MAPS TO THE STARS. Cana­dá-Esta­dos Uni­dos-Ale­ma­nia-Fran­cia, 2014. Un film de David Cronenberg

David Cro­nen­berg retor­na al cine para ofre­cer un cua­dro impla­ca­ble de cier­ta gen­te que con­vi­ve en el agi­ta­do mun­do de Holly­wood. A tra­vés de una his­to­ria coral con per­so­na­jes que en su gran mayo­ría resul­tan des­pre­cia­bles, el públi­co asis­te a un feroz rela­to don­de cual­quier medio resul­ta líci­to para lograr los fines perseguidos.

Julian­ne Moore

Uno de los per­so­na­jes es Hava­na Segrand (Julian­ne Moo­re), una madu­ra, neu­ró­ti­ca e his­té­ri­ca actriz deca­den­te que no se resig­na a admi­tir el paso del tiem­po y que ambi­cio­na revi­vir las glo­rias de un pasa­do ya lejano. De un mar­ca­do ego­cen­tris­mo, su inme­dia­to pro­pó­si­to es asu­mir el rol pro­ta­gó­ni­co de un nue­vo film en don­de años atrás su madre (Sarah Gor­don) había enca­be­za­do el repar­to. Cuan­do la intér­pre­te que iba a inter­pre­tar­lo –y según pare­ce es su ami­ga- sufre una gran des­gra­cia por la muer­te acci­den­tal de su hiji­to y no está en con­di­cio­nes de actuar, Hava­na enlo­que­ci­da de ale­gría fes­te­ja ese dra­ma por­que le alla­na el camino para reem­pla­zar­la. Otro per­so­na­je pro­ble­ma­ti­za­do es el de Agatha (Mia Wasi­kows­ka), una tími­da y enfer­mi­za chi­ca con un tris­te pasa­do de piró­ma­na, que lle­ga a Holly­wood pro­ce­den­te de Flo­ri­da y logra con­se­guir un tra­ba­jo como asis­ten­te per­so­nal de Hava­na. De natu­ra­le­za inaguan­ta­ble y des­pre­cia­ble es Ben­jie (Evan Bird), el her­mano menor de Agatha que aca­ba de ter­mi­nar su cura de des­in­to­xi­ca­ción; con sus 13 años ya gana una for­tu­na en un show tele­vi­si­vo y no tie­ne escrú­pu­lo alguno de des­pren­der­se de cual­quier rival que se le cru­ce en el camino aun­que ello impli­que come­ter un cri­men. A esta fau­na huma­na se agre­ga la madre de Benie (Oli­via Williams) quien se ocu­pa de mane­jar­le sus finan­zas, en tan­to que su mari­do (John Cusak) es un gurú de la tele­vi­sión y una suer­te de guía espi­ri­tual que se encar­ga de sumi­nis­trar tera­pia físi­ca a Havana.

A tra­vés de los per­so­na­jes des­crip­tos y valién­do­se del guión de Bru­ce Wag­ner, Cro­nen­berg ofre­ce un rela­to impia­do­so y cruel al que no le fal­ta sexo, inces­to, mani­pu­la­ción, per­ver­sión, exa­cer­ba­da vio­len­cia, pro­fu­sa san­gre y algu­nas esce­nas esca­to­ló­gi­cas de dudo­so gus­to. Todo ello se tra­du­ce en una pin­tu­ra nada ama­ble de una gale­ría de carac­te­res que se dis­tin­guen por una fal­ta casi total de huma­ni­dad, con la sola excep­ción de un con­duc­tor de limu­si­nas (Robert Pat­tin­son) que aspi­ra a ser actor.

