THELIGHTHOUSE. Estados Unidos, 2019. Un film de Robert Eggers
Enfocado como un drama de horror psicológico, The Lighthouse es un film perturbador que se distingue por su excelente actuación y por su notable ambientación.
Willem Dafoe y Robert Pattinson
El relato que se desarrolla en una alejada isla rocosa en Maine hacia fines del siglo XIX tiene como únicos protagonistas a Thomas (Williem Dafoe), un viejo experimentado cuidador de la iluminación del faro y Ephraim (Robert Pattinson), un novato farero que en calidad de ayudante permanecerá junto a él durante 4 semanas.
Desde el inicio se aspira un aire de tiesura entre Thomas y Ephraim en la medida que el veterano anciano gruñón en forma autoritaria imparte las órdenes a su colaborador quien dócilmente debe aceptar las no muy gratas tareas que le encomienda.
Si bien durante la primera parte se va eslabonando el juego de poder que se establece entre ellos, la tirantez va acrecentándose a medida que las jornadas transcurren, a pesar de que hay instancias un tanto amigables compartidas a la hora de cenar.
Esa forzada convivencia está signada por una atmósfera de perversidad y latente tensión generada al amparo de la soledad del lugar. Dado el comportamiento agresivo de Thomas ‑en parte provocado por su abuso de alcohol‑, Ephraim comienza a reaccionar hasta llegar a un climax donde la violenta brutalidad suscitada entre ambos alcanza el punto de no retorno.
Si bien el guión del realizador escrito con su hermano Max Eggers trata de crear un clima de terror, la historia carece de una sólida envergadura dramática para lograrlo y poco agregan a la esencia de esta historia algunas referencias mitológicas a que alude Thomas, así como el viso de fantasía asociada con los sueños de Ephraim haciendo el amor con una sensual sirena.
A su favor la película se beneficia con la filmación en blanco y negro de 35 mm. en una pantalla cuadrada donde la fotografía de Jarin Blaschke recrea magníficamente el escenario en que transcurre la acción. Otro factor funcional al relato es el eficiente diseño sonoro transmitiendo el ruido de las gaviotas que sobrevuelan el lugar, el sonido del insolente viento y el de las olas que rompen el mar.
Lo más destacable de este film es el duelo de titanes que en materia actoral ofrecen sus dos intérpretes. Dafoe encandila dando vida al viejo alcohólico, vital y rudo como así también inmerso de una extraña violencia; a su lado Pattinson igualmente fascina caracterizando a un individuo de naturaleza introspectiva que al no poder contener su furia interna generada por la actitud de su antagonista llegará a explotar y enfrentarlo en una desesperada lucha mortal. Entre ambos actores existe una completa simbiosis evidenciando con total convicción el proceso de degradación física y moral de sus respectivos personajes. Jorge Gutman
THELAUNDROMAT. Estados Unidos, 2019. Un film de Steven Soderbergh
Fiel a su cometido de denunciar aspectos socio-políticos que afectan a nuestra sociedad, Steven Soderbergh ratifica su idoneidad de competente realizador en este trabajo entre ficticio y real que alude a uno de los fenómenos que afecta a la sociedad contemporánea.
El tema abordado por el director es el de los Panama Papers, término referido a los documentos confidenciales pertenecientes al gabinete de abogados panameño Mossack Fonseca que debido a una filtración informativa en abril de 2016 se difundieron públicamente..
Basado en el libro Secrecy World del periodista Jake Bernstein, Soderbergh dramatiza el estruendoso escándalo financiero suscitado mediante una comedia punzante no exenta de sátira y apelando a una narración lejanamente brechtiana.
Con un descaro a toda prueba y en forma satírica, el abogado panameño Ramón Fonseca (Antonio Banderas) y su socio alemán Jürgen Mossack (Gary Oldman) se dirigen al público para ilustrarlos sobre la manera en que su infame bufete ofrece servicios a potentes millonarios, ocultando su identificación, mediante la creación de sociedades corporativas fantasmas radicadas en varios paraísos fiscales, para así eludir el cumplimiento de las obligaciones impositivas.
