UN HOM­ME A LA HAU­TEUR / UP FOR LOVE. Fran­cia, 2016. Un film de Lau­rent Tirard

En oca­sión de su estreno en 2013 la come­dia román­ti­ca de Mar­cos Car­ne­va­le Cora­zón de León logró un con­si­de­ra­ble éxi­to popu­lar en Argen­ti­na, debi­do a cier­tas carac­te­rís­ti­cas dis­tin­ti­vas del tema y sobre todo por la exce­len­te inter­pre­ta­ción de Gui­ller­mo Fran­ce­lla en el prin­ci­pal per­so­na­je. Es aho­ra el direc­tor fran­cés Lau­rent Tirard quien deci­dió rea­li­zar una nue­va ver­sión fran­ce­sa sobre el mis­mo tópi­co en una adap­ta­ción por él rea­li­za­da jun­to con Gre­goi­re Vig­ne­ro. Con la excep­ción de la dife­ren­cia de idio­mas, pue­de afir­mar­se que Un hom­me à la hau­teur sigue con estric­ta fide­li­dad al film de Car­ne­va­le ana­li­zan­do las impli­can­cias que sur­gen cuan­do los inte­gran­tes de una pare­ja román­ti­ca con­tras­tan físi­ca­men­te por dife­ren­cia de altura.

Dia­ne (Vir­gi­nie Efi­ra), una abo­ga­da que com­par­te el lugar de tra­ba­jo con Bruno (Cedric Kahn) reci­be el lla­ma­do tele­fó­ni­co de Ale­xan­dre (Jean Dujar­din) quien le comu­ni­ca que ha encon­tra­do el telé­fono celu­lar que ella había deja­do en un res­tau­ran­te. La con­ver­sa­ción que trans­cu­rre duran­te varios minu­tos a tra­vés de un diá­lo­go ágil y chis­pean­te, per­mi­te que exis­ta una bue­na comu­ni­ca­ción ini­cial entre ambos y es así que que­dan en ver­se al día siguien­te para que él le entre­gue el apa­ra­to. La gran sor­pre­sa se pro­du­ce en el encuen­tro cuan­do ella des­cu­bre que el sim­pá­ti­co Ale­xan­dre mide 1,36 m. Cla­ro está que en un prin­ci­pio eso no es óbi­ce para que inme­dia­ta­men­te se pro­duz­ca una corrien­te de atrac­ción mutua don­de ella intu­ye que a pesar de su altu­ra él es un hom­bre de gran cora­zón y que siem­pre tie­ne una sali­da inge­nio­sa fren­te a situa­cio­nes inesperadas.

Vir­gi­nie Efi­ra y Jean Dujardin

Esta pri­me­ra par­te está ani­ma­da por esce­nas gra­cio­sas que se dis­fru­tan con ple­ni­tud. Pero como en todo rela­to debe haber un con­flic­to, el mis­mo se pro­du­ce cuan­do el víncu­lo avan­za y la mira­da iró­ni­ca de ter­ce­ros, inclu­yen­do la de su madre (Manoe­lle Gai­llard) crea la duda de Dia­ne sobre si pro­se­guir o no la rela­ción con el hom­bre a quien apren­dió a querer.

Si bien este rela­to podría ser con­ce­bi­do como una oda a la tole­ran­cia de acep­tar a alguien dife­ren­te, en este caso por cues­tio­nes de altu­ra, Tirard no pre­ten­de más que ofre­cer una come­dia ama­ble, que divier­te con sus hila­ran­tes situa­cio­nes. En gran par­te eso es debi­do a la actua­ción de Dujar­din quien habien­do logra­do una popu­la­ri­dad inter­na­cio­nal des­de su con­sa­gra­ción en The Artist (2009), rati­fi­ca una vez su caris­má­ti­ca pre­sen­cia com­po­nien­do a un hom­bre hones­to e ínte­gro que habien­do vivi­do el ostra­cis­mo del amor por su pre­sen­cia físi­ca, uti­li­za su irre­sis­ti­ble sim­pa­tía para con­quis­tar a Dia­ne, inclu­yen­do en tal sen­ti­do al públi­co que lo con­tem­pla. Jor­ge Gutman