Aun­que la pelí­cu­la no care­ce de inte­rés y posee algu­nas esce­nas auda­ces bien logra­das, el film está des­ni­ve­la­do por algu­nas situa­cio­nes incohe­ren­tes que lo vuel­ven des­pa­re­jo. Con todo, y sin que pue­da com­pa­rar­se al tra­ta­mien­to más rigu­ro­so y pro­fun­do que Robert Alt­man brin­da­ra en The Pla­yer (1992) sobre el mun­do de la indus­tria cine­ma­to­grá­fi­ca de Holly­wood, que­da como resul­ta­do una excén­tri­ca sáti­ra que pue­de ver­se, sobre todo por el cali­fi­ca­do elen­co y muy espe­cial­men­te por la actua­ción de Julian­ne Moo­re que le valió el pre­mio a la mejor actriz en el últi­mo fes­ti­val de Cannes.

Con­clu­sión: Un film menor de Cro­nen­berg que a pesar de sus alti­ba­jos logra entre­te­ner. Jor­ge Gutman

WHI­PLASH. Esta­dos Uni­dos, 2013. Un film escri­to y diri­gi­do por Damien Chazelle

Si hubie­ra que men­cio­nar un film de 2014 que impac­te de mane­ra rotun­da y vis­ce­ral, sin duda sería Whi­plash. Aun­que el cine ha con­si­de­ra­do más de una vez las dife­ren­tes mani­fes­ta­cio­nes que pue­den adop­tar los víncu­los que se esta­ble­cen entre pro­fe­so­res y alum­nos, pocas veces esa rela­ción alcan­zó el nivel de extre­ma cru­de­za que se apre­cia en este film que mere­ció en el fes­ti­val de Sun­dan­ce el Gran Pre­mio del Jura­do y el del público.

Miles Teller y J.K. Simons

El prin­ci­pal méri­to de este exce­len­te dra­ma es la nota­ble carac­te­ri­za­ción de carac­te­res logra­da por el talen­to­so rea­li­za­dor Damien Cha­ze­lle en la ela­bo­ra­ción del guión. En esen­cia, el film expo­ne el encuen­tro de dos per­so­na­li­da­des cuya rela­ción se desa­rro­lla en un nivel de inten­sa ten­sión. La acción que se desa­rro­lla en la ciu­dad de Nue­va York pre­sen­ta a Andrew (Miles Teller), un mucha­cho de apro­xi­ma­da­men­te 20 años apa­sio­na­do de la bate­ría que estu­dia en un con­ser­va­to­rio de músi­ca muy com­pe­ti­ti­vo. Sus espe­cia­les dotes son apre­cia­das por Teren­ce Flet­cher (J.K. Simons), quien es uno de los más impor­tan­tes pro­fe­so­res de jazz de la aca­de­mia; por esa razón es inme­dia­ta­men­te invi­ta­do a que par­ti­ci­pe en un pres­ti­gio­so con­jun­to musi­cal del esta­ble­ci­mien­to. A par­tir de ese momen­to sur­ge un víncu­lo sado­ma­so­quis­ta entre el pro­fe­sor y su alumno, en la medi­da que Flet­cher uti­li­za su ins­tin­ti­va natu­ra­le­za bru­tal para exi­gir de sus estu­dian­tes y fun­da­men­tal­men­te de Andrew esfuer­zos sobre­hu­ma­nos para que él pue­da tocar a la perfección.

Si en prin­ci­pio uno podría com­pren­der la volun­tad del maes­tro de obte­ner los máxi­mos valo­res poten­cia­les del alumno al que ins­tru­ye, en el caso pre­sen­ta­do por Cha­ze­lle el edu­ca­dor se com­por­ta con un exa­cer­ba­do sadis­mo que prác­ti­ca­men­te des­tru­ye el equi­li­brio emo­cio­nal de Andrew. No sería exa­ge­ra­do seña­lar que la for­ma des­car­na­da y humi­llan­te con que lo tra­ta podría ase­me­jar­se a la fero­ci­dad que los terri­bles guar­dia­nes del régi­men nazi lo hacían con los pri­sio­ne­ros de los cam­pos de con­cen­tra­ción o bien a las prue­bas de resis­ten­cia a las que los sol­da­dos son some­ti­dos en el ejér­ci­to por sus superiores.

