AMERICANFICTION. Estados Unidos, 2023. Un film escrito y dirigido por Cord Jefferson. 117 minutos
Con el favorable antecedente de haber logrado éxitos televisivos Cord Jefferson se ubica por primera vez detrás de la cámara para dirigir American Fiction. Mediante una sátira social combinada con un melodrama familiar, el film gratamente sorprende por su mordaz agudeza.
El novel cineasta adaptó la novela Erasure del escritor estadounidense Percival Everett publicada en 2001 en la que su autor critica la manera en que la industria editorial de su país ofrece una imagen de la raza negra que la habita, que al no ajustarse a la estricta realidad genera una hipócrita ficción americana.
Jeffrey Wright
En base a lo que precede el guión de Jefferson presenta a Thelonious Ellison (Jeffrey Wright) apodado “Monk”,un respetado intelectual afroamericano, que además es escritor y profesor de literatura inglesa en una universidad de Los Ángeles. Su propósito es que de modo alguno su condición racial lo distinga en los trabajos que efectúa. Es así que su reciente novela, densamente filosófica, no resulta exitosa en las librerías y según su agente Arthur (John Ortiz) eso se debe, según los comentarios críticos, a que su contenido no es lo suficientemente “negro” para atraer a los lectores.
Dado que en esos momentos se realiza un Festival del Libro en Boston al que Monk es invitado, su viaje le permite visitar a su núcleo familiar del cual se ha mantenido distanciado. Así es recibido por su estimada hermana médica Lisa, (Tracee Ellis Ross) que junto a la entrañable empleada doméstica Lorraine (Myra Lucretia Taylor) cuidan de su madre Agnes (Leslie Uggams), afectada de Alzheimer .Con un padre fallecido que no fue considerado con los suyos, el restante miembro de la familia es su hermano Cliff (Sterling K. Brown), un hombre gay que estando casado lleva una doble vida por lo cual Monk lo resiente. Mientras tanto, en el transcurso del festival grande es su sorpresa cuando se impone del extraordinario éxito obtenido por la escritora negra Sintara Golden (Issa Rae) con su novela “We’s lives in Da Ghetto”.plagada de estereotipos sobre la mujer afroamericana.
En tanto un drama acontecido en su familia obliga a que Monk permanezca en Massachusetts como así también le permite afianzar la relación sentimental que emerge con Coraline (Erika Alexander), una vecina de la familia. A fin de poder sufragar los costos que insume la enfermedad de su madre en la medida que la ubica en una residencia especializada para su mejor atención, el escritor decide comenzar una nueva novela en la que habrá de recurrir a todos los clisés de la comunidad negra de su país; para ello comunica a su agente que para ocultar su identidad utilizará el seudónimo Stagg R. Leigh; así surge la novela “My Pafology”.que habiendo sido sometida a una editorial, su publicación logra un descomunal suceso; prontamente un productor de Hollywood (Adam Brody) lo invita a que escriba un guión para su traslado cinematográfico.
Aunque el conflicto familiar no siempre se inserta por completo con la crítica social, el film logra que el público empatice con el problema de conciencia que atraviesa el vanguardista escritor al tener que sacrificar sus ideales. Para un ser humano reconocido y aclamado como Stagg R. Leigh pero no considerado como Thelonious Ellson, resulta frustrante tener que ceder a la presión de los editores de describir a la raza negra sumida en la esclavitud, la pobreza, la falta de cultura, la adicción a las drogas o bien envuelta en la violencia gangsteril, dejando de lado el aspecto humano, la generosidad y la solidaridad como virtudes que trasuntan igualmente en la población blanca.
Anteponiendo la comedia al drama, tanto la satisfactoria dirección de Jefferson como el aporte de un sólido elenco encabezado por Wright, permiten que se disfrute de un grato entretenimiento de carácter social que conduce a un desenlace sumamente ingenioso que no conviene develar. Jorge Gutman
LASOCIEDADDELANIEVE. España-Uruguay-Chile, 2023. Un film de Juan Antonio Bayona. 143 minutos. Disponible en Netflix.
