­te una elip­sis, el dis­cur­so narra­ti­vo adop­ta un tono som­brío al cen­trar la aten­ción en el padre judío que arro­jó a la cria­tu­ra al atis­bar que de ese modo ella pue­da sal­var su vida por alguien que la res­ca­te, como efec­ti­va­men­te ocurrió.

Con remi­nis­cen­cia bíbli­ca del Anti­guo Tes­ta­men­to refe­ri­do a la sal­va­ción de Moi­sés que había que­da­do aban­do­na­do en las aguas del Nilo, Haza­na­vi­cius logra un con­mo­ve­dor dra­ma de la Shoa dejan­do en su reso­lu­ción un men­sa­je de espe­ran­za. Aun­que lo narra­do no está basa­do en un caso real, obvia­men­te es una remar­ca­ble repre­sen­ta­ción del odio, vio­len­cia y bru­tal ani­qui­la­ción de los judíos duran­te el san­grien­to con­flic­to béli­co euro­peo. Median­te una ani­ma­ción sen­ci­lla de tipo arte­sa­nal y visual­men­te efec­ti­va, sus pujan­tes dibu­jos expre­san cabal­men­te la terri­ble reali­dad his­tó­ri­ca que se des­pren­de de esta sin­gu­lar fábula.

En esen­cia, el direc­tor ofre­ce una peque­ña joya de ani­ma­ción, muy bien eje­cu­ta­da, cuyo men­sa­je huma­ni­ta­rio per­mi­te legí­ti­ma­men­te emo­cio­nar al espec­ta­dor. En los actua­les momen­tos en que el espec­tro del anti­se­mi­tis­mo cobra inusi­ta­da fuer­za; este alec­cio­na­dor y didác­ti­co cuen­to resul­ta más que bien­ve­ni­do para la actual gene­ra­ción. Jor­ge Gutman