Meryl Streep
De allí en más el guión de Scott Z. Burns introduce varias historias, algunas mejores que otras, donde entre las mismas se destaca la de la viuda Ellen Martin (Meryl Streep); tras haber perdido a su marido (James Cromwell) en un accidente de ferry ella resulta estafada por parte de la compañía de seguros naviera que se niega a indemnizarla. Eso la impulsa a efectuar una investigación donde indirectamente es el hilo conductor que permitirá descubrir otras actividades socialmente perniciosas. Así queda expuesto el quehacer de varias compañías expertas en el blanqueo de capitales provenientes de corrupciones y sobornos efectuados, como igualmente se va conociendo a una galería de intermediarios, testaferros, burócratas e incluso traficantes de órganos que huérfanos de moral, para nada les interesa la situación de la gente inocente que se ve despojada de sus ahorros.
El realizador ofrece una agria comedia que aunque su tema sea bien conocido, logra que trascienda en la pantalla produciendo estupor y de alguna manera una tristeza imposible de disimular. Si bien su narración resulta un tanto desigual en la medida que los distintos episodios que la integran no logran una completa cohesión, reúne elementos favorables que atenúan tal objeción. En tal sentido cabe destacar la ágil dirección de Soderbergh impidiendo que el relato decaiga y el buen desempeño de su elenco, en especial la actuación de la siempre estupenda Streep.
Como balance se asiste a un buen docudrama cuyo mensaje queda expresado en su imagen final acerca de la necesidad de tomar acción para eliminar las lagunas existentes en un sistema financiero que produce una profunda desigualdad económico-social sobre todo en Estados Unidos considerado como el más grande paraíso fiscal. Jorge Gutman
Como segunda producción de la actual temporada, l’Opera de Montréal (ODM) presentará Lucia di Lammermoor, una de las más importantes creaciones líricas de Gaetano Donizetti cuyo libreto en italiano de Salvatore Cammarano está basado en la novela The Bride of Lammermoor de Sir Walter Scott. La ópera fue estrenada en el Teatro de San Carlos de Nápoles en septiembre de 1835.
La historia que transcurre en las colinas de Lammemoor de la Escocia del siglo XVI se centra en Lucia Ashton, una joven mentalmente frágil que vive un apasionado romance con Edgardo de Ravenswood, jurándose amor eterno; sin embargo la enemistad entre la familia de Lucia y la de los Ravenswood motivará que la joven sea la principal víctima de ese fuerte vínculo amoroso. Así su malicioso hermano Enrico Ashton trata de convencer a Lucia que su enamorado la traiciona a través de ciertas falsas pruebas y la insta a casarse con Arturo Bucklaw, el hombre por él elegido. Convencida de la deslealtad de su amado, ella acepta a Arturo en tanto que el inocente Edgardo acusa a su amante de haber faltado a su promesa. El climax de esta historia se produce en la noche de bodas cuando Lucía salvajemente acuchilla a su flamante esposo, a quien detesta; ese hecho conducirá a su locura desembocando en un desenlace trágico.
En esta ópera Donizetti logra una excelente construcción dramática que armoniza perfectamente con la suntuosa riqueza melódica. Durante décadas, esta obra se consideró como una pieza de lucimiento para sopranos de coloratura y no era muy conocida en el repertorio operístico. Dada la gran intensidad vocal y teatral requerida para el personaje principal, ha sido después de la Segunda Guerra Mundial, cuando un número de excelentes sopranos la hicieron trascender. En tal sentido cabe mencionar la impresionante actuación de María Callas tanto en La Scala (1952) como en la Statische Opera de Berlín (1954 – 55), posteriormente Joan Sutherland sobresalió en la Royal Opera House del Covent Garden (1959, 1960) y más recientemente Natalie Dessay abordó ese rol en el Met (2007,2011) así como Anna Netrebko, igualmente en el Met (2009), logró una inolvidable caracterización de dicho personaje..
KATHLEENKIM (Foto: ODM)
Para esta producción dirigida por Michael Cavanagh la ODM ha elegido a la soprano coreana Kathleen Kim en el rol titular quien ha demostrado poseer una remarcable fuerza vocal y teatral lo que supone que responderá al desafío impuesto por el aria más dificultoso de esta ópera como lo es “Oh, giusto cielo!…Il dolce suono” que Lucia canta en el tercer acto. A su lado actuará el prestigioso tenor quebequense Frédéric Antoun en el rol de su amante Edgardo. Igualmente participan el barítono Gregory Dahl (Enrico), el bajo Oleg Tsibulko (Raimondo), el tenor Mario Bahg (Arturo) y el barítono bajo Rocco Rupolo (Normanno); el reparto se completa con la mezzo soprano Florence Bourget, artista en residencia del Atelier Lirique de la ODM en el rol de Alice.