Dado a conocer como clausura del Festival de Venecia de 2023, esta película de J.A. Bayona es a todas luces excepcional. Su tema es la tragedia aérea acontecida el 13 de octubre de 1972 cuando el vuelo 571 de la fuerza aérea de Uruguay que partió de Montevideo con destino a Santiago de Chile llevando consigo 45 pasajeros y tres tripulantes se estrelló en plena Cordillera de los Andes a 4000 metros de altura. Si bien el desgraciado acontecimiento ya fue tratado por el cine en la película mexicana de René Cardona Supervivientes de los Andes (1976) y en el film Alive (1993) de Frank Marshall, como también en varios documentales, lo cierto es que Bayona obtiene con La Sociedad de la Nieve, un drama sustancialmente superior que a pesar de ser de ficción adquiere la relevancia de un documental dada la remarcable autenticidad y nivel de máximo realismo con que fue realizado.
Una escena del film
Para reseñar la catástrofe y sus consecuencias el director se ha basado en el libro homónimo de Pablo Vierci, publicado en 2009, donde a su vez el autor se valió de las entrevistas realizadas a los sobrevivientes de la tragedia aérea como asimismo a sus familiares. Así la adaptación efectuada por el cineasta con la colaboración de Bernat Vilaplana, Jaime Marques y Nicolás Casariego, sigue fielmente al libro aunque con cierta licencia aceptable en donde Numa Turcatti (Enzo Vogrincic), uno de los integrantes del grupo que no alcanza a sobrevivir oficia de narrador.
El relato comienza cuando un grupo de jóvenes deportistas del equipo de rugby amateur del Old Christians Club de Montevideo se aprestan a partir a Santiago por un fin de semana para una serie de partidos que estaban programados en dicha ciudad, donde también viajan algunos familiares y amigos. El buen estado de ánimo y la despreocupación de los pasajeros al comenzar el vuelo poco después cede paso a la angustia cuando todo hace presumir que se avecina el desastre, lo que lamentablemente acaece debido a un error del comandante de la nave. En la arrebatadora y espeluznante escena del accidente filmada extraordinariamente por Bayona, fallecen de inmediato 12 pasajeros, aunque posteriormente sucumbirán 17 adicionales viajeros.
Con el correr de los días se observa cómo los sobrevivientes están expuestos al rigor del intenso frío en medio de la nieve, usando como precario refugio los restos del fuselaje del avión. A todo ello resulta encomiable comprobar la camaradería y la ayuda mutua de los que se han salvado frente a los severos obstáculos que se van produciendo.
Después de haber transcurrido poco más de una semana sin que haya señales de auxilio, el infortunio se acrecienta en el grupo viviente cuando a través de una radio a transistores se entera que la misión de rescate suspende la infructuosa búsqueda y que recién será reanudada en los meses del próximo verano. La situación tiende a agravarse cuando la comida se acaba y comienza a surgir la idea por parte de algunos de los miembros sobrevivientes de utilizar los cuerpos de los fallecidos amigos queridos como sustento alimenticio.
Con suma delicadeza el director aborda el tema del canibalismo sin que exista ningún elemento efectista que produzca disgusto, reseñando en cambio cómo aquéllos que son conscientes de que les resta apenas minutos de vida sugieren a los restantes camaradas que se apropien de sus cuerpos para poder sobrevivir. En tal sentido, Numa poco antes de morir deja escrito en un papel “no hay amor más querido que el que da la vida por sus amigos”. Bayona asimismo brinda otro momento de honda emoción y profunda espiritualidad cuando el rugbier Arturo Nogueira (Fernando Contingiani) de profunda fe cristiana manifiesta que cada uno de sus camaradas representa con su humanidad al Dios de la montaña.
La odisea concluye cuando dos de los rugbies, Nando Parrado (Agustín Pardella) y Roberto Canesa (Matías Recalt), se aventuran a dejar a sus compañeros para escalar la montaña con dirección a Chile en procura de ayuda; al llegar a un valle logran avizorar a un baqueano quien comunica a las autoridades oficiales de que hay personas que han logrado salvarse del desastre aéreo. En consecuencia el 22 de diciembre, después de 72 días azarosos, la llegada de helicópteros de la fuerza aérea de Chile permite el rescate de los 16 sobrevivientes.
