QUEEN AT SEA. Gran Bre­ta­ña-Esta­dos Uni­dos, 2026. Un film escri­to y diri­gi­do por Lan­ce Ham­mer. 121 minutos

No es fre­cuen­te que un direc­tor efec­túe un segun­do lar­go­me­tra­je des­pués de una lar­ga ausen­cia; ese es el caso del cineas­ta esta­dou­ni­den­se Lan­ce Ham­mer quien habien­do rea­li­za­do su aplau­di­da ópe­ra pri­ma Ballast en 2008, aho­ra retor­na con Queen at Sea para ofre­cer un dra­ma fami­liar que en algu­nos aspec­tos se ase­me­ja a Amour (2012), el galar­do­na­do film de Michael Haneke.

El tema abor­da­do es cier­ta­men­te fas­ci­nan­te con­si­de­ran­do lo que acon­te­ce con la vida sexual de gen­te de edad madu­ra con demen­cia senil. En tal caso, según muchos geron­tó­lo­gos el deseo sexual pue­de per­sis­tir por­que la demen­cia afec­ta las fun­cio­nes cog­ni­ti­vas y la memo­ria sin lle­gar a eli­mi­nar las nece­si­da­des afec­ti­vas o físi­cas de hacer el amor.

Dicho lo que pre­ce­de, Ham­mer pre­sen­ta a Les­lie (Anna Cal­der Marshall) y Mar­tin (Tom Cour­te­nay) que con­for­man, una pare­ja octo­ge­na­ria lon­di­nen­se casa­dos hace 18 años, cuan­do en ese enton­ces ambos eran viu­dos; se tra­ta de un matri­mo­nio bien ave­ni­do a pesar de que Les­lie pade­ce de decli­na­ción mental.

Juliet­te Bino­che en QUEEN AT SEA

En el comien­zo del rela­to Aman­da (Juliet­te Bino­che), una aca­dé­mi­ca de New­castle que en su año sabá­ti­co resi­de en la capi­tal ingle­sa, lle­ga al hogar de su madre Les­lie y al entrar en su habi­ta­ción des­cu­bre sor­pren­di­da que su padras­tro que se encuen­tra en per­fec­to esta­do de salud man­tie­ne sexo con ella. Escan­da­li­za­da de lo que con­si­de­ra una vio­la­ción a su madre, ella le recri­mi­na a Mar­tin y le exi­ge que de aquí en más no come­ta ese acto en la medi­da que su madre no está en con­di­cio­nes aptas para expre­sar su con­sen­ti­mien­to; él rehú­sa el pedi­do de su hijas­tra argu­men­tan­do de que no hay nada que obje­tar por­que el inmen­so amor que per­sis­te entre ambos inclu­ye el con­tac­to sexual en el que para ella cons­ti­tu­ye un moti­vo de satis­fac­ción. Es enton­ces que Aman­da comu­ni­ca esa situa­ción a la poli­cía local que a su arri­bo pro­ce­de a arres­tar a Mar­tin gene­ran­do la posi­bi­li­dad de que él deba man­te­ner­se ale­ja­do de su ama­da com­pa­ñe­ra. Por si fue­ra poco, el pro­ce­di­mien­to ini­cia­do inclu­ye que Les­lie sea aus­cul­ta­da por los médi­cos para veri­fi­car si exis­te algún daño en su vagi­na; a pesar de que el resul­ta­do es nega­ti­vo, la situa­ción se com­pli­ca aún más cuan­do a su vez el pro­to­co­lo a seguir inclu­ye la inter­ven­ción del ser­vi­cio social a tra­vés de la visi­ta efec­tua­da por una repre­sen­tan­te de dicho orga­nis­mo. Fren­te a lo que acon­te­ce, Aman­da no pudo ima­gi­nar las con­se­cuen­cias pro­vo­ca­das por su denun­cia y aun­que está muy arre­pen­ti­da por lo que hizo, ya es tar­de para rever­tir la situación.