La inten­sa vio­len­cia emo­cio­nal con­te­ni­da en el rela­to logra trans­mi­tir­se de un modo tan rea­lis­ta que uno se olvi­da que está asis­tien­do a una his­to­ria de fic­ción para en cam­bio supo­ner­la com­ple­ta­men­te ver­da­de­ra; pre­ci­sa­men­te, el gra­do de rea­lis­mo de lo que se pre­sen­cia lle­ga a un extre­mo tal en don­de esa vir­tud pue­de lle­gar a inco­mo­dar al obser­va­dor por la extre­ma­da dure­za que se pre­sen­ta en la bata­lla psi­co­ló­gi­ca enta­bla­da entre sus dos per­so­na­jes centrales.

Aun­que el libre­to des­cri­ba mag­ní­fi­ca­men­te a Andrew y Flet­cher, tal esfuer­zo habría que­da­do miti­ga­do de no haber con­ta­do con dos acto­res que se entre­gan en cuer­po y alma a dichos per­so­na­jes. Resul­ta impo­si­ble dejar de admi­rar el esfuer­zo físi­co que rea­li­za Andrew, a tra­vés de Miles Teller, con las esco­bi­llas emplea­das para gol­pear los pla­ti­llos a fin de lograr el jus­to tono reque­ri­do por la músi­ca eje­cu­ta­da; al pro­pio tiem­po uno no pue­de dejar de sen­tir­se ape­na­do por la sin­ce­ri­dad de un joven que con sudor, dolor y lágri­mas sufre los emba­tes inflin­gi­dos por su abu­si­vo ins­truc­tor pero que al pro­pio tiem­po no pue­de aban­do­nar­lo por­que su entre­ga por la músi­ca y el jazz supera lo indes­crip­ti­ble; más aún, su gra­do de dedi­ca­ción es tan gran­de que has­ta renun­cia a la posi­bi­li­dad de pro­se­guir una rela­ción sen­ti­men­tal con una bue­na chi­ca (Melis­sa Benoist) por­que podría sig­ni­fi­car­le un obs­tácu­lo a su carre­ra. A J.K.Simmons por su par­te le corres­pon­de dar vida a un ingra­to per­so­na­je quien con un sadis­mo mali­cio­so bus­ca la exce­len­cia de su alumno recu­rrien­do a méto­dos huma­na­men­te deni­gran­tes para lograr su pro­pó­si­to; en tal sen­ti­do este actor logra una admi­ra­ble carac­te­ri­za­ción de su rol.

Final­men­te, el gran elo­gio va para Cha­ze­lle quien ade­más de rela­tar mag­ní­fi­ca­men­te una tris­te his­to­ria gra­ti­fi­ca al espec­ta­dor con la exce­len­cia de la músi­ca de jazz que en su núme­ro final alcan­za una dimen­sión incon­men­su­ra­ble como pocas veces se ha vis­to en cine.

Con­clu­sión: Un film exce­len­te. Jor­ge Gutman

BIRD­MAN OR (THE UNEX­PEC­TED VIR­TUE OF IGNO­RAN­CE). Esta­dos Uni­dos, 2014. Un film de Ale­jan­dro Gon­zá­lez Iñárritu

