Cró­ni­ca de Jor­ge Gutman

Des­de el 8 has­ta el 19 de octu­bre, la ciu­dad de Mon­treal es la sede del Fes­ti­val du Nou­veau Ciné­ma (FNC) que en su 54ª edi­ción los fes­ti­va­le­ros ten­drán la oca­sión de des­cu­brir las obras de impor­tan­tes cineas­tas con­sa­gra­dos como asi­mis­mo de talen­tos emer­gen­tes. y de pelí­cu­las que han obte­ni­do una cáli­da recep­ción crí­ti­ca en Que­bec y el res­to de Cana­dá. La pro­gra­ma­ción inclu­ye 106 lar­go­me­tra­jes y 162 cor­tos pro­ve­nien­tes de 46 paí­ses que han sido des­ta­ca­dos en los fes­ti­va­les inter­na­cio­na­les de Ber­lín, Can­nes, Locarno y Toron­to así como lo más rele­van­te del cine que­be­quen­se y del res­to de Canadá.

El FNC se inau­gu­ra con Spa­ce Cadet, pelí­cu­la de ani­ma­ción del cineas­ta cana­dien­se Kid Koa­la (Eric San), adap­ta­da de la nove­la grá­fi­ca del rea­li­za­dor y guio­ni­za­do por Mylè­ne Cho­llet. El film que clau­su­ra­rá la mues­tra es Le Train  de la direc­to­ra cana­dien­se Marie Bras­sard con un elen­co pro­ta­go­ni­za­do por Laris­sa Corri­veau, Thai­le Rainds, Élec­tra Kla­ra Codi­na y Lennikim.

Para una infor­ma­ción com­ple­ta acer­ca de la pro­gra­ma­ción, salas de exhi­bi­ción, hora­rios así como nume­ro­sas acti­vi­da­des temá­ti­cas orga­ni­za­das por el fes­ti­val, el sitio a con­sul­tar es nouveaucinema.ca

A con­ti­nua­ción se comen­ta algu­nas de las pelí­cu­las que han sido visionadas.

What does that natu­re say to you (Corea del Sur)

En una carre­ra suma­men­te pro­lí­fi­ca el reco­no­ci­do direc­tor sur­co­reano Hong Sang­soo ofre­ce en su tri­gé­si­mo ter­cer tra­ba­jo, un film que des­ti­la su sin­gu­lar esti­lo de sim­pli­ci­dad dejan­do entre­ver algu­nos aspec­tos intere­san­tes de apreciar.

What does that natu­re say to you

El pro­ta­go­nis­ta es Dongh­wa (Ha Seong­guk), un apren­diz de poe­ta de 35 años que está de novio des­de hace tres años con la joven Junhee (Kang Soyi). Des­pués del tra­yec­to que efec­túa en su auto tras­la­dán­do­la des­de Seúl a Incheon don­de se halla la casa cam­pes­tre en la cual resi­de, cir­cuns­tan­cial­men­te lle­ga a cono­cer a su afa­ble padre Oryeong (Kwon Haeh­yo) quien con­tem­plan­do el coche de Dongh­wa le gus­ta­ría pro­bar­lo; el joven acce­de a que lo mane­je ganán­do­se de este modo la sim­pa­tía de este hom­bre por lo cual lo invi­ta a cono­cer su resi­den­cia por él dise­ña­da, situa­da al pie de una mon­ta­ña con una esplen­do­ro­sa vis­ta pano­rá­mi­ca. Duran­te ese encuen­tro, su poten­cial sue­gro le hace saber lo mucho que sin­tió por la muer­te de su empren­de­do­ra madre mos­trán­do­le su tum­ba ubi­ca­da en las cer­ca­nías, al pro­pio tiem­po que va obser­van­do el com­por­ta­mien­to de su posi­ble yerno a quien hala­ga por sus espe­cia­les bigotes.