Con mucha suti­le­za el enco­mia­ble guión des­cri­be el modo cómo trans­cu­rre la vida ruti­na­ria de este matri­mo­nio refle­jan­do la devo­ción de Mar­tin hacia su mujer, mani­fes­ta­da en nume­ro­sas situa­cio­nes, ya sea lle­ván­do­la dia­ria­men­te de paseo, ayu­dán­do­la a inge­rir sus comi­das, pres­tan­do aten­ción en el sumi­nis­tro de sus reme­dios o bien lavan­do su cabe­lle­ra. A todo ello, que­da abier­to el dile­ma si aca­so la solu­ción al pro­ble­ma plan­tea­do es que Les­lie per­ma­nez­ca en un hogar de ancia­nos, sepa­ra­da de Martin.

Para­le­la­men­te a la tra­ma cen­tral, Ham­mer esta­ble­ce cómo se mani­fies­ta el impul­so sexual de la ado­les­cen­cia a tra­vés de Sara (Flo­ren­ce Hunt), la joven hija de Aman­da, en la inti­mi­dad amo­ro­sa que man­tie­ne con James (Cody Mol­ko), un com­pa­ñe­ro escolar.

El nivel del elen­co lide­ra­do por el trío pro­ta­gó­ni­co es nada menos que des­lum­bran­te. Bino­che trans­mi­te con gran con­vic­ción el sen­ti­mien­to de una hija que que­rien­do a su madre se sien­te con­fu­sa al com­pro­bar cómo su padras­tro la ado­ra inclu­yen­do el víncu­lo sexual. Por su par­te el vete­rano Court­ney nue­va­men­te rati­fi­ca su gran talen­to acto­ral expre­san­do la inmen­sa ter­nu­ra y devo­ción hacia su com­pa­ñe­ra; a su vez con esca­sos diá­lo­gos, a tra­vés de sus ges­tos Cal­der Marshal con asom­bro­sa auten­ti­ci­dad se pose­sio­na de su per­so­na­je quien sufrien­do las con­se­cuen­cias que aca­rrea su demen­cia, eso no la inha­bi­li­ta de sen­tir comu­ni­ca­ción emo­cio­nal y agra­de­ci­mien­to al amor que su aman­te espo­so le brinda.

Con una sobria pues­ta escé­ni­ca y sin caer en un arti­fi­cio­so sen­ti­men­ta­lis­mo, Ham­mer ha logra­do un film que hon­da­men­te con­mue­ve por su pro­fun­da huma­ni­dad, al refle­jar cómo el amor en su total dimen­sión pue­de per­du­rar en el cre­púscu­lo de la vida, no obs­tan­te la dis­ca­pa­ci­ta­ción men­tal. Jor­ge Gutman

PARA­DI­SE LOST. Corea del Sur, 2026. Un film de Yeon Sang-ho. 101 minutos

Des­pués de su rotun­do éxi­to con Tren a Busan (2016), el direc­tor sur­co­reano Yeon Sang-ho es muy cono­ci­do por abar­car en su fil­mo­gra­fía diver­sos géne­ros. Así, tras haber pre­sen­ta­do este año en Can­nes el dra­ma terro­rí­fi­co Colony, con Para­di­se Lost brin­da un thri­ller psi­co­ló­gi­co de cien­cia fic­ción que con­ci­ta con­si­de­ra­ble atención.

El guión del rea­li­za­dor escri­to con Ryu Yong-jae está basa­do en la nove­la Black Inferno de Oh Seong-sun en el que se explo­ra el due­lo mater­nal y el modo en que pue­de ate­nuar­se median­te la inte­li­gen­cia artificial.