El títu­lo del recien­te film de Ale­jan­dro Gon­zá­lez Iñá­rri­tu hace refe­ren­cia al rol que duran­te cier­to tiem­po solía inter­pre­tar el per­so­na­je cen­tral de la his­to­ria aquí pro­pues­ta. Se tra­ta de Rig­gan Thom­son (Michael Kea­ton), un actor sexa­ge­na­rio que déca­das atrás fue famo­so ani­man­do a “Bird­man”, un super­hé­roe de his­to­rie­ta, y que aho­ra atra­vie­sa en su vida una ins­tan­cia difí­cil al que­rer con­ven­cer­se de que aún tie­ne la capa­ci­dad, ima­gi­na­ción y vigor nece­sa­rios para impo­ner­se nue­va­men­te como actor a la vez que direc­tor tea­tral. A tra­vés de este per­so­na­je, el inte­li­gen­te rea­li­za­dor ofre­ce un cua­dro rea­lis­ta de lo que se vive detrás de la esce­na en opor­tu­ni­dad de estre­nar una pie­za de tea­tro en Broad­way, que es el lugar de mayor visi­bi­li­dad para el triun­fo o el fra­ca­so de quie­nes están direc­ta­men­te invo­lu­cra­dos en el proyecto.

Michael Kea­ton y Edward Norton

Rig­gan es el director,y uno de los acto­res de una obra tea­tral que él adap­tó basa­da en una nove­la de Ray­mond Car­ver. De inmi­nen­te estreno en el Tea­tro St. James, una de las más impor­tan­tes salas de Nue­va York ubi­ca­da en el cora­zón de Broad­way, este acon­te­ci­mien­to tie­ne un sig­ni­fi­ca­do muy espe­cial para Rig­gan dado que cree que le per­mi­ti­rá reco­brar la popu­la­ri­dad de anta­ño. Un día antes del comien­zo de las repre­sen­ta­cio­nes de pre-estreno, el intér­pre­te prin­ci­pal sufre un acci­den­te lo que moti­va a que sea reem­pla­za­do por el actor Mike Shi­ner (Edward Nor­ton), dado que según la opi­nión de Jake (Zach Gali­fia­na­kis) ‑pro­duc­tor de la obra- es un artis­ta bien cono­ci­do y cons­ti­tu­ye una garan­tía para atraer al público.

A par­tir de allí el film, que sal­vo algu­nas esce­nas exte­rio­res de Times Squa­re trans­cu­rre en el inte­rior del edi­fi­cio tea­tral (corre­do­res, cama­ri­nes, esce­na­rio), va ilus­tran­do lo que acon­te­ce con Rig­gan en su difi­cul­to­sa rela­ción enta­bla­da con el domi­nan­te Mike quien pro­cu­ra ejer­cer el con­trol de la obra, su pare­ja Lau­ra (Andrea Rise­bo­rough), la actriz prin­ci­pal (Nao­mi Watts) que tra­ta de alen­tar­lo, su ex espo­sa Syl­via (Amy Ryan) y en espe­cial con su hija Sam (Emma Sto­ne); esta últi­ma, ade­más de ser su asis­ten­te, es la úni­ca que se atre­ve a expre­sar­le con ente­ra fran­que­za algu­nas ver­da­des como cuan­do le dice que al no que­rer par­ti­ci­par en las redes socia­les de la era digi­tal, él se con­vier­te en un hom­bre inexis­ten­te sin tras­cen­den­cia alguna.

En todo el caó­ti­co movi­mien­to que pre­ce­de al estreno, Iñá­rri­tu ofre­ce un muy buen retra­to de un indi­vi­duo tra­tan­do de com­ba­tir sus demo­nios inter­nos y que en algu­nos momen­tos de su esta­do deli­ran­te se encuen­tra pose­sio­na­do por el sim­bó­li­co “hom­bre pája­ro” que solía ani­mar años atrás y que con su voz inte­rior le hace ver que es un medio­cre actor.

Con un exce­len­te mane­jo de la cáma­ra en mano que pare­cie­ra haber sido fil­ma­do en un úni­co inin­te­rrum­pi­do plano secuen­cia –en gran par­te gra­cias a la habi­li­dad del exce­len­te direc­tor de foto­gra­fía Emma­nuel Lubez­ki- Bird­man deja amplio mar­gen de refle­xión sobre el sig­ni­fi­ca­do del éxi­to, cómo el trans­cur­so inexo­ra­ble del tiem­po pue­de afec­tar la pro­se­cu­ción de la carre­ra de un actor de edad madu­ra, así como los entre­te­lo­nes del pro­ce­so artís­ti­co de una obra tea­tral y la diná­mi­ca esta­ble­ci­da entre los acto­res participantes.