SWEET BEAN. Japón, 2015. Un film escri­to y diri­gi­do por Nao­mi Kawase

En Sweet Bean la pres­ti­gio­sa rea­li­za­do­ra japo­ne­sa Nao­mi Kawa­se rela­ta un liviano dra­ma don­de se entre­mez­cla el cine culi­na­rio con cier­tos comen­ta­rios socia­les. Basa­do en la nove­la An de Durian Suke­ga­wa esta acce­si­ble his­to­ria de la rea­li­za­do­ra se carac­te­ri­za por su sen­ci­llez y honestidad.

Kirin Kiki

El rela­to pre­sen­ta a Sen­ta­ro (Masa­toshi Naga­se) quien es due­ño de un modes­to local de pana­de­ría que pre­pa­ra dora­ya­kis –unos biz­co­chos de for­ma redon­da relle­nos de “an” (una pas­ta de poro­to dul­ce). Cuan­do colo­ca un avi­so bus­can­do una per­so­na que cola­bo­re en su coci­na, se pre­sen­ta Tokue (Kirin Kiki), una mujer de 76 años, quien es recha­za­da debi­do a su edad; sin embar­go, cuan­do la ancia­na insis­te en su pro­pó­si­to hacién­do­le pro­bar la mues­tra de “an” que pre­pa­ró, Sen­ta­ro cam­bia rápi­da­men­te de opi­nión tomán­do­la a su ser­vi­cio. Allí se apre­cia a la infa­ti­ga­ble pana­de­ra dedi­can­do su máxi­ma aten­ción para que cada ingre­dien­te uti­li­za­do resul­te ade­cua­da­men­te com­bi­na­do a fin de obte­ner una pas­ta deli­cio­sa­men­te apetitosa.

Gra­cias a la rece­ta secre­ta sobre la pre­pa­ra­ción de este relleno esen­cial, los nego­cios fruc­ti­fi­can ver­ti­gi­no­sa­men­te para gran satis­fac­ción del due­ño; muy pron­to entre él y su cola­bo­ra­do­ra va cimen­tán­do­se una cor­dial rela­ción que per­mi­ti­rá a cada uno de ellos reve­lar sus inti­mi­da­des al otro.

La nota dra­má­ti­ca se pro­du­ce cuan­do en el pue­blo don­de trans­cu­rre la acción sur­gen rumo­res de que en el pasa­do Tokue había sido lepro­sa. A pesar de que ese mal es hoy día una enfer­me­dad cura­ble eso no evi­ta que aún se lo con­si­de­re como estig­ma social; aun­que sin lle­gar a des­me­re­cer­lo, este tópi­co no logra inser­tar­se cómo­da­men­te en el plan­teo cen­tral del relato.

La natu­ra­le­za sen­ti­men­tal del film está debi­da­men­te con­tro­la­da y es qui­zá por ello que no sus­ci­te gran emo­ción; eso no afec­ta para que se lo apre­cie con sumo agra­do, aun­que más no fue­se por la actua­ción de la vete­ra­na Kirin Kiki quien infun­de cali­dez en la com­po­si­ción de su noble per­so­na­je. Jor­ge Gutman

CLO­SET MONS­TER. Cana­dá, 2015. Un film escri­to y diri­gi­do por Stephen Dunn

Tenien­do como impor­tan­te ante­ce­den­te la dis­tin­ción de haber sido el mejor film cana­dien­se pre­sen­ta­do el año pasa­do en el fes­ti­val de Toron­to, el novel direc­tor Stephen Dunn demues­tra con­si­de­ra­ble sen­si­bi­li­dad abor­dan­do el pro­ce­so de madu­rez de un joven que debe­rá admi­tir abier­ta­men­te su dife­ren­te orien­ta­ción sexual.