Kim Hyun-joo

So-young (Kim Hyun-joo) es una madre mono­pa­ren­tal que vela por su úni­co hiji­to Sun-woo (Yu Ji-wan); no obs­tan­te está lejos de ima­gi­nar lo que habría de acon­te­cer cuan­do el niño jun­to con otros 12 com­pa­ñe­ros de su escue­la son trans­por­ta­dos en un auto­bús para un via­je de cam­ping. La des­gra­cia acon­te­ce cuan­do mis­te­rio­sa­men­te des­apa­re­ce el vehícu­lo y si bien cin­co cadá­ve­res y el del con­duc­tor logran ser res­ca­ta­dos, nin­guno es el de Sun Woo, que­dan­do final­men­te la inves­ti­ga­ción archivada.

La dolo­ri­da So-young no encuen­tra for­ma algu­na de con­so­lar su gran dolor has­ta que apa­re­ce una luz al final del túnel; eso se la brin­da una com­pa­ñía tec­no­ló­gi­ca de inte­li­gen­cia arti­fi­cial que median­te unos len­tes de aumen­to le per­mi­ti­rá visi­tar­lo dia­ria­men­te. Median­te esta crea­ción visual, esta madre se sien­te psi­co­ló­gi­ca­men­te con­for­ta­ble al tener la opor­tu­ni­dad de inter­ac­tuar con su hijo revi­vi­do artificialmente.

Si bien esta pre­mi­sa pue­de en prin­ci­pio resul­tar rebus­ca­da, a decir ver­dad hoy día ya nada lle­ga a sor­pren­der y no resul­ta des­car­ta­ble la idea de has­ta qué medi­da la inte­li­gen­cia arti­fi­cial pue­da influen­ciar nues­tras vidas en un futu­ro pró­xi­mo. Dejan­do de lado esta elu­cu­bra­ción la his­to­ria adquie­re una ines­pe­ra­da ten­sión cuan­do al cabo de 9 años el ver­da­de­ro Sun-woo (Bae Hyeon-seong), ya ado­les­cen­te retor­na. Sin entrar a cues­tio­nar qué es lo que acon­te­ció duran­te ese lar­go perío­do, lo cier­to es que el hijo vir­tual encon­tra­rá un rival en el hijo ver­da­de­ro y es así que So-young se encuen­tra con­fu­sa al no saber a quién vol­car su amor mater­nal. ¿Debe eli­mi­nar a su vás­ta­go vir­tual que sigue sin haber cre­ci­do en el tiem­po y acep­tar la reali­dad de que Sun-woo está vivo y por lo tan­to mere­ce­dor de su pro­fun­do cariño?

Para apre­ciar esta his­to­ria de cien­cia fic­ción es impor­tan­te acep­tar la pre­mi­sa pro­pues­ta y tener en cuen­ta has­ta qué pun­to el avan­ce de la tec­no­lo­gía pue­de ser a la vez por­ta­dor de un pro­ble­ma éti­co como el que atra­vie­sa su per­so­na­je protagónico.

Des­de una visión estric­ta­men­te cine­ma­to­grá­fi­ca el rea­li­za­dor logra un rela­to absor­ben­te a tra­vés de una narra­ti­va que muy bien opo­ne al uni­ver­so vir­tual con el mun­do real. Con las mag­ní­fi­cas inter­pre­ta­cio­nes de Kim Hyun-joo y Bae Hyeon-seong, Para­di­se Lost ofre­ce una bue­na refle­xión sobre el due­lo mater­nal y su gra­vi­ta­ción emo­cio­nal. Jor­ge Gutman

LA BOLA NEGRA. Espa­ña-Fran­cia, 2026. Un film diri­gi­do por Javier Cal­vo y Javier Ambros­si. 165 minutos

Muy cono­ci­dos en Espa­ña por haber diri­gi­do varias exi­to­sas series de tele­vi­sión, es aho­ra que Javier Cal­vo y Javier Ambros­si ‑cono­ci­dos como los Javis- efec­túan su pri­mer lar­go­me­tra­je con La Bola Negra, un film que fue galar­do­na­do con el Pre­mio a la Mejor Direc­ción (ex aequo con Father­land de Pawel Paw­li­kows­ki) en el Fes­ti­val de Can­nes y pos­te­rior­men­te obtu­vo el Pre­mio del Públi­co en el Fes­ti­val de Toronto.