Des­pués de una sali­da con su novia y su her­ma­na mayor Neunghee (Park Miso) para almor­zar y pos­te­rior­men­te dar un paseo por el lugar que trans­cu­rre apa­ci­ble­men­te, mien­tras dia­lo­gan en torno de la poe­sía, la belle­za del lugar y del amor que el visi­tan­te sien­te por su novia; pos­te­rior­men­te tie­ne lugar la invi­ta­ción a cenar don­de allí él cono­ce­rá a Sunhee, (Cho Yunhee), la espo­sa de Oryeong, que es poe­ti­sa y una efi­cien­te coci­ne­ra. Alre­de­dor de esa mesa sur­gen dife­ren­tes tópi­cos de con­ver­sa­ción, pero lle­ga­do un momen­to el cli­ma se enra­re­ce cuan­do ante la pre­gun­ta que se le hace al invi­ta­do sobre su padre, que es un reco­no­ci­do abo­ga­do de exce­len­te posi­ción eco­nó­mi­ca; el exce­so de alcohol con­su­mi­do impul­sa a Dongh­wa a res­pon­der con cier­ta vio­len­cia mani­fes­tan­do que nun­ca depen­dió de él eco­nó­mi­ca­men­te y que su ocu­pa­ción como autor de videos de boda en Seúl le per­mi­te sol­ven­tar su inde­pen­den­cia sin nece­si­dad de recu­rrir a sus pro­ge­ni­to­res y vivir ale­ja­dos de ellos. Ya con­clui­do el ága­pe, los padres de Junhee se pre­gun­tan si real­men­te Dongh­wa es el mejor can­di­da­to para su hija.

Median­te un final abier­to, en don­de que­da la duda si real­men­te Junhee está ya deci­di­da a con­traer enla­ce, el film se carac­te­ri­za por su natu­ra­li­dad median­te un rela­to que adop­ta un tono cos­tum­bris­ta a la vez que con­tem­pla­ti­vo que se evi­den­cia a tra­vés de la diná­mi­ca esta­ble­ci­da entre sus cin­co personajes.

Indu­da­ble­men­te pue­de cali­fi­car­se a Hong Sang­soo como un hom­bre orques­ta, dado que ade­más de diri­gir y ser el autor del guión, tie­ne a su car­go, la foto­gra­fía, la músi­ca y el mon­ta­je del film. Cier­ta­men­te los ciné­fi­los del rea­li­za­dor que­da­rán satis­fe­chos con esta sen­ci­lla y hones­ta entre­ga, aguar­dan­do su pró­xi­mo proyecto.

Blue Heron (Cana­dá-Hun­gría)

Resul­ta siem­pre agra­da­ble des­cu­brir el talen­to artís­ti­co de jóve­nes cineas­tas. Este es el caso de Sophy Rom­va­ri, la novel direc­to­ra cana­dien­se quien con inusi­ta­do dis­cer­ni­mien­to tras­la­da a la pan­ta­lla una his­to­ria de con­si­de­ra­ble gra­vi­ta­ción basa­da en sus expe­rien­cias de infan­cia, que por sus méri­tos ha sido dis­tin­gui­da con el pre­mio a la mejor pri­me­ra pelí­cu­la en el Fes­ti­val de Locarno de este año.

Blue Heron

A tra­vés de su memo­ria, el guión de la rea­li­za­do­ra pre­sen­ta en su pri­me­ra mitad a Sasha (Eylul Guven), una niña de 8 ocho años quien jun­to con su fami­lia pro­ce­den­te de Hun­gría arri­ban en la déca­da del 90 a la isla de Van­cou­ver para el ini­cio de una nue­va vida. En apa­rien­cia, el lugar resul­ta pro­mi­so­rio don­de ella dis­cu­rre y goza de su belle­za; con todo hay un ele­men­to que la per­tur­ba cuan­do en una con­ver­sa­ción de su madre (Irin­go Reti) con su padras­tro (Adam Tom­pa) se deja entre­ver que Jeremy (Eddik Bedoes), el hijo mayor, pade­ce de un com­por­ta­mien­to errá­ti­co que sugie­re un esta­do de ines­ta­bi­li­dad men­tal; eso evi­den­te­men­te afec­ta a la fami­lia y fun­da­men­tal­men­te a su pro­ge­ni­to­ra que le gene­ra gran ansie­dad, en tan­to que la peque­ña Sasha obser­va cómo al pro­pio tiem­po Jeremy quie­re a sus her­ma­nos no obs­tan­te sus arre­ba­tos de furia, sin que ella, muy sen­si­ble y ape­na­da, pue­da modi­fi­car la situa­ción rei­nan­te. Rom­va­ri con la cola­bo­ra­ción de la mag­ní­fi­ca foto­gra­fía de Maya Ban­ko­vic trans­mi­te con fide­li­dad la ten­sión que gene­ran las acti­tu­des de Jeremy, que nadie pue­de deter­mi­nar a qué se debe.