El guión de Dunn pre­sen­ta a Oscar Madly (Jack Ful­ton) en sus años de infan­cia don­de dos epi­so­dios impor­tan­tes habrán de mar­car­le su futu­ra exis­ten­cia. En pri­mer lugar, el niño se sien­te afec­ta­do por ver a su que­ri­da madre (Joan­ne Kelly) hacer aban­dono del hogar a pesar de sus rue­gos para que no lo deje; esa dolo­ro­sa esce­na es en cier­ta par­te ate­nua­da por su padre (Aaron Abrams) quien hacién­do­se car­go del mis­mo tra­ta de con­for­tar­lo. El otro epi­so­dio, de dife­ren­te natu­ra­le­za, acon­te­ce cuan­do cir­cuns­tan­cial­men­te es tes­ti­go de un acto de vio­len­cia al obser­var a un com­pa­ñe­ro esco­lar ser bru­tal­men­te ata­ca­do por el hecho de ser gay; es allí don­de el tími­do e intro­ver­ti­do Oscar se sien­te con­fun­di­do por­que en su nacien­te des­per­tar sexual per­ci­be que él tam­bién es homo­se­xual, hecho que tra­ta­rá celo­sa­men­te de ocul­tar. Como úni­co solaz encuen­tra empa­tía con su háms­ter que tie­ne la “dis­tin­ción” de ser par­lan­te (Isa­be­lla Ros­se­lli­ni) y que obvia­men­te se tra­ta de una voz que su men­te imagina.

Con­nor Jessup

Diez años des­pués se ve a Oscar (Con­nor Jes­sup) como un ado­les­cen­te en vís­pe­ras de adqui­rir la adul­tez como per­so­na; en tal carác­ter, su vida social está limi­ta­da por la pre­sen­cia de Gem­ma (Sofia Banzhaf), una ami­ga que le brin­da su incon­di­cio­nal apo­yo, y su háms­ter que sue­le impar­tir­le algu­nos con­se­jos apro­pia­dos tenien­do en cuen­ta su repri­mi­da sexua­li­dad. A todo ello, la acti­tud homo­fó­bi­ca de su errá­ti­co pro­ge­ni­tor alcohó­li­co con quien cada vez más va guar­dan­do dis­tan­cia y cier­tas visio­nes lúgu­bres que le reve­lan las con­se­cuen­cias que pue­de aca­rrear­le si reve­la su homo­se­xua­li­dad, son otros aspec­tos que lo afec­tan emo­cio­nal­men­te. Cuan­do en la ferre­te­ría don­de está tra­ba­jan­do el mucha­cho cono­ce a su cole­ga Wil­der (Alio­cha Sch­nei­der), un joven por el cual se sien­te sexual­men­te atraí­do aun­que sin demos­trar­lo, será éste quien lo obli­ga­rá a con­fron­tar y acep­tar su iden­ti­dad sexual por más que tra­te de soslayarla.

Lo que dis­tin­gue a este film de otros sobre el mis­mo tópi­co es la for­ma ori­gi­nal en que el rea­li­za­dor cons­tru­ye su rela­to entre­mez­clan­do ele­men­tos reales e ima­gi­na­rios para trans­mi­tir la sole­dad y angus­tia inte­rior del ado­les­cen­te; no menos impor­tan­te es que Dunn haya acer­ta­do en haber ele­gi­do a Jes­sup para el papel pro­ta­gó­ni­co quien cap­tó cabal­men­te la dimen­sión del sen­si­ble per­so­na­je. Sin duda, este dra­ma psi­co­ló­gi­co de carác­ter auto­bio­grá­fi­co cons­ti­tu­ye una impor­tan­te car­ta de pre­sen­ta­ción para futu­ros pro­yec­tos que empren­da su pro­mi­so­rio rea­li­za­dor. Jor­ge Gutman

INDIG­NA­TION. Esta­dos Uni­dos, 2016. Un film escri­to y diri­gi­do por James Schamus

Con un exce­len­te currí­cu­lum como guio­nis­ta de impor­tan­tes fil­mes artís­ti­cos del cine ame­ri­cano James Scha­mus debu­ta como rea­li­za­dor en Indig­na­tion, un film basa­do en la nove­la homó­ni­ma de Phi­lip Roth publi­ca­da en 2008 y que con­tó con una adap­ta­ción que res­pe­ta ple­na­men­te la rique­za de la obra original.