El pres­ti­gio­so dra­ma­tur­go Fede­ri­co Gar­cía Lor­ca comen­zó en 1936 a escri­bir la nove­la La Bola Negra de carác­ter semi­au­to­bio­grá­fi­ca, en don­de hace refe­ren­cia a su homo­se­xua­li­dad; lamen­ta­ble­men­te no alcan­zó a con­cluir­la dado que fue ase­si­na­do al comien­zo de la gue­rra civil.

La acla­ra­ción pre­ce­den­te ins­pi­ra a ambos rea­li­za­do­res a ela­bo­rar un guión com­par­ti­do con Alber­to Cone­je­ro, en don­de esa nove­la incom­ple­ta tras­cien­de en su contenido.

La pelí­cu­la está estruc­tu­ra­da en tres epi­so­dios que trans­cu­rren a lo lar­go de un siglo en dife­ren­tes ciu­da­des de Espa­ña y Gre­cia. El pri­mer seg­men­to acon­te­ce en 1932 en don­de Car­los (Milo Qui­fes) ‑alter ego de Lor­ca- es un joven de Gra­na­da deseo­so de poder ingre­sar a un eli­tis­ta club de su ciu­dad; para tal pro­pó­si­to el comi­té encar­ga­do de apro­bar su mem­bre­sía extrae una bola negra que impli­ca su recha­zo y eso se debe a su homosexualidad.

Miguel Ber­nar­deau y Guitarricadelafuente

El segun­do capí­tu­lo se desa­rro­lla cin­co años des­pués en ple­na gue­rra civil en la ciu­dad de San­tan­der enfo­can­do el víncu­lo homo­se­xual esta­ble­ci­do entre Sebas­tián (Gui­ta­rri­ca­de­la­fuen­te), un sol­da­do nacio­na­lis­ta asig­na­do a un hos­pi­tal mili­tar, y el repu­bli­cano Rafael (Miguel Ber­nar­deau), uno de sus pacien­tes heri­do en la Bata­lla de San­tan­der. El per­so­na­je fic­ti­cio de Rafael corres­pon­de al ver­da­de­ro Rafael Rodrí­guez Rapún quien fue un actor de tea­tro aman­te de Gar­cía Lor­ca que se unió a los repu­bli­ca­nos antes de ini­ciar­se el con­flic­to béli­co. La ten­sión gene­ra­da en este epi­so­dio se ate­núa con la pre­sen­cia de una joven can­tan­te de caba­ret (Pené­lo­pe Cruz) encar­ga­da de entre­te­ner a las tro­pas franquistas.

El epi­so­dio final trans­cu­rre en 2017 en Madrid y par­te en Ate­nas en el que se obser­va a Alber­to (Car­los Gon­zá­lez), que des­pués de haber deja­do la carre­ra tea­tral es aho­ra un his­to­ria­dor gay que man­tie­ne una difi­cul­to­sa rela­ción con su madre (Lola Due­ñas) y en su tra­ba­jo de inves­ti­ga­ción del pasa­do a tra­vés de la his­to­ria y la lite­ra­tu­ra se vin­cu­la con una inves­ti­ga­do­ra ame­ri­ca­na (Glenn Clo­se); al pro­pio tiem­po al reci­bir una heren­cia ines­pe­ra­da de su abue­lo materno se reve­lan secre­tos de fami­lia don­de Alber­to se impo­ne que su tes­ta­dor había par­ti­ci­pa­do en la gue­rra civil. Este epi­so­dio pro­por­cio­na en su des­en­la­ce una de las situa­cio­nes más emo­ti­vas del film.