Ya es en su segun­da mitad que trans­cu­rre 2 déca­das des­pués don­de se obser­va a Sasha (Amy Zim­mer) quien con­ver­ti­da en cineas­ta deci­de abor­dar a su her­mano ya falle­ci­do a fin de tra­tar de feha­cien­te­men­te enten­der lo que le ha suce­di­do. Ape­lan­do a su memo­ria frag­men­ta­da, Sas­cha retor­na al hogar fami­liar de su pasa­do man­te­nien­do una ima­gi­na­ria con­ver­sa­ción con sus pro­ge­ni­to­res acer­ca del pro­ble­ma que afec­tó a Jeremy. Dejan­do entre­abier­ta la fic­ción enca­ra­da por Sas­cha y de lo que no lo es, el film va gene­ran­do esce­nas de con­te­ni­da emoción.

Median­te un rela­to meticu­losa­men­te narra­do, a la vez que sen­si­ble, tierno y genui­na­men­te con­mo­ve­dor, Rom­va­ri expo­ne cómo la lucha empren­di­da por la pro­ta­go­nis­ta de esta his­to­ria ha deja­do mar­ca­das hue­llas en su men­te para com­pren­der a su hermano.

100 Sun­set (Cana­dá)

Habien­do sido pre­sen­ta­do en el Fes­ti­val de Toron­to en la sec­ción dedi­ca­da a emer­gen­tes cineas­tas, des­pués de haber rea­li­za­do dos cor­to­me­tra­jes, la direc­to­ra y escri­to­ra Kun­sang Kyrong enfo­ca en su pri­mer lar­go­me­tra­je una his­to­ria ambien­ta­da en Park­da­le, una zona veci­na de Toron­to ubi­ca­da en el oes­te de la ciudad.

100 Sun­set

Lo que carac­te­ri­za a esta come­dia es que habien­do cola­bo­ra­do con miem­bros de la comu­ni­dad tibe­ta­na de Toron­to, la novel rea­li­za­do­ra ambien­ta su rela­to en don­de habi­ta gran par­te de esa agru­pa­ción cen­tran­do su aten­ción en dos per­so­nas de ese origen.

La pro­ta­go­nis­ta es Kun­sel (Ten­zin Kun­zel), una joven mujer intro­ver­ti­da que se sien­te un tan­to extra­ña en su pro­pio medio social. Vivien­do en un blo­que de depar­ta­men­tos del men­cio­na­do vecin­da­rio, ella des­ti­na su tiem­po espian­do a sus veci­nos median­te una cáma­ra de video adqui­ri­da, como asi­mis­mo rea­li­zan­do peque­ños hur­tos. Su vida ruti­na­ria cobra impul­so cuan­do lle­ga a cono­cer a Pas­sang (Sonam Choek­yi), una mujer que lle­ga a vivir en el mis­mo edi­fi­cio con su mari­do mucho mayor que ella y que expre­sa asi­mis­mo una ocul­ta insa­tis­fac­ción. Ese encuen­tro va gene­ran­do una ama­ble rela­ción don­de entre otros aspec­tos ambas asis­ten a las cla­ses de inglés así como con­jun­ta­men­te van tran­si­tan­do los alre­de­do­res de la zona.

A tra­vés de varia­das viñe­tas el film ofre­ce una cla­ra visión de la con­gre­ga­ción tibe­ta­na ade­más de estar favo­re­ci­do por las con­vin­cen­tes actua­cio­nes de Kun­sel y Choek­yi y de la bue­na foto­gra­fía del cama­ró­gra­fo Nico­lay Michay­lov. Sin embar­go, el len­to rit­mo que impri­me la rea­li­za­do­ra miti­ga la enver­ga­du­ra dra­má­ti­ca nece­sa­ria para sus­ci­tar genui­na emo­ción. Lo con­cre­to es que a pesar de la obje­ción seña­la­da la pelí­cu­la con­ci­ta inte­rés al per­mi­tir que el espec­ta­dor se invo­lu­cre en un medio cul­tu­ral rara­men­te abor­da­do por el cine canadiense.