FRÉDÉRICANTOUN (Foto :ODM)
La música estará a cargo de la Orchestre Métropolitain dirigida por el maestro italiano Fabrizio Ventura y el Coro de la ODM preparado por Claude Webster..
Esta ópera está estructurada en 3 actos y será cantada en el idioma original italiano con subtítulos en francés e inglés los días 9, 12 y 14 de Noviembre a las 19h30 y el 17 de Noviembre a las 14 horas en la sala Wilfrid-Pelletier de la Place des Arts.
Actividades Gratuitas
Como lo vino realizando en las últimas temporadas, la ODM ofrecerá Parlons opera, una serie de inicio a las óperas de la temporada con la presencia del musicólogo Pierre Vachon, un pianista y cantantes.
Es una buena oportunidad para sumergirse en cada ópera durante 90 minutos a través de su historia, música, voces, contexto cultural, compositor y estilo. Estas conferencias se realizará en inglés el 27 de octubre (14h) en el Victoria Hall y en francés en las siguientes fechas: el 31 de Octubre (19h) en el Cégep de Saint-Laurent, el 2 de Noviembre (19h) en la Bibliothèque de Pierrefonds, el 3 de Noviembre (14h) en la Grande Bibliothèque y el 4 de Noviembre (19h30) en la Maison de la culture Frontenac.
En el marco de la programación de las películas que se exhibirán en la semana de cine brasileño que se desarrolla desde el 25 de octubre hasta el hasta el 1 de noviembre en el Cinéma du Parc, hay 4 títulos que merecen destacarse.
SÓCRATES.
Esta ópera prima del joven realizador Alexandre Moratto, retrata con inusitado realismo la lucha por la supervivencia de un humilde muchacho brasileño en la ciudad de Sao Paulo. Su protagonista es Sócrates (Christian Malheiros) de 15 años de edad que ha perdido a su madre. Habitando en una destartalada vivienda ubicada en un desfavorecido sector de la populosa urbe, trata de eludir la posibilidad de ser confinado en un hogar para huérfanos, al no tener un medio de vida con el que pueda subsistir a sus necesidades.
Tales Ordakji y Christian Malheiros en SOCRATES
El guión de Moratto escrito con Thayná Mantesso, sigue las peripecias de este adolescente quien al principio se ocupa de las tareas de limpieza en donde su madre trabajaba, pero no puede seguir haciéndolo porque su empleador no lo admite por ser menor de edad. Posteriormente logra un trabajo temporario en un depósito de chatarra donde entabla un vínculo romántico con Maicon (Tales Ordakji), un muchacho que allí también trabaja; pero esa relación no prospera debido a los obstáculos interpuestos por la homofobia reinante.
Después de tratar de recuperar las cenizas de su madre, su situación se complica al ser desalojado del ruinoso departamento en que habita por falta de pago. Cuando hambriento y desolado decide comunicarse con su padre (Jaime Rodríguez), de quien junto con su madre habían escapado bastante tiempo atrás, Sócrates es violentamente rechazado por él debido a su orientación sexual.
El proceso de maduración de este muchacho en el marco de un medio social inhóspito es considerado de manera realista y sin concesión alguna por el realizador, logrando convincentes actuaciones del elenco, especialmente del joven Malheiros. Si bien el retrato del mundo lúgubre y miserable vivido por Sócrates puede incomodar en algunos momentos, eso no disminuye el nivel de calidad del film. Este auspicioso debut constituye una buena carta de presentación de Muratto para sus futuros proyectos.
A VIDAINVISIVELDEEURIDICEGUSMÀO
Esta película de Karim Aïnouz, que por sus méritos fue considerada la mejor de la sección “A Certain Regard” presentada en el Festival de Cannes de este año, está basada en el libro homónimo de Martha Batalha, con una muy buena adaptaión realizada por el l realizador en su guión co-escrito con Inés Bortagaray y Murilo Hauser.