Es suma­men­te intere­san­te com­pro­bar la for­ma en que las tres his­to­rias están entre­la­za­das, en don­de el pre­sen­te se entron­ca con el pasa­do a tra­vés de la obra incon­clu­sa del inmor­tal dra­ma­tur­go. Si bien este melo­dra­ma podría ase­me­jar­se a algu­nos de los exce­len­tes fil­mes de Almo­dó­var, no alcan­za el mis­mo nivel en la medi­da que su lon­gi­tud resul­ta exce­si­va y el tono dis­cur­si­vo de los rea­li­za­do­res en algu­nas situa­cio­nes ate­núa su impac­to. Con todo, la pelí­cu­la que pre­ci­sa­men­te ha sido pro­du­ci­da por Pedro y Agus­tín Almo­dó­var se nutre de remar­ca­bles momen­tos a tra­vés de una his­to­ria que resal­ta la iden­ti­dad sexual y cómo gra­vi­tó la homo­se­xua­li­dad en la suer­te atra­ve­sa­da por sus personajes.

Los Javis ofre­cen una pelí­cu­la ambi­cio­sa, visual­men­te estu­pen­da y dota­da de una vital ener­gía que en gran medi­da es debi­da a su enco­mia­ble elen­co, en don­de resul­ta atrac­ti­vo con­tem­plar en bre­ves y con­vin­cen­tes roles a Pené­lo­pe Cruz y Glenn Close.

Ade­más de ilus­trar remar­ca­ble­men­te los sen­ti­mien­tos ocul­tos de la comu­ni­dad gay, los nove­les rea­li­za­do­res rin­den un mere­ci­do tri­bu­to al gran poe­ta de Gra­na­da al cum­plir­se nue­ve déca­das de su fusi­la­mien­to. 

En suma, aquí se pre­sen­cia un memo­ra­ble film que deja un fuer­te impac­to en el áni­mo del espec­ta­dor. Jor­ge Gutman

& SONS. Gran Bre­ta­ña-Cana­dá, 2025. Un film de Pablo Tra­pe­ro. 119 minutos

En su pri­me­ra incur­sión en idio­ma inglés, el talen­to­so rea­li­za­dor argen­tino obtie­ne con & Sons un elo­cuen­te retra­to de des­unión familiar.

BILL NIGHY

Basa­do en el libro homó­ni­mo de David Gil­bert publi­ca­do en 2013, el rea­li­za­dor lo adap­tó cola­bo­ran­do en el guión la inte­li­gen­te actriz y direc­to­ra cana­dien­se Sarah Polley. En su comien­zo se obser­va a Andrew Dyer (Bill Nighy), quien fue un famo­so escri­tor y que des­de hace tiem­po ha deja­do de escri­bir; refu­gia­do en su casa cam­pes­tre. este misán­tro­po adic­to a la bebi­da, dis­ta de lle­var una vida nor­mal. Él con­vi­ve con su cui­da­do­sa ama de lla­ves (Anna Geis­le­ro­vá) y con Andy (Noah Jupe), su hijo menor; pre­ci­sa­men­te en la pri­me­ra esce­na el mucha­cho le trans­mi­te a su padre el falle­ci­mieno de su gran ami­go Char­lie y que su viu­da le pide que en su fune­ral pro­nun­cie las pala­bras de elo­gio fúne­bre; cuan­do en deplo­ra­ble esta­do lle­ga a la igle­sia, el tras­tor­na­do Andrew comien­za a pro­nun­ciar su dis­cur­so el que brus­ca­men­te inte­rrum­pe para dejar de inme­dia­to el recin­to, tras­lu­cien­do su ines­ta­bi­li­dad emocional.