Dites-lui que Je l’aime (Fran­cia)

La com­pli­ca­da rela­ción mater­no­fi­lial es ana­li­za­da por la direc­to­ra Roma­ne Boh­rin­ger a tra­vés de una narra­ti­va docu­men­tal fusio­na­da con la ficción.

Dites-lui que Je l’aime

La pelí­cu­la está basa­da en el libro Dites-lui que Je l’aime escri­to en 1919 por la polí­ti­ca fran­ce­sa Clé­men­ti­ne Autain quien rela­ta el trau­má­ti­co víncu­lo man­te­ni­do con su madre Domi­ni­que Laf­fin, una actriz que aban­do­nó a su hija y murió a los 33 años jus­to cuan­do Autain era una pre ado­les­cen­te de 12 años.

La lec­tu­ra de ese libro cun­dió hon­da­men­te en Boh­rin­ger en la medi­da que curio­sa­men­te ella a los nue­ve meses de edad tam­bién fue deja­da de lado por su pro­pia madre Mar­gue­ri­te Bourry quien murió a los 36 años. Esa inau­di­ta sime­tría moti­va a que Boh­rin­ger, gran ami­ga de la escri­to­ra le soli­ci­ta adap­tar su libro para su filmación.

En el mar­co de esa pro­pues­ta que fue acep­ta­da por la auto­ra, el guión de Boh­rin­ger escri­to con Gabor Ras­sov adop­ta un pro­ce­di­mien­to nada con­ven­cio­nal don­de se rela­tan dos his­to­rias trau­má­ti­cas en las que ambias muje­res con­fron­tan su pasa­do a tra­vés de epi­so­dios recons­trui­dos. En la pri­me­ra par­te del film se obser­va a Autain leyen­do pasa­jes del libro y a tra­vés del mis­mo se va con­tem­plan­do cómo la niña sufrió los emba­tes de su madre con su adic­ción al alcohol y su ausen­cia del hogar. En tal sen­ti­do, una impac­tan­te esce­na acae­ce cuan­do la joven Autain (Lilia­ne Sanry-Baud), obser­va a su madre (Eva Yel­ma­ni) soli­ci­tan­do con vio­len­cia a un emplea­do de un hotel que le pro­por­cio­ne un tra­go alcohó­li­co cuan­do el bar ya esta­ba cerrado.

La segun­da mitad del film se con­cen­tra en Roma­ne, don­de aten­di­da por una psi­quia­tra (Josia­ne Sto­lé­ru) mani­fies­ta su pesar fren­te a no haber cono­ci­do a su pro­ge­ni­to­ra. Asi­mis­mo valién­do­se de pape­les y escri­tos de su madre (igual­men­te inter­pre­ta­da por Eva Yel­ma­ni) con la cola­bo­ra­ción de su joven hijo Raoul Reb­bot-Boh­rin­ger actuan­do como supues­to detec­ti­ve, se van cono­cien­do deta­lles de su vida. Es así que se sabe que Mar­gue­ri­te nació en Viet­nam cuyo padre fran­cés la cedió en adop­ción para vivir gran par­te de su juven­tud en un con­ven­to; ya mayor se intere­sa por actuar en cine y al pro­pio tiem­po devie­ne fuer­te­men­te adic­ta a las drogas.

Esa mira­da hacia el pasa­do de dos muje­res que han sido olvi­da­das del afec­to mater­nal, hecho que ha impac­ta­do sus vidas, cons­ti­tu­ye una catar­sis para que ambas pue­dan seguir ade­lan­te sin clau­di­car. Con todo, la for­ma híbri­da que adop­ta Boh­rin­ger para ilus­trar las carac­te­rís­ti­cas que asu­me la memo­ria es un tan­to des­igual al no lograr una com­ple­ta armo­nía entre los dos rela­tos hacien­do que en cier­tos lap­sos su len­ti­tud cons­pi­re emo­cio­nal­men­te. De todos modos, el film tie­ne sufi­cien­tes méri­tos para con­cen­trar su aten­ción con su men­sa­je de recon­ci­lia­ción de las hijas per­do­nan­do a sus madres. Como nota final, cabe des­ta­car la mag­ní­fi­ca carac­te­ri­za­ción de Eva Yel­ma­ni ani­man­do a Mar­gue­ri­te y Laf­fin logran­do nota­ble autenticidad.