Como nota de gran per­ti­nen­cia el guión se refie­re a la influen­cia que ejer­cen los crí­ti­cos tea­tra­les repre­sen­tan­tes de influ­yen­tes medios de comu­ni­ca­ción, quie­nes con sus comen­ta­rios de eva­lua­ción poseen el poder de deci­dir el futu­ro comer­cial de una obra y su per­ma­nen­cia en car­tel; eso se ilus­tra en una dra­má­ti­ca esce­na que tie­ne lugar en un res­tau­ran­te don­de una pres­ti­gio­sa y temi­da crí­ti­ca (Lind­say Dun­can) no tie­ne empa­cho alguno de mani­fes­tar a Rig­gan, que cual­quie­ra sea su apre­cia­ción al juz­gar la obra que va a estre­nar, su opi­nión será nega­ti­va por­que odia lo que él repre­sen­ta y desea des­truir­lo profesionalmente.

En el sóli­do repar­to, Kea­ton apor­ta exce­len­te­men­te los dife­ren­tes mati­ces de un com­ple­jo rol dan­do vida al actor-direc­tor que sufre los gol­pes emo­cio­na­les de una cri­sis exis­ten­cial; Nor­ton, por su par­te tam­bién bri­lla en un per­so­na­je arro­lla­dor, sobre­to­do en algu­nas esce­nas inter­ac­tuan­do con Rig­gan, como así tam­bién en la joco­sa situa­ción que se pro­du­ce cuan­do actuan­do en el esce­na­rio fren­te al públi­co asis­ten­te lle­ga a exci­tar­se sexual­men­te en una esce­na ínti­ma man­te­ni­da con el per­so­na­je ani­ma­do por Watts.

Solo dos repa­ros mere­ce Bird­man; el pri­me­ro de los mis­mos radi­ca en el uso exce­si­vo de los ele­men­tos de fan­ta­sía y sim­bo­lis­mos que pue­den resul­tar alie­nan­tes; en segun­do lugar es que el alo­ca­do y caó­ti­co rit­mo en que están inmer­sos sus per­so­na­jes crean una dis­tan­cia emo­cio­nal con el espec­ta­dor. Con todo, Iñá­rri­tú logra refle­jar el dra­ma humano de un paté­ti­co ser humano deses­pe­ra­do en pro­cu­rar un reco­no­ci­mien­to pro­fe­sio­nal a la vez que el afec­to y amor en el plano personal.

Con­clu­sión: Una audaz y deli­ran­te come­dia negra.  Jor­ge Gut­man 

ST. VIN­CENT. Esta­dos Uni­dos, 2014. Un film escri­to y diri­gi­do por Theo­do­re Melfi

Que un hom­bre hura­ño, soli­ta­rio y poco ami­ga­ble sea san­ti­fi­ca­do pue­de resul­tar impro­ba­ble, pero eso es lo que suce­de en St. Vin­cent, pri­mer lar­go­me­tra­je diri­gi­do y escri­to por Theo­do­re Mel­fi y pro­ta­go­ni­za­do por el bri­llan­te come­dian­te Bill Murray.

Bill Murray y Jae­den Lieberher

El guión del rea­li­za­dor enfo­ca a Vin­cent (Murray), un vete­rano de la gue­rra de Viet­nam quien en pro­ce­so de reha­bi­li­ta­ción guar­da algu­nas secue­las de un derra­me cere­bral. De natu­ra­le­za inex­pre­si­va y de difí­cil tem­pe­ra­men­to, su vida cam­bia radi­cal­men­te cuan­do Mag­gie (Melis­sa McCarthy), una madre mono­pa­ren­tal de modes­tos recur­sos, y su hijo Oli­ver (Jae­den Lie­berher) de 12 años lle­gan a habi­tar la casa veci­na y en don­de las rela­cio­nes enta­bla­das al prin­ci­pio dis­tan de ser cordiales.