Carol Duarte en A VIDAINVISIVELDEEURIDICEGUSMÀ0
La acción transcurre en Río de Janeiro, en la década del 50 y se centra en la excelente relación existente entre la prodigiosa pianista Eurídice (Carol Duarte) de 18 años y su hermana Guida (Julia Stockler), dos años mayor. Ambas pertenecen a un hogar de clase media integrado por Manuel (Antonio Fonseca), un padre autoritario y machista, y su madre Ana (Flavia Gusmâo) quien es sumisa a su esposo. El relato cobra impulso cuando a ocultas de su familia Guida se une sentimentalmente a Yorgos, un marinero griego (Nikolas Antunes) y parte con él a Atenas, dejando una carta escrita a su familia que piensa retornar cuando se case con él. Esa actitud produce una marcada ira en su padre y la situación empeora cuando ella desilusionada de Yorgos regresa sola en estado de embarazo y Manuel ‑en franco tren de repudio- le niega la entrada al hogar; cuando ella pide que le deje ver a su querida hermana, su padre le miente diciéndole que Eurídice viajó a Viena para perfeccionar sus estudios musicales. La esencia de esta historia radica en la comunicación abortada a través del tiempo entre estas dos hermanas dado que la correspondencia epistolar que Guida envía a Eurídice nunca llegó a destino. Así, a través de vidas paralelas en una misma ciudad en donde cada hermana supone que la otra reside en Europa, el anhelado reencuentro fraternal no llega a producirse.
Transcurrirán 60 años para arribar a un inesperado y emocionante desenlace realzado por la elocuente presencia de la gran actriz Fernanda Montenegro, caracterizando a la anciana Eurídice.
Esta melancólica y melodramática saga de casi dos horas y media podría reducirse en aproximadamente 20 minutos sin afectar su contenido. No obstante, el film cautiva por la acertada dirección de Aínouz, la impecable actuación de Duarte y Stockler y por la exquisita belleza captada por la fotografía de Helḕne Louvart. Con todo, lo más trascendente es el merecido homenaje del realizador a la resiliencia y empoderamiento femenino en el marco de una sociedad patriarcal
BACURAU.
Este film de ciencia ficción con connotaciones sociales, escrito y dirigido por Kleber Mendonca Filho y Juliano Dornelles, se desarrolla en un futuro cercano en la ficticia población que da título al film, ubicada al nordeste de Brasil.
Sonia Braga en BACURAU
Adoptando la forma de un western, la trama ilustra la vida de humildes habitantes de la región que afectados por la sequía y con una completa indiferencia del gobierno por la falta de suministro del agua, están amenazados por extranjeros llegados al lugar con el propósito de cazar como si estuviesen en un safari africano. Frente a esa inusitada y amenazadora presencia, los lugareños sabrán cómo imponer la resistencia de los intrusos. A pesar de no ser un film totalmente perfecto, el mismo se distingue con detalles preciosistas observados por los realizadores, demostrando cómo la vitalidad de un pueblo unido defiende su dignidad e identidad a través de la lucha armada para derrotar a quienes tienen la intención de oprimirlos.
Sin que exista un personaje que gravite totalmente a lo largo del relato, se distinguen la veterana actriz Sonia Braga como una alcohólica doctora, Udo Kier liderando un grupo de facciosos invasores y Thardelly Lima animando a un corrupto alcalde.
MARIGHELLA
Este vigoroso drama del novel director Wagner Moura enfoca su atención en Carlos Marighella, el famoso escritor y político que fue considerado el líder de la guerrilla urbana en su enfrentamiento con el régimen militar que en 1964 derrocó el gobierno de Joao Goulart en un golpe de estado y se mantuvo en el poder durante 21 años.
Seu Jorge en MARIGHELLA
Fundamentalmente, el guión del director y Felilpe Braga ubica la acción en Sao Paolo en 1968 reflejando los encuentros clandestinos que Marighella mantiene con sus colegas a fin de adoptar la estrategia más conveniente para terminar con la dictadura; para ese propósito toma como modelo algunas de las tácticas implementadas en Cuba y Vietnam. Simultáneamente, el relato enfoca la acción desplegada por la dictadura a través de un implacable inspector policial (Bruno Gagliasso), fiel representante del despótico régimen, quien tiene como misión ubicar y capturar a Marighella.