No obstante que lo que se ha dado en llamar “El Milagro de los Andes” ha logrado repercusión internacional y por lo tanto bien conocido, Bayona ha logrado una excelente obra coral e intimista capaz de generar tensión y honda emoción manteniendo la intriga hasta su afortunado desenlace. Para ello se ha valido de un equipo de jóvenes actores uruguayos y argentinos que han ofrecido máxima autenticidad a sus respectivos personajes; a los nombres ya mencionados, cabe agregar entre otros a Esteban Bigliardi, Andy Pruss, Rafael Federman, Santiago Vaca Narvaja, Felipe González Otaño, Esteban Kukuriczka, Simón Hempe, Rafael Federman, y Tomás Wolf. El rodaje realizado en la Sierra Nevada de España, constituye una magna proeza técnica y que agraciada por la estupenda fotografía de Pedro Luque Briozzo logra suscitar admiración.
A través de la resiliencia demostrada por quienes decidieron no claudicar y seguir aferrados a la esperanza de sobrevivir, esta excelente película de Bayona constituye un hermoso y emotivo canto a la vida. Jorge Gutman
Como ya es usual a través de los años, en este caso efectúo un recuento de los mejores filmes juzgados en 2023. Esta vez la selección resultó difícil debido a la inusual calidad de producciones provenientes de diferentes lugares del mundo. De todos modos, tratando de adoptar un criterio lo más objetivo posible, he aquí alfabéticamente mencionadas, 12 meritorias películas exhibidas en Canadá, sin considerar aquellas que presentadas en festivales canadienses aún no han sido estrenadas.
Anatomie d’une chute
Con el inmejorable antecedente de haber logrado la Palma de Oro en el Festival de Cannes, este film de la realizadora Justine Triet reúne todos los elementos necesarios para gratificar a la audiencia en el análisis de un drama marital que se manifiesta como consecuencia de una fatal caída.
Con el impecable guión de la realizadora compartido con Arthur Harari, este cautivante thriller intriga a lo largo de su desarrollo concentrando su interés hasta la escena final.
As Bestas (España)
Basado en un hecho real acaecido en Madrid en 2010, el realizador Rodrigo Sorogoyen ofrece un drama psicológico reflejando la xenofobia imperante en regiones aisladas del mundo moderno.
Esta ambiciosa película logra mantener a la audiencia en permanente vilo donde a la excelente narrativa del cineasta, se agrega un sólido guión en la descripción de sus personajes y un magnífico elenco.
Close (Bélgica-Francia-Países Bajos)
En su segundo film Lukas Dhont aborda el tema de la amistad adolescente narrando con suma delicadeza un elocuente melodrama capaz de sensibilizar al más indiferente espectador.
Con un inusitado poder de observación el cineasta t ha penetrado remarcablemente en la médula de sus personajes, al propio tiempo que realiza una manifiesta crítica de los prejuicios homofóbicos prevalecientes en el medio en que transcurre esta historia.
Fallen Leaves (Finlandia)
Con su estilo inconfundible destilando soledad, melancolía y ternura, el director finlandés Aki Kaurismaki ofrece esta hermosa fábula de tinte romántico que merecidamente obtuvo el Premio del Jurado en Cannes.
De manera concisa y austera, el realizador sumerge a su audiencia en una atrapante historia centrada en una mujer y un hombre, dos solitarios y taciturnos personajes desconocidos uno del otro, que a través de sucesivos casuales encuentros vislumbran la posibilidad de reavivar sus vidas a través del amor a fin de transitar por un sendero más promisorio. No obstante su notable sencillez, esta luminosa película irradia entrañable ternura y humanidad.
Killers of the Flower Moon (Estados Unidos)
Quienquiera contemplar un film monumental, épico, político y a la vez extraordinario lo hallará aquí. En esta ocasión el legendario realizador Martin Scorsese aborda con gran vitalidad un desgraciado evento que tuvo lugar en la tribu indígena Osage en el estado de Oklahoma en los años 20 del siglo pasado.