Ese acon­te­ci­mien­to moti­va a que Andrew enfren­tan­do su mor­ta­li­dad por el poco tiem­po que le que­da vivir, con­vo­que a su man­sión a sus otros dos hijos, Richard (Johnny Flynn) y Jamie (Geor­ge Mac­Kay) con quie­nes no se ha vis­to des­de que hace dos déca­das los aban­do­nó como tam­bién a su sufri­da mujer Isa­bel (Imel­da Staun­ton), a cau­sa de un affai­re extra­ma­ri­tal. Con reluc­tan­cia los dos vás­ta­gos acep­tan la invi­ta­ción no obs­tan­te el gran resen­ti­mien­to que guar­dan hacia Andrew, supo­nien­do que eso se debe a que les pedi­rá per­dón tra­tan­do de recons­truir la rela­ción frac­tu­ra­da. Así des­pués de arri­bar a la man­sión y cono­cer a su her­ma­nas­tro Andy, Andrew les hace una inau­di­ta reve­la­ción a tra­vés de un secre­to guar­da­do que cam­bia por com­ple­to el sen­ti­do de lo que se pre­su­mía has­ta enton­ces acer­ca del rela­to. Con todo, que­da la intri­ga por saber si lo que Andrew ha con­fe­sa­do res­pon­de a la ver­dad dado que Richard y Jamie dudan de la sin­ce­ri­dad de su padre.

Sin entrar a reve­lar el secre­to y el desa­rro­llo pos­te­rior de la his­to­ria, lo cier­to es que Tra­pe­ro es lo sufi­cien­te­men­te cau­to para evi­tar res­pon­der el ori­gen de Andy, como a su vez refle­ja has­ta qué pun­to las vie­jas heri­das del pasa­do resul­tan difi­cul­to­sas para recom­po­ner a esta fami­lia dis­fun­cio­nal pro­duc­to de los erro­res come­ti­dos por el alcohó­li­co Andrew. A medi­da que la his­to­ria se desa­rro­lla adqui­rien­do mayor den­si­dad gene­ran­do algu­nas esce­nas de con­si­de­ra­ble emo­ción, entre ellas el momen­to en que tie­ne lugar el reen­cuen­tro entre Andrew y su ex esposa.

La remar­ca­ble actua­ción del elen­co es uno de los logros del film. Nighby, en el mejor rol de su carre­ra se sumer­ge ple­na­men­te en la piel de un indi­vi­duo prác­ti­ca­men­te aca­ba­do que de algún modo pro­cu­ra recon­ci­liar­se con su fami­lia; por su par­te la vete­ra­na Staun­ton, en otro de sus mag­ní­fi­cos roles, trans­mi­te ple­na­men­te la huma­ni­dad de una mujer que tra­ta de com­pren­der aun­que sin per­do­nar a su ex mari­do por haber qui­ta­do su hogar. No menos impor­tan­te es la auten­ti­ci­dad que Flynn, Mac­kay y Jupe brin­dan en sus res­pec­ti­vos roles como los tres hijos de esta historia.

Tra­pe­ro fil­man­do en una len­gua dife­ren­te no encuen­tra difi­cul­tad algu­na en haber logra­do una cui­da­do­sa pues­ta escé­ni­ca per­mi­tien­do que su expo­si­ción, no obs­tan­te rea­li­zar­se la mayor par­te en limi­ta­dos ambien­tes y a tra­vés de lar­gos diá­lo­gos, evi­ta de resul­tar exte­nuan­te al haber impre­so un rit­mo fluí­do que faci­li­ta la con­cen­tra­ción del espectador.

En suma, sin lle­gar a un nivel de excep­ción, como lo ha sido entre otros títu­los de su fil­mo­gra­fía su ópe­ra pri­ma Mun­do Grúa (1999) y El Clan (2015), Tra­pe­ro ha logra­do con & Sons un muy apre­cia­ble melo­dra­ma. Jor­ge Gutman

LO DEJA­MOS ACÁ. Argen­ti­na, 2026. Un film de Her­nán Gold­frid. 98 minu­tos. Dis­po­ni­ble en Netflix

Con la expec­ta­ti­va de ver a dos exce­len­tes acto­res como lo son el con­sa­gra­do Ricar­do Darín y el mag­ní­fi­co Die­go Peret­ti, todo hacía supo­ner que se apre­cia­ría un buen film, sin embar­go el resul­ta­do decep­cio­na un poco dado que Lo Deja­mos Acá pro­me­te más de lo que con­cre­ta­men­te ofrece.