Sarah Gadon y Logan Lerman

Si hubie­se que resu­mir la esen­cia del film podría decir­se que es la expe­rien­cia de un joven judío duran­te la eta­pa de sus estu­dios uni­ver­si­ta­rios. Den­tro de ese con­tex­to el rela­to ofre­ce mucho más que lo anti­ci­pa­do. La acción trans­cu­rre a media­dos de la déca­da del 50, cuan­do Esta­dos Uni­dos está invo­lu­cra­do en la gue­rra de Corea y nume­ro­sos sol­da­dos allí envia­dos ven sus vidas sacri­fi­ca­das. Para evi­tar su reclu­ta­mien­to por el ejér­ci­to, Mar­cus Mess­ner (Logan Ler­man), un mucha­cho judío ateo de 19 años de edad vivien­do con su fami­lia en New Jer­sey, deci­de acep­tar la beca ofre­ci­da por una uni­ver­si­dad de Ohio para estu­diar leyes; al pro­pio tiem­po, la deci­sión adop­ta­da le per­mi­te sen­tir­se libe­ra­do de la asfi­xian­te pro­tec­ción de su padre (Danny Burs­tein), due­ño de una car­ni­ce­ría kosher de Newark.

Al lle­gar a des­tino, Mar­cus com­prue­ba que es uno de los pocos estu­dian­tes judíos del lugar y es así que es asig­na­do a com­par­tir una habi­ta­ción con otros dos estu­dian­tes de igual ascen­den­cia. Ade­más de ser una per­so­na lúci­da, due­ño de una gran inte­li­gen­cia y cul­tu­ra per­so­nal, este joven de natu­ra­le­za tími­da tie­ne la fir­ma deter­mi­na­ción de dedi­car su tiem­po al estu­dio aun­que sin ima­gi­nar que debe­rá enfren­tar dife­ren­tes situa­cio­nes no posi­bles de con­tro­lar que lo habrán de afec­tar emo­cio­nal­men­te. Así, inex­per­to por com­ple­to en las lides del amor y sexual­men­te repri­mi­do, se sien­te atraí­do por Oli­via (Sarah Gor­don), una bella estu­dian­te de his­to­ria de espí­ri­tu libe­ral, quien lo indu­ce a su pri­me­ra expe­rien­cia de sexo oral. Esa acti­tud crea en el mucha­cho sen­ti­mien­tos ambi­va­len­tes hacia ella, con reper­cu­sio­nes pos­te­rio­res tenien­do en cuen­ta que en su dolo­ro­so pasa­do Oli­via había inten­ta­do suicidarse.

Debi­do a que por razo­nes de des­ave­nen­cia con quie­nes com­par­ten su dor­mi­to­rio, el joven soli­ci­ta que lo tras­la­den a otra pie­za, ese hecho moti­va a que Caud­vell (Tracy Letts), el decano de la ins­ti­tu­ción, lo cite a su des­pa­cho. Eso ori­gi­na una anto­ló­gi­ca esce­na de apro­xi­ma­da­men­te 15 minu­tos que sor­pren­de admi­ra­ble­men­te por la for­ma en que el novel cineas­ta la con­ci­bió. A tra­vés de la mis­ma se asis­te al inqui­si­to­rio inte­rro­ga­to­rio efec­tua­do por el decano, ori­gi­nán­do­se un inten­so diá­lo­go dia­léc­ti­co que sin lle­gar a la com­ple­ta con­fron­ta­ción hará que el mucha­cho de mues­tras de una sapien­cia excep­cio­nal; en esa con­ver­sa­ción no fal­tan tópi­cos vin­cu­la­dos con la reli­gión, el cues­tio­na­mien­to del esca­so nivel de inter­cam­bio social man­te­ni­do por Mar­cus, valo­ra­cio­nes ideo­ló­gi­cas y has­ta con­si­de­ra­cio­nes filo­só­fi­cas que invo­lu­cran al pre­mio Nobel Ber­trand Rus­sell don­de el joven defien­de fer­vo­ro­sa­men­te la ten­den­cia agnós­ti­ca del gran mate­má­ti­co bri­tá­ni­co; ese encuen­tro alcan­za su máxi­ma ten­sión cuan­do Mar­cus se opo­ne drás­ti­ca­men­te a que Caud­well se entro­me­ta en su vida privada.