Es realmente admirable la manera profunda en que Scorsese va elaborando la historia que narra, desde su génesis hasta concluir con un sobresaliente desenlace. Frente a su magistral filmografía resulta difícil de afirmar con certeza si acaso esta película es la mejor de su carrera; lo que en cambio no cabe duda es que la historia que él relata desnudando el racismo, la banalidad del mal, la impunidad, la codicia, así como el sentimiento de culpa y redención, adquiere trascendental resonancia. He aquí, una excepcional obra maestra de cine.
La Memoria Infinita (Chile)
Después de que El Agente Topo (2020) fuese nominado para el Oscar y haber recibido numerosos premios, la documentalista Maite Alberdi retorna con notable vigor en este entrañable documental, reafirmando su condición de remarcable cineasta. Aquí considera el triste tema del Alzheimer y aunque abordado por el cine en varias oportunidades, el film se distingue por ilustrar con inmensa ternura la vida de un muy conocido matrimonio de Chile cuando uno de sus integrantes está afectado por este trastorno cerebral que lentamente destruye la memoria. Sin causar intrusión y con suma delicadeza Alberdi permite que los protagonistas del documental sean sus efectivos narradores.
La excelente y fluida dirección de Alberdi permite que la audiencia contemple un sublime film enmarcado en una conmovedora historia de amor.
Le procès Goldman (Francia)
Ambientado casi enteramente dentro de una sala de audiencia judicial, este film es uno los mejores que ha realizado Cédric Kahn. Su tema está centrado en Pierre Goldman, quien alcanzó considerable atención pública en Francia cuando en abril de 1970 fue inculpado por cuatro agresiones a mano armada y por el asesinato de dos farmacéuticas en una farmacia de París, por el que fue condenado a prisión perpetua. Alegando su inocencia en el caso del homicidio, Goldman consigue que su caso se reabra en 1976 mediante un nuevo juicio.
La impecable realización y el irreprochable guión nutrido de excelentes diálogos permite que este ficcional relato alcance máxima autenticidad adquiriendo el carácter de un verdadero documental. En esencia, Khan ha logrado un admirable drama judicial donde en su desarrollo se reflejan algunos rasgos de la sociedad francesa de esa época, incluyendo el acentuado racismo policial.
Los Delincuentes (Argentina-Luxemburgo-Brasil-Chile).
Una película difícil de catalogar aunque decididamente valiosa es lo que aquí se aprecia. El film escrito y dirigido por Rodrigo Moreno presenta a dos empleados de un banco céntrico de Buenos Aires quienes se apropian de una importante fortuna de la institución con el propósito de poder vivir el resto de la vida que les queda para su retiro sin mayor preocupación. Esa primera mitad del relato deriva en una segunda parte con diferentes matices pero muy bien cohesionada con lo que se vio previamente.
Con una duración de tres horas, este film que demandó cuatro años en ser implementada está imbuida de un dinámico ritmo y tiene la virtud de sorprender por su indiscutible ingeniosidad. Lo que esencialmente emerge de esta original e impredecible historia es el sentido de libertad como elemento esencial para que la vida tenga sentido, pero queda la pregunta de hasta dónde el dinero contribuye o no para lograr ese objetivo. En última instancia, esta producción es una muestra del nivel de calidad del cine argentino y de la creatividad narrativa de su talentoso realizador.
Maestro (Estados Unidos)
Si bien el actor Bradley Cooper demostró su solvencia de realizador en A Star is Born (2018), aquí lo ratifica plenamente abordando la carrera profesional del gran compositor, director musical pianista y autor de música de filmes Leonard Bernstein, así como su relación con su amada Felicia Montealegre con quien compartió 27 años de vida conyugal.
La destreza de Cooper como realizador se manifiesta no solo en lo que concierne al desempeño del magnífico elenco en donde él asume el rol protagónico, sino que además se destaca por haber brindado máxima fluidez a esta esplendoroso sinfonía cinematográfica. A ello cabe distinguir la notable fotografía, el inmejorable diseño de producción y muy en especial la valiosa cooperación del equipo de maquillaje ilustrando cómo la fisonomía de los protagonistas evidencia el natural cambio durante las varias décadas en que transcurre el relato.
Oppenheimer (Estados Unidos-Gran Bretaña)
El versátil e intelectual realizador Christopher Nolan aborda en su duodécimo film la figura del renombrado físico estadounidense Julius Robert Oppenheimer (1904 – 1967) a través de cuatro décadas de su vida en la que lideró el Proyecto Manhattan que condujo a la producción de la primera arma atómica.