Ricar­do Darín y Die­go Peretti

Tras una lar­ga ausen­cia, des­pués de haber rea­li­za­do el mag­ní­fi­co film Tesis sobre un homi­ci­dio (2013), Her­nán Gold­frid retor­na para ofre­cer en prin­ci­pio un dra­ma psi­co­ló­gi­co que pos­te­rior­men­te cam­bia de rum­bo al con­ver­tir­se en una entre­ve­ra­da come­dia de enre­dos con piz­ca de thriller.

El rea­li­za­dor, basa­do en un guión de Ema­nuel Diez pre­sen­ta en su comien­zo a Uli­ses Verón (Darín), un pres­ti­gio­so psi­co­ana­lis­ta que es galar­do­na­do con el pre­mio a su exce­len­cia pro­fe­sio­nal; sin embar­go, al pro­nun­ciar su dis­cur­so de agra­de­ci­mien­to seña­la que Argen­ti­na, a pesar de ser el país con la mayor can­ti­dad de psi­co­ana­lis­tas en el mun­do, en las últi­mas déca­das ha vis­to que el por­cen­ta­je de quie­nes requie­ren de asis­ten­cia psi­co­ló­gi­ca se ha dupli­ca­do. En tal sen­ti­do y tenien­do en cuen­ta que un ami­go psi­có­lo­go que era a su vez su pacien­te recien­te­men­te se ha sui­ci­da­do, Verón se pre­gun­ta si aca­so hubie­ra podi­do hacer algo por él para evi­tar su tris­te fin; en con­se­cuen­cia deci­de recha­zar el pre­mio adjudicado.

De lo ante­di­cho, todo pre­dis­po­ne a seguir con inte­rés la tra­yec­to­ria pro­fe­sio­nal del tera­peu­ta quien asis­ti­do por su hija Pau­la (Anto­nia Ben­goe­chea) como secre­ta­ria, atien­de con buen cri­te­rio pro­fe­sio­nal a sus pacien­tes, entre ellas a Flo­ren­cia (Inés Efrón), así como es invia­do a par­ti­ci­par en un pro­gra­ma tele­vi­si­vo don­de su ani­ma­do­ra (Andrea Polit­ti) le hace cono­cer las pre­gun­tas for­mu­la­das por los tele­vi­den­tes a las que él res­pon­de con precisión.

La ruti­na de este pro­fe­sio­nal se alte­ra cuan­do reci­be en su con­sul­ta la visi­ta de Mar­tín Bou­chard (Peret­ti), un céle­bre escri­tor de 57 años cuyos 3 libros pre­ce­den­tes han logra­do un gran éxi­to por par­te de la crí­ti­ca y de sus lec­to­res. El hom­bre le dice que para escri­bir pre­via­men­te nece­si­ta beber, pero aho­ra eso ya no le da resul­ta­do; es así que pade­cien­do de un blo­queo psi­co­ló­gi­co por el que no pue­de con­cre­tar su cuar­ta nove­la, le pide a Verón que lo ayu­de en cali­dad de pacien­te a supe­rar su problema.

Sin entrar a deve­lar lo que pro­si­gue se pue­de anti­ci­par que la aus­pi­cio­sa pre­mi­sa ini­cial del rela­to va deri­van­do en situa­cio­nes entre­ve­ra­das y deci­di­da­men­te irrea­lis­tas en el víncu­lo gene­ra­do del psi­co­ana­lis­ta con el escri­tor. En gran par­te, eso se debe a que el guión sin pro­fun­di­zar sufi­cien­te­men­te en sus per­so­na­jes tra­ta de gene­rar un sus­pen­so des­vián­do­se del tema cen­tral que en últi­ma ins­tan­cia miti­ga la atrac­ción sus­ci­ta­da en la pime­ra par­te del film. A su favor, la pue­na pues­ta escé­ni­ca y el sóli­do elen­co enca­be­za­dio por las acer­ta­das inter­pre­ta­cio­nes de Darín y Peret­ti per­mi­ten que la pelí­cu­la se deje ver, aun­que sin que lle­gue a tras­cen­der. Jor­ge Gutman