Otro de los momen­tos cla­ves del rela­to se pro­du­ce con la visi­ta que rea­li­za la madre de Mar­cus (Lin­da Emond) al hos­pi­tal don­de él se encuen­tra con­va­le­cien­te des­pués de haber supe­ra­do una apen­dec­to­mía. En ese reen­cuen­tro ella le anun­cia su inten­ción de divor­ciar­se de su abu­si­vo mari­do; en la medi­da que la noti­cia cau­sa enor­me pena al sen­si­ble mucha­cho, su madre está dis­pues­ta a anu­lar su deci­sión a cam­bio de un favor espe­cial que le soli­ci­ta, lo que impli­ca para él otro moti­vo de per­tur­ba­ción emocional.

Fil­ma­do con máxi­ma mesu­ra, los dife­ren­tes acon­te­ci­mien­tos que se van suce­dien­do has­ta cul­mi­nar en su dra­má­ti­co des­en­la­ce, per­mi­ten que el espec­ta­dor apre­cie aca­ba­da­men­te un film de gran cali­dad que ilus­tra la rela­ción de un hijo con sus padres, la impli­ca­ción de ser ateo den­tro del judaís­mo, la incom­pren­sión de la cual pue­de ser obje­to quien es supe­rior a sus pares por su remar­ca­ble madu­rez y sobre todo el fuer­te impac­to que pro­du­ce una anó­ma­la rela­ción sentimental.

A nivel acto­ral, el film no tie­ne des­per­di­cios. Ler­man ofre­ce abso­lu­ta natu­ra­li­dad en el rol pro­ta­gó­ni­co cons­ti­tu­yen­do una extra­or­di­na­ria reve­la­ción, así como Letts des­lum­bra en el inusual com­ba­te oral que su per­so­na­je man­tie­ne con Mar­cus. En un rol com­ple­jo por su ambi­va­len­cia Gadon se luce trans­mi­tien­do los sen­ti­mien­tos de una joven de ende­ble equi­li­brio psi­co­ló­gi­co y pala­bras de elo­gio tam­bién mere­cen los vete­ra­nos intér­pre­tes Emond y Burs­tein como los padres de Marcus.

Para­le­la­men­te a su nota­ble con­te­ni­do intrín­se­co, deben des­ta­car­se los valo­res for­ma­les del film con la mara­vi­llo­sa repro­duc­ción de épo­ca logra­da en los dise­ños de pro­duc­ción de Inbal Wein­berg, los ves­tua­rios de Amy Roth y la foto­gra­fía de Chris­topher Blauvelt.

Dicho lo que pre­ce­de, Indig­na­tion es un remar­ca­ble film pro­vo­ca­ti­vo, capaz de sub­ver­tir las expec­ta­ti­vas del públi­co y que apa­sio­na por su atrac­ti­vo con­te­ni­do temá­ti­co, direc­ción y nivel inter­pre­ta­ti­vo. Jor­ge Gutman

JASON BOUR­NE. Esta­dos Uni­dos, 2016. Un film de Paul Greengrass

Nue­ve años des­pués de haber tra­ba­ja­do en equi­po en el ter­cer capí­tu­lo de Jason Bour­ne, el popu­lar actor Matt Damon y el rea­li­za­dor Paul Green­grass se reúnen para revi­vir al amné­si­co per­so­na­je crea­do en 1980 por Robert Lud­lum. El resul­ta­do es un film suje­to a la ley de los ren­di­mien­tos decre­cien­tes; no solo resul­ta dema­sia­do fami­liar lo que se expo­ne sino que ade­más de dema­sia­do incon­gruen­te, el rela­to no es más que un pre­tex­to para ofre­cer la dosis de acción nece­sa­ria para con­for­mar al gran públi­co. Lo cier­to es que esta fran­qui­cia care­ce del brío y emo­ción refle­ja­dos en sus pri­me­ros tres segmentos.

Mat Dam­mon

Tra­tan­do de demos­trar la for­ma en que hoy día se desa­rro­lla la gue­rra ciber­né­ti­ca entre dife­ren­tes orga­nis­mos, el ade­lan­to tec­no­ló­gi­co es un ele­men­to cru­cial para sus­ten­tar al rela­to basa­do en el guión pre­pa­ra­do por Green­grass y Chris­topher Rou­se. Las pri­me­ras imá­ge­nes mues­tran al ex ase­sino de la CIA (Dam­mon) que per­dió su memo­ria vivien­do en Gre­cia y ale­ja­do de todas las intri­gas polí­ti­cas a las que fue some­ti­do cuan­do tra­ba­ja­ba en la agen­cia. Su tran­qui­li­dad se ve alte­ra­da cuan­do Nicky Par­sons (Julia Sti­les), gran ami­ga de Jason y una ex fun­cio­na­ria de la CIA que cayó en des­gra­cia, lle­ga a con­tac­tar­lo. Ella, que ha logra­do hac­kear el sis­te­ma ope­ra­ti­vo del orga­nis­mo des­car­gan­do impor­tan­tes lega­jos con­fi­den­cia­les, le comu­ni­ca que a tra­vés de los mis­mos Jason podrá obte­ner algu­nas res­pues­tas sobre su pasa­do y ver­da­de­ra iden­ti­dad. Cuan­do la muy com­pe­ten­te Heather Lee (Ali­cia Vikan­der), a car­go de los sis­te­mas de compu­tación de la CIA, des­cu­bre el víncu­lo y encuen­tro pro­du­ci­do entre Jason y Nicky, inme­dia­ta­men­te le hace saber sobre el hecho a su jefe Robert Dewey (Tommy Lee Jones) quien es el direc­tor del orga­nis­mo. Temien­do que Bour­ne pue­da reve­lar algu­nos secre­tos que pudie­ran dañar a la ins­ti­tu­ción, Dewey deci­de ulti­mar­lo; para eje­cu­tar esa tarea uti­li­za los ser­vi­cios de un peli­gro­so ase­sino que cola­bo­ra con la agen­cia (Vin­cent Cassel).

Lo que ante­ce­de moti­va a que nues­tro anti­hé­roe para sal­var su vida deba des­pla­zar­se a Ber­lín y Lon­dres en un típi­co jue­go del gato y el ratón has­ta cul­mi­nar en Las Vegas; en esta últi­ma ciu­dad es don­de se pro­du­ce la acos­tum­bra­da per­se­cu­ción auto­mo­vi­lís­ti­ca duran­te con­si­de­ra­ble espa­cio de tiem­po has­ta lle­gar al pre­vi­si­ble enfren­ta­mien­to don­de nadie duda quien sal­drá ile­so, úni­ca for­ma para que esta fran­qui­cia pue­da even­tual­men­te con­ti­nuar en el caso que este film pro­duz­ca bue­nos retor­nos de boletería.

A dife­ren­cia de otras mues­tras del géne­ro, aquí no exis­te nin­gu­na dimen­sión psi­co­ló­gi­ca de los per­so­na­jes a pesar de la bue­na actua­ción del elen­co don­de sobre­sa­len la pre­sen­cia de Damon y la de Vikan­der quie­nes tra­tan de infun­dir el máxi­mo alien­to posi­ble al ané­mi­co guión.

A pesar de que Green­grass ha demos­tra­do en su fil­mo­gra­fía ser un efi­cien­te e inge­nio­so rea­li­za­dor, su par­ti­ci­pa­ción en este des­lu­ci­do pro­yec­to resul­ta poco relevante.
Jor­ge Gutman