A través de un excelente documento Nolan rinde tributo al legado de un trágico héroe a la vez que su relato deja un claro mensaje de resonancia actual dada la dramática situación que se vive en el mundo, donde la amenaza de un ataque nuclear no debe ser desestimada.
Past Lives (Estados Unidos-Corea del Sur)
¿Puede concebirse un film romántico, sin que las partes involucradas lleguen a intimar, ni besarse e incluso sin tomarse de la mano? Eso es posible a través del bello y melancólico film escrito y dirigido por Celine Song. Ciertamente, la realizadora de origen coreano que reside en Estados Unidos conoce a fondo la idiosincrasia y costumbres de su país natal y eso ha influido para que Past Lives resulte totalmente convincente tanto en su concepción como en los sentimientos que se anidan en los personajes protagónicos del relato.
Sin entrar a delinear la historia imaginada por la realizadora que transcurre entre Seúl y New York, valiéndose de un reducido y sobresaliente elenco ella ha logrado un drama sentimental de remarcable calidad capaz de generar la completa empatía del espectador con sus personajes.
Testament (Canadá)
Con extraordinaria lucidez el veterano realizador Denys Arcand efectúa un magnífico retrato de la sociedad actual. Eso se refleja en la visión del protagonista de esta historia, un olvidado escritor septuagenario que en el crepúsculo de su vida realiza denodados esfuerzos para poder involucrarse en esta revolucionaria era digital donde la intimidad individual queda relegada a un segundo plano por la proliferación de las redes sociales.
Aunque sin suponer si acaso éste será su último film, aludiendo a su título, Arcand nos brinda un remarcable testamento a través de esta excelente comedia dramática.
En la primera transmisión de 2024 desde el Met de New York,a los cines canadienses, Cineplex Events difundirá la espectacular ópera Nabucco con música de Guiseppe Verdi y libreto de Temistocle Solera. Esta creación lírica estructurada en cuatro partes fue estrenada en La Scala de Milán en marzo de 1842 y desde esa fecha hasta el presente su éxito ha perdurado aunque no ha sido representada con la misma frecuencia que La Traviata o Rigoletto, igualmente del gran compositor italiano.
El elenco. (Foto Marty Sohl/Met Opera)
La actual producción del director Elijah Moshinsky reúne a un elenco integrado por consagrados artistas líricos.. El renombrado barítono George Gagnidze debuta en el Met encabezando el elenco como Nabucco, el rey de Babilonia que invade Jerusalén y captura a su pueblo antes de terminar enloquecido. En otros roles importantes intervienen la dramática soprano Liudmyla Monastyrska interpretando nuevamente a Abigaille, la vengativa hijastra de Nabucco, el tenor Seok-Jong Baek interpreta a Ismaele, el general hebreo y sobrino del rey de Jerusalén, la mezzo soprano Maria Barakova Burton encarna el personaje de Fenena, la heroica hija de Nabucco, en tanto que el bajo Dmitry Belosselsky repite el rol del pontífice hebreo Zaccaria.
George Gagnidze. (Foto: Marty Sohl/Met Opera)
Como acontece en varios títulos del repertorio lírico de Verdi, aquí el imponente Coro del Met a cargo de Donald Palumbo desempeña un rol clave. Así, uno de los momentos más emotivos de esta ópera tiene lugar en el tercer acto donde se entona el Coro de los Esclavos Judíos (Va Pensero); en el mismo se resalta el ideal de independencia de los habitantes de Jerusalén y una plegaria a Dios para que les transmita la fortaleza y esperanza de poder retornar a la tierra de la que han sido exiliados.
El maestro Daniele Callegari dirige la orquesta del Met. La escenografía está a cargo de John Napier, el diseño del vestuario es de AndreaneNeofitou en tanto que Howard Harrison es el diseñador de la iluminación.
Esta obra maestra de Verdi será transmitida en directo y en alta definición en la versión original italiana con subtítulos en inglés el 6 de enero en las salas deCineplex. Como encore habrá una nueva difusión el 24 y el 26 de febrero.