Tra­ba­jan­do en un labo­ra­to­rio médi­co con hora­rios alter­na­ti­vos, Mag­gie no desea que su hijo que­de solo en la casa al regre­sar de la escue­la y es por esa razón que soli­ci­ta a Vin­cent que cui­de del menor; aun­que con reluc­tan­cia éste acep­ta la tarea que le pro­vee­rá 12 dóla­res por hora y le ayu­da­rá en par­te a solu­cio­nar sus difi­cul­ta­des financieras.

Lo que con­ti­núa es bien pre­de­ci­ble. Un víncu­lo frío y poco ami­ga­ble va cedien­do gra­dual­men­te lugar a una rela­ción cáli­da entre el hom­bre hos­co y gru­ñón pero tierno de cora­zón con un niño tími­do que debe supe­rar algu­nos pro­ble­mas con sus com­pa­ñe­ros de escue­la. Así él le ense­ña­rá cómo adqui­rir mayor con­fian­za en sí mis­mo, cómo actuar fren­te a los chi­cos que lo aco­san físi­ca­men­te en el cole­gio, ade­más de otras acti­tu­des que debe­rá adop­tar para defen­der­se en la vida. Cla­ro está que esa edu­ca­ción impar­ti­da tie­ne sus bemo­les cuan­do Vin­cent, quien tie­ne una con­si­de­ra­ble incli­na­ción a la bebi­da y a los jue­gos, lle­va al niño a bares así como a las carre­ras de caba­llos. En todo caso, las acti­tu­des del misán­tro­po indi­vi­duo son muy apre­cia­das por Oli­ver quien al tener que pre­pa­rar un infor­me asig­na­do por su maes­tro de escue­la (Chris O’Dowd) sobre el tema “Saints Among Us” (San­tos entre Noso­tros) des­cri­be un cua­dro muy emo­ti­vo sobre la per­so­na­li­dad de su men­tor a quien con­si­de­ra un san­to, lo que con­du­ce a una de las esce­nas más cáli­das de esta historia.

El guión es sus­cep­ti­ble de algu­nas obser­va­cio­nes, como por ejem­plo acep­tar que una madre pue­da dejar a su hijo en manos de un des­co­no­ci­do y que en prin­ci­pio pocas garan­tías le ofre­ce en cuan­to a su moda­li­dad de vida; sin embar­go, ese deta­lle como algu­nos otros pue­den obviar­se con­si­de­ran­do los aspec­tos posi­ti­vos del rela­to en don­de sus dife­ren­tes per­so­na­jes des­ti­lan huma­ni­dad, inclu­yen­do a Daka (Nao­mi Watts), la ami­ga pros­ti­tu­ta rusa de Vin­cent quien es prác­ti­ca­men­te su úni­co víncu­lo social.

En esen­cia, el públi­co con­tem­pla una come­dia sen­ti­men­tal y sen­ci­lla que en cier­tos momen­tos adop­ta el carác­ter de un buen tele­film pro­li­ja­men­te rela­ta­do y en don­de ade­más de con­tar con un buen elen­co, sobre todo en la actua­ción de Lie­berher, que­da resal­ta­da la exce­len­te carac­te­ri­za­ción de Murray como un hom­bre que defi­ni­ti­va­men­te no es san­to pero sí due­ño de una com­ple­ja per­so­na­li­dad con quien final­men­te el públi­co pue­de empatizar.

Con­clu­sión: Si no fue­ra por algu­na otra razón, la exce­len­te actua­ción de Murray jus­ti­fi­ca la visión de este film.  Jor­ge Gut­man