La solidaridad del líder con los miembros de su equipo, así como las instancias vividas en su vida personal, incluyendo la relación con Clara (Adriana Esteves), su esposa y compañera de armas, brinda algunos de los momentos más emotivos del relato.
Este honesto film que cuenta con la magnífica interpretación central del actor Seu Jorge se destaca por haber transmitido una fiel imagen del revolucionario brasileño que en 1969 murió en acribillado a balazos en una emboscada tendida por la policía.
Nota: Una información completa de los 14 filmes brasileños y los horarios de proyección respectivos puede obtenerse en el sitio cinemaduparc.com
ALICEANDTHEWORLDWELIVEIN. Texto: Alexandra Haber. Dramaturgia: Micheline Chevrier. Dirección: Eda Holmes. Elenco: Jane Wheeler y Daniel Brochu. Escenografía y Vestuario: Amy Keith. Iluminación: Julie Basse. Música: Anna Atkinson y Alexander MacSween. Duración: 1 hora y 20 minutos sin entreacto. Representaciones: hasta el 3 de Noviembre de 2019 en el Centaur Theatre
Comenzando una nueva temporada la compañía del Centaur Theatre presenta en primicia mundial esta interesante obra de la escritora Alexandra Haber con la dramaturgia de Micheline Chevrier. donde se aborda el dolor, la parálisis emocional y la fortaleza humana para superar difíciles situaciones a la que una persona está expuesta frente a los avatares del destino.
Jane Wheeler y Daniel Brochu. (Foto: Andrée Lanthier)
El relato gira en torno de Alicia, una mujer que se encuentra en la ladera de una montaña quien además de padecer de acrofobia se encuentra afectada por un grave suceso que la abate; sintiéndose entumecida es incapaz de marchar hacia adelante o retroceder. Prontamente se sabe que su marido Ever acaba de morir como víctima de un ataque terrorista y en consecuencia destrozando las ilusiones que ambos tenían de realizar un viaje a Italia para celebrar un nuevo aniversario matrimonial. De allí en más Haber apela a un recurso parecido al que Lewis Carroll empleó para Alicia en el País de las Maravillas; así como su heroína cae en una madriguera entrando en un mundo de fantásticos absurdos, en este caso esta Alicia se introduce en un universo paralelo viviendo la ilusoria realidad en la que Ever ha sobrevivido.
El imaginario rencuentro permite que Alicia dé rienda suelta a su memoria pasando revista al modo en que ambos se conocieron, las vicisitudes atravesadas en la relación conyugal y sobre todo los comentarios que Ever efectúa haciéndole ver que la memoria lejos de ser estática se caracteriza fundamentalmente por su fluidez. En última instancia el propósito de la pieza es exponer el miedo aterrador que inmoviliza a Alicia frente a la desgracia sufrida donde su mundo adquiere una dimensión diferente; con todo, la autora insinúa que la resiliencia de Alicia podrá conducirla a dar el vital paso hacia adelante porque a pesar de su duelo la vida continúa su curso.
Haber ha sabido equilibrar su alegórico drama con momentos de espontáneo humor que Eda Holmes supo captar con su precisa dirección escénica. Para ello, la directora se valió de la irreprochable actuación lograda por sus dos únicos intérpretes. Jane Wheeler se mimetiza magníficamente en su Alicia transmitiendo con intensidad el trauma y sentimiento que la agobia tratando de emerger de su inercia paralizante y vencer su acrofobia; por su parte Daniel Brochu convincentemente caracteriza al interlocutor fantasmal quien con su simpatía, tolerancia y apoyo contrarresta el nivel de sufrimiento y frustración de quien fuera su amada mujer.
El sobrio decorado expresionista de Amy Keith enfocando la gigantesca montaña que gravita fuertemente en Alicia con su temor a las alturas, así como el acertado diseño de iluminación de Julie Basse creando la atmósfera apropiada para reflejar las variadas emociones vividas por su protagonista contribuyen a realzar los valores de esta pieza.
Para concluir esta nota, el título de la obra al aludir al mundo en que vivimos permite reflexionar acerca de los frecuentes actos de violencia de la época actual generando traumas difíciles de superar como los vividos